Doctor Who: Legend of the Sea Devils – La Recensione

Legend of the Sea Devils è almeno un degno sequel di Warriors of the Deep.

L’episodio segna un penultimo capitolo piuttosto deludente dell’era Chibnall. Inoltre l’intera storia, come il finale, ad essere piuttosto prevedibile. C’e’ da dire che questo tipo di speciali sono in gran parte costruiti come una scusa per il team di produzione per divertirsi un po’ prima di chiudere definitivamente l’era in generale. Legend of the Sea Devils non è necessariamente in competizione come Midnight o Heaven Sent. Aspira chiaramente alla qualità di un’avventura come The Next Doctor o Planet of the Dead.

Però non funziona. Non funziona praticamente su tutti i livelli su cui è possibile che un episodio non funzioni. Ad essere del tutto corretti, parte di questo è comprensibile. Legend of the Sea Devils è stato prodotto nel mezzo di una pandemia globale, che ha imposto enormi limiti alla produzione cinematografica e televisiva. Doctor Who non ha mai avuto un budget televisivo particolarmente elevato, quindi ha senso che queste limitazioni lo colpiscano duramente. È ovvio che Legend of the Sea Devils è stato prodotto con una serie di restrizioni molto serie.

Questo è un peccato. L’era di Doctor Who sotto Chibnall a livello di spazi era sorprendente, sicuramente più costosa di quanto non fosse in realtà. Chibnall è stato molto intelligente nello spingere la serie verso obiettivi anamorfici e nell’utilizzare abilmente le riprese in esterni per espandere la portata di storie come The Ghost Monument  o Demons of the Punjab. Sotto Chibnall, Doctor Who si è sentito molto più globale di quanto non lo fosse sotto Davies o Moffat.

In effetti, Legend of the Sea Devils è chiaramente progettato per giocare su questi punti di forza. È un pezzo d’epoca ambientato al di fuori del Regno Unito e degli Stati Uniti, come Demons of the Punjab. E come Rosa  e Spyfall, Parte II, è un episodio storico costruito attorno a una figura femminile. Nel suo tentativo di costruire un’avventura dell’Asia orientale costruita attorno alla “regina dei pirati” Madame Ching, sembra un tentativo molto calcolato di interpretare aspetti dell’era Chibnall che hanno ampiamente lavorato con la critica e il pubblico.

Naturalmente, storie come Rosa e Demons of the Punjab non sono state prodotte nel bel mezzo di una pandemia. Il team di produzione potrebbe portare il cast e la troupe in luoghi internazionali per dare alla produzione un senso di scala. Potrebbero impiegare risorse considerevoli, incluso un numero significativo di comparse, che potrebbero interagire tra loro in spazi chiusi. Demons of the Punjab è una sceneggiatura molto forte alle sue stesse condizioni, forse la migliore dell’era Chibnall, ma gran parte del successo dell’episodio è dovuto anche all’abilità di Chibnall nella logistica e nella gestione.

Per dirla semplicemente, Legend of the Sea Devils non ha nulla di tutto ciò. È abbastanza chiaro che l’episodio doveva essere girato nel Regno Unito. Le sue posizioni principali sono un piccolo villaggio e una spiaggia. Il resto dell’episodio si svolge nei set. Per trasmettere un senso di maestosità e scala, Legend of the Sea Devils fa molto affidamento sulla postproduzione, sugli effetti del green screen e sul compositing. Inoltre, è molto chiaro che la serie è limitata nel numero di attori che possono interagire nello stesso posto.

A onor del vero, sebbene non ci sia stata alcuna conferma ufficiale in merito, sembra probabile che Legend of the Sea Devils fosse inteso come parte dell’ipotetica terza stagione di Chibnall, che si è trasformata in Doctor Who: Flux. Ha un certo senso, poiché a Survivors of the Flux manca di un episodio storico incentrato su una figura storica femminile come Rosa , Spyfall, Part II o The Haunting of Villa Diodata. Dato che i Sontaran si sono rivelati abbastanza determinanti per l’arco di Flux, è possibile che Chibnall avesse pianificato di intrufolarsi nei Sea Devils come un “ritorno del mostro della serie classica” per una storia unica.

Questo potrebbe anche spiegare alcuni degli elementi più strani e incongrui di Legend of the Sea Devils, come la deformazione del cielo notturno. È un fenomeno che viene spiegato in una linea di dialogo usa e getta all’interno dell’episodio stesso, ma che avrebbe più senso nel contesto di un’enorme epopea tentacolare dell’universo come Flux. Tuttavia, anche se Legend of the Sea Devils non è stato originariamente concepito come parte della terza stagione di Chibnall e poi tagliato per il tempo, l’episodio non sembra essere stato scritto pensando ai limiti della pandemia.

Questo causa una serie di problemi con Legend of the Sea Devils. La cosa più ovvia è che l’episodio sembra inquietante e vuoto. Sembra che si stia svolgendo in un mondo curiosamente tranquillo. L’altro problema è che gli effetti speciali di Legends of the Sea Devils sembrano assolutamente terribili. Le immagini generate al computer sembrano sorprendentemente economiche e sciocche e non vengono implementate per ottenere il massimo effetto. Per intenderci, Doctor Who ha sempre richiesto una certa sospensione dell’incredulità. Tuttavia, questo non è mai stato un vero problema per lo spettacolo, perché non è mai stato uno spettacolo che ha fatto molto affidamento sugli effetti speciali come principale punto di forza. Le migliori storie trattavano gli effetti speciali come una sorta di contorno piuttosto che come piatto principale. Era facile scusare un’inquadratura poco convincente o una creatura discutibile quando la sceneggiatura era più interessata ai personaggi o la regia era più interessata alla performance.

Ancora una volta, Legend of the Sea Devils fallisce in qualcosa in cui Chibnall è stato in gran parte abbastanza bravo. Uno degli aspetti più coerenti dell’era Chibnall è stata la sensazione che, in termini di produzione, Chibnall e il team di produzione volessero che Doctor Who fosse preso sul serio. Sebbene sia discutibile se Chibnall abbia ragione nell’argomentazione avanzata da Ascension of the Cybermen  secondo cui il moderno Doctor Who dovrebbe aspirare a essere una storia come Earthshock con un budget di Star Wars , non si può negare che la serie è spesso riuscito a fornire risultati su larga scala; considera gli eserciti di Dalek, Cybermen e Sontaran in Once, Upon Time .

Al contrario, Legend of the Sea Devils sembra proprio brutto. Questo non sarebbe un problema, ma l’episodio si basa così tanto sull’idea di scala e spettacolo che i suoi deludenti effetti speciali finiscono per rendere l’intero esercizio imbarazzante. Ironia della sorte, questo è simile al problema che ha dovuto affrontare lo spettacolo durante il mandato di Eric Saward, che sembra essere stato un periodo formativo per il fandom di Chibnall . Storie come Warriors of the Deep e Attack of the Cybermen erano imbarazzanti perché erano così impegnati a essere presi sul serio come avventure “epiche” .

Non sono solo gli effetti speciali. Anche la direzione in Legend of the Sea Devils è molto goffa. Il ritmo e il montaggio dell’episodio sembrano molto fuori posto. C’è molto taglio frenetico, come se si cercasse di emulare lo stile dei blockbuster moderni, ma non funziona con la forma lenta e goffa dei mostri. In vari punti, l’azione si interrompe in modo che i personaggi possano semplicemente pronunciare battute, anche se sembra che dovrebbero accadere più cose contemporaneamente.

Potrebbe essere allettante scusare Legend of the Sea Devils . Dopotutto, questa era una produzione pandemica. Tuttavia, la verità è che Doctor Who: Flux sembrava molto migliore e più professionale. Inoltre, Chibnall ha dimostrato di essere un astuto produttore. Nonostante tutti i problemi narrativi e tematici con Eve of the Daleks, quello è stato un episodio costruito attorno alla comprensione che il team di produzione stava lavorando con un cast limitato in alcune località, e quindi ha giocato su quei punti di forza. Chibnall è stato astuto nel produrre Eve of the Daleks, quindi è frustrante che sia stato così sciatto con Legend of the Sea Devils .

Questi problemi sono aggravati dai soliti problemi narrativi con l’era Chibnall. La sceneggiatura è ricca di spiegazioni che complicano eccessivamente una trama relativamente semplice e lineare, supponendo che avere i personaggi che parlano più dialoghi a una velocità maggiore farà sembrare l’episodio più intelligente.

Naturalmente, vale la pena chiedersi se Doctor Who avesse davvero bisogno di riportare indietro i Sea Devils. Dopotutto, i Sea Devils erano sempre solo una versione dei Siluriani per cui il Dottore non doveva sentirsi troppo in conflitto eticamente. Erano una copia di una specie molto più interessante, quella che Chibnall aveva resuscitato più di un decennio prima in The Hungry Earth e Cold Blood. L’intero trailer è stato costruito attorno all’idea che il ritorno dei Sea Devils fosse un evento, che fossero creature della “leggenda”.  C’era una chiara sensazione che Doctor Who di Chris Chibnall pensasse che le parole “Sea Devils” e quel volto familiare dovevano essere sufficienti da sole per portare il pubblico in una frenesia nostalgica.

È molto simile agli sforzi di Chibnall per stabilire i Sontaran come una minaccia credibile in War of the Sontarans, per far salire quegli alieni su diversi gradini nella gerarchia dei cattivi di Doctor Who semplicemente perché sono in giro. A dire il vero, Davies è riuscito a riportare in vita la maggior parte degli alieni davvero iconici di Doctor Who: i Dalek, i Cybermen, il Master, persino gli Auton e i Sontaran. È quasi strano ricordare quando Steven Moffat dovette essere convinto a riportare in vita gli Ice Warriors nella Guerra Fredda, insistendo sul fatto che Mark Gatiss avesse almeno qualcosa di nuovo o interessante da dire sugli alieni .

Non ha senso che Chibnall abbia davvero qualcosa di valore da dire sui Sea Devils. Non c’è una nuova prospettiva qui. C’è un momento interessante all’inizio dell’episodio, quando il Dottore chiama Marsisuss un “Diavolo del mare” e Marsisuss risponde bollandola come un “parassita terrestre”. È un momento che riconosce quanto sia carico il termine “Sea Devil” , come la conversazione sul chiamare un film horror Alien in Last Christmas . Tuttavia, invece di usarla come un’opportunità per sviluppare i Sea Devils in una cultura sfaccettata, consentendo loro di affermare il proprio nome, l’episodio lo usa solo per uno scherzo a buon mercato e va avanti.

Questo è frustrante, perché qui c’è sicuramente un terreno fertile per il mio. Come osserva Danny Nichol in Doctor Who: A British Alien?, i Sea Devils sono stati storicamente codificati in termini che evocano i cliché razzisti del “pericolo giallo” :

Il racconto contiene una serie di significati della Guerra Fredda: controllo del cervello; agenti segreti; i costumi orientali dei Sea Devils, che li codifica come i cugini cinesi dei presumibilmente siluriani sovietici; un’arma di distruzione di massa sotto forma di Myrka, un dinosauro fulminante; un missile che distrugge il tessuto dell’organismo ma lascia intatta la proprietà; un’offerta vincente del Dottore al disarmo unilaterale (si guadagna fiducia cedendo la sua arma); e alla fine (insolitamente in un’avventura di Doctor Who) muoiono tutti, rettili e umani come, a parte il Dottore e i suoi due compagni.

In quanto tale, data l’ambientazione della storia nell’Asia orientale, sembra un’opportunità persa che Legend of the Sea Devils non si preoccupi mai di sviluppare la sua minaccia acquatica al di là dei cliché standard che sono apparsi in The Sea Devils e Warriors of the Deep.

Non c’è nulla di particolarmente interessante o fresco nei Sea Devils in Legend of the Sea Devils, a parte il fatto che sono alieni apparsi per la prima volta in The Sea Devils e quindi hanno una certa continuità. In effetti, sembrano abbastanza generici. Marsisuss è malvagio per il gusto di essere malvagio. “Vuoi creare il caos”, afferma utilmente il Dottore, definendolo praticamente un cattivo dell’era Chibnall. Come il Flux, Marisisuss è definito non dalla sua volontà di commettere omicidi di massa, ma dalla sfida che rappresenta allo  status quo esistente. Il suo piano è una minaccia vagamente definita che funge da ampia metafora del cambiamento climatico, pianificando di innalzare il livello degli oceani “fino a quando l’intera Terra non sarà allagata”. Non c’è nessuna sfumatura qui, nessuna complessità. È un cattivo che fa cose cattive e il pubblico non dovrebbe preoccuparsi troppo delle sue motivazioni.

Detto questo, c’è sorprendentemente poca sostanza in Legend of the Sea Devils. Non sembra esserci alcun sottotesto o metafora, nessun arco forte, nessun tema particolarmente coinvolgente. È difficile spiegare di cosa parla Legend of the Sea Devils. L’episodio va avanti. Sembra quasi un cinico tentativo di incassare la popolarità di avventure come Pirati dei Caraibi o Master and Commander, ma anche quel riferimento sembra curiosamente datato. Ai bambini piacciono i pirati in questo momento?

Non aiuta il fatto che Legend of the Sea Devils ricada su cliché riconoscibili della più ampia era Chibnall. Chibnall condivide un credito di co-sceneggiatura con Ella Road, ma gran parte della struttura dell’episodio è familiare. Ciò è particolarmente evidente nell’atteggiamento massicciamente ipocrita nei confronti della violenza. “Non dovevi ucciderlo!” il Dottore rimprovera Madame Ching dopo aver ucciso un Sea Devil, ma l’episodio prosegue celebrando l’abilità di Dan di uccidere in massa i Sea Devils. “Dove hai imparato a trattare i tuoi nemici in quel modo?” chiede Ji-Hun. “Dovresti conoscermi mamma”, risponde Dan. Non c’è autocoscienza.

Allo stesso modo, come The Timeless Children e The Vanquishers, Legend of the Sea Devils si basa su un sacrificio completamente inutile di un personaggio ospite. È un tentativo di pathos davvero deludente, in particolare dato che Ji-Hun non è nemmeno il personaggio dell’ospite terziario in un episodio di cinquanta minuti; la sceneggiatura è più interessata a Madame Ching, Marsissus e persino Ying Ki che a lui. Questo è un segno distintivo dell’era Chibnall, un facsimile o un simulacro di un dramma reale, qualcosa che ha funzionato davvero bene in un’altra storia o sceneggiatura, ma che si ripete senza alcuna sostanza o significato.

Detto questo, vale la pena riconoscere che Legend of the Sea Devils almeno ritorna alla relazione implicita tra il Dottore e Yaz. Lo spettacolo ha riconosciuto l’attrazione di Yaz e la consapevolezza del Dottore di tale attrazione in Eve of the Daleks, e i personaggi lo ammettono l’un l’altro in Legend of the Sea Devils. Tuttavia, il risultato è un cliché e non impegnativo. Come per gran parte della serie di Chibnall, Legend of the Sea Devils si sente incredibilmente soddisfatto di sé per aver affrontato grandi idee che lo show ha effettivamente esplorato e sviluppato sotto lo showrunner Steven Moffat.

Ovviamente, Legend of the Sea Devils ricade sull’angoscia familiare del Dottore di essere un vagabondo immortale incapace di mantenere relazioni con i suoi compagni. Questo era un tema importante durante l’era di Russell T. Davies. Si trattava in qualche modo di una concessione alla struttura della serie, che richiedeva che i compagni venissero regolarmente scritti. Era anche un pezzo di dramma del personaggio estrapolato dalla logica interna di uno spettacolo in cui uno dei protagonisti aveva migliaia di anni.

Davies ha estratto questa premessa per un dramma interessante. Tuttavia, Moffat ha deciso di spingersi oltre, riconoscendo che la serie non poteva continuare a riciclare i vecchi ritmi dei personaggi più e più volte. Gran parte dell’era Moffat è stata costruita attorno al Dottore che si rendeva conto che questo atteggiamento nei confronti dei compagni era emotivamente sconsiderato e causava un danno reale. Gran parte dell’arco narrativo dell’Undicesimo Dottore è stato dedicato al tentativo di curare il danno che ha causato ad Amy, cercando di capire come rimanere in un posto. L’arco narrativo dell’Undicesimo Dottore è culminato nel diventare “l’uomo che è rimasto per Natale” in The Time of the Doctor .

Allo stesso modo, il Dodicesimo Dottore prese sul serio il suo “dovere di cura” nei confronti di Clara. Ha riconosciuto la responsabilità che doveva ai suoi compagni. Gran parte del suo rapporto con Clara è stato costruito attorno all’idea di riconoscere al compagno l’autonomia e l’uguaglianza nella relazione. Allo stesso modo, il Dodicesimo Dottore decide di trascorrere ventiquattro anni con River ne I mariti di River Song, e giura di dedicare la sua vita a proteggere Missy in Extremis. Il mandato di Moffat riguardava principalmente il Dottore che riconosceva schemi tossici nel suo comportamento e cercava di risolverli. Di tanto in tanto poteva fallire, ma lo sforzo contava.

In quanto tale, c’è qualcosa di profondamente cinico nel modo in cui Chibnall ritorna alla dinamica iniziata più di quindici anni prima, come se il Dottore non avesse imparato assolutamente nulla negli anni successivi e come se lo serie stessa fosse incapace di crescere e cambiare realmente. Inoltre, si ricollega goffamente ai temi più grandi della corsa di Chibnall, in particolare all’idea in Survivors of the Flux che l’intera relazione Dottore-compagno sia il Dottore che replica e perpetua inconsciamente la dinamica abusiva che aveva con Tecteun. C’è qualcosa di veramente cupo e cinico in tutto questo, che sembrerebbe avvelenare la relazione al centro di Doctor Who. Sembra sostenere che le vittime di abusi sono destinate a perpetuare quel ciclo di abusi, e che la guarigione e la crescita sono impossibili, che queste persone con queste abitudini disfunzionali non possono ” ripararsi” da sole, quindi perché preoccuparsi di provare?

È un modo profondamente inquietante di affrontare la relazione tra il Dottore e Yaz, suggerendo che la serie non ha imparato nulla dai ruoli dell’Undicesimo e del Dodicesimo Dottore, e in effetti ha attivamente rifiutato i temi più umanisti e ottimisti alla base di quegli archi caratteriali. Questo episodio sembra suggerire che il Dottore è a pezzi, e sarà sempre a pezzi, e che qualsiasi tentativo di cercare di essere più sani è destinato a fallire, quindi perché anche solo provarci? Rende completamente inutili le cure del Dodicesimo Dottore per Clara, River e Missy.

Più fondamentalmente, dimostra la tossicità della nostalgia che è alla base dell’era Chibnall, l’idea che forse Doctor Who non può davvero cambiare o crescere, che il meglio a cui può aspirare è un meccanismo di consegna della nostalgia. La relazione del Tredicesimo Dottore con Yaz invita lo spettatore a ricordare la relazione del Decimo Dottore con Rose e Martha, perché quella è stata una delle epoche più popolari nella storia dello spettacolo. Allo stesso modo, i Sea Devils solleticano i recettori della nostalgia dei fan a cui piace vedere cose che riconoscono.

È profondamente frustrante che, mentre l’era volge al termine, Doctor Who di Chris Chibnall sembri niente di più.

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“Ri-Nascita”: Dalla stagione 3 di DareDevil alla “fedeltà” del cinema a fumetti

Uno degli aspetti più interessanti del boom moderno nella cultura geek è la maggiore enfasi sulla fedeltà testuale.

Molto è stato scritto sull’elevata nascita di adattamenti, sequel, remake e reboot che dominano la cultura popolare contemporanea. La tendenza è forte, anche tra le uscite cinematografiche e televisive di prestigio di quest’anno.  Tuttavia, è molto rivelatore che così tanti adattamenti moderni di personaggi famosi sono molto concreti sull’idea di fedeltà. “Fedeltà” è diventata una parola d’ordine per questi adattamenti, non solo in termini di Easter Egg, ma in termini di costruzione di base. A suo modo, questa potrebbe forse essere un’estensione dell’enfasi sui fumetti e graphic novel come ispirazione chiave per i moderni blockbuster. Dato il numero di artisti legati ai fumetti che lavorano come sceneggiatori nei film, è normale considerare il materiale originale come uno storyboard, per adattare una vignetta a un’immagine in movimento.

Non è sufficiente mettere insieme un film basandosi esclusivamente sul tono del fumetto, e un regista può letteralmente prendere solo una libera ispirazione mentre crea qualcosa che assomiglia poco al materiale di partenza. La terza stagione di Daredevil ricorre a questo problema ripetutamente, in gran parte come un tentativo confuso di portare sullo schermo Rinascita di Frank Miller e David Mazzucchelli .

Nota: questo articolo contiene spoiler minori della terza stagione di Daredevil .

Non è sempre una cattiva idea prendere ispirazione dal materiale di partenza per adattare un amato personaggio dei fumetti allo schermo. La trilogia di Batman di Christopher Nolan adatta una serie di elementi chiave di vari archi narrativi ed eventi. Batman Begins deve molto all’ Anno Uno di Frank Miller e David Mazzucchelli . Nolan stesso cita The Long Halloween come una grande influenza per The Dark Knight . In termini di trama di base, The Dark Knight Rises deve molto a Knightfall e Cataclysm . Tuttavia, nessuno di questi film è particolarmente legato al loro materiale originale.

In effetti, Nolan mescola una varietà di influenze in ognuno dei singoli film. Batman Begins attinge da fumetti come quelli di Dennis O’Neil e gli epici anni settanta del Batman di Neal Adams o la storia dimenticata The Man Who Falls . La trama di The Dark Knight combina elementi di Batman # 1 e The Killing Joke . Lungo queste linee, The Dark Knight Rises include aspetti di The Dark Knight Returns o The Cult. Nessuno di questi elementi si eliminano, e nessuno di questi film è abbastanza vicino da poter essere adattato direttamente. Più precisamente, Nolan include alcuni segnali visivi in ​​modi che non stravolgano la storia.

Tuttavia, nei film dei fumetti moderni c’è una tendenza a porre un’enfasi eccessiva sulla “fedeltà” , per trattare questi adattamenti non come storie fine a se stessi, ma come raccolte di momenti e citazioni di vari anni di pubblicazioni confezionato all’interno di un film. Watchmen potrebbe essere il miglior esempio di questo, con Zack Snyder che crea una serie di scatti letteralmente presi dai disegni di Dave Gibbons, producendo uno degli adattamenti cinematografici più visivamente fedeli da Psycho di Gus Van Sant .

Storicamente, gli adattamenti dei fumetti tendevano ad essere abbastanza ampi nel tradurre elementi della storia dalla carta allo schermo. Il Batman di Adam West ha sorvolato la morte di Thomas e Martha Wayne. Batman di Tim Burton suggerì che il Joker aveva assassinato i genitori di Bruce Wayne. La versione di Lex Luthor apparso in Superman e Superman II era abbastanza distante dallo scienziato pazzo nell’armatura dei fumetti contemporanei. Catwoman e il pinguino di Batman Returns erano mondi diversi dalle loro controparti a fumetti.

Alcuni di questi elementi ovviamente non funzionano. Ci sono molti film a fumetti che soffrono a causa di decisioni che non possono essere ricondotte al loro materiale originale. In molti casi – come Batman e Robin – le modifiche apportate ai personaggi e il ritmo della trama dal materiale di partenza peggiorano la storia. Allo stesso tempo, non si può negare che alcuni di questi primi adattamenti avevano una certa libertà di inventare e reimmaginare i loro personaggi e le premesse in un modo che li ha modellati e definiti.

Per essere onesti, Watchmen non è esattamente il punto zero quando si tratta di questo livello di fedeltà negli adattamenti dei fumetti. Ironia della sorte, Daredevil di Mark Steven Johnson è forse uno dei grandi primi esempi di adattamento di un supereroe che potrebbe aver sofferto di essere troppo fedele alla sua ispirazione. L’adattamento di Johnson si è ispirato incredibilmente all’iconico lavoro di Frank Miller su Daredevil , in particolare nel suo ritratto di personaggi come Kingpin, Elektra e Bullseye. Infatti, l’omicidio di Elektra da parte di Bullseye viene preso direttamente dal fumetto.

Johnson era così fissato nel riprendere tutti questi momenti, che ha faticato a strutturarli in una narrazione avvincente. Daredevil avrebbe potuto funzionare meglio se avesse preso un singolo elemento e costruito il film intorno ad esso, piuttosto che passare attraverso una lista di omaggi e ritmi per legare il film al lavoro di Frank Miller. Dopotutto, Miller aveva accumulato molti di questi grandi momenti nel corso degli anni, ma Johnson stava invece cercando di metterli in pratica e montarli in un film di due ore. Johnson sembrava capire il potere di questi momenti, ma non il loro contesto.

Tuttavia, Watchmen sarà probabilmente il migliore esempio di questo, con il regista Zack Snyder che mostra un’incredibile fedeltà al materiale originale.  Allo stesso tempo, c’è la sensazione che Snyder abbia offerto un adattamento letterale del testo senza comprenderne il significato, e quindi ha usato la fedeltà al testo come un’opportunità per aggirare l’effettivo processo di traduzione della storia da un mezzo all’altro . Guardando Watchmen, sembra spesso che essere fedeli al testo letterale e alle immagini del materiale originale fosse più importante che provare a distillare la sua essenza sul grande schermo. È una sensazione molto strana, sembra quasi un esperimento di art-house piuttosto che un blockbuster di grosso budget.

Ci sono molti esempi che illustrano il divario tra quella fedeltà testuale e l’essenza del fumetto. Moore e Gibbons sottolineano ripetutamente l’assurdità dell’idea dei supereroi in Watchmen , fissando personaggi che sono mentalmente sconvolti o fisicamente fuori forma. In particolare, Dan Dreiberg viene presentato come un uomo di mezza età in sovrappeso impotente. Tuttavia, Snyder non resiste all’impulso di sparare ai suoi personaggi in modo molto tradizionale, incluse scene di lotta al rallentatore con una coreografia mozzafiato. Questo è molto in disaccordo con il punto centrale tematico del fumetto.

(Per inciso, questo è uno dei motivi per cui Nolan ha consapevolmente cambiato l’ispirazione della trasformazione di Bruce Wayne dai fumetti. Nel fumetto, Bruce era stato ispirato dal film Il Marchio di Zorro che ha visto al cinema nella notte in cui i suoi genitori morirono. Nolan era ansioso che rendere la trasformazione di Bruce (anche in parte) qualcosa di più interessante e accattivante, così ha cambiato dal cinema a una serata all’opera in Batman Begins . E’ stato ispirato da Mefistofele piuttosto che Zorro .)

Negli ultimi anni, i film di fumetti sono diventati sempre più visivamente fedeli al loro materiale originale. Ad esempio, Thor: Ragnarok include una sottotrama estesa con il personaggio di Skurge the Executioner che esiste solo per costruire un’immagine particolarmente memorabile dall’iconico Thor  di Walt Simonson . Allo stesso modo, Thor: The Dark World traspone i personaggi come Malekith e Kurse dai disegni di Thor di Simonson , senza alcuna considerazione reale su cosa faccia funzionare questi personaggi. Erano nei fumetti ed erano popolari nei fumetti, quindi entrano nei film.

Questo spostamento è probabilmente il risultato di molteplici fattori diversi. Sempre più spesso, i tipi di persone coinvolte nelle principali decisioni creative degli studios che producono questi film hanno un ampio background nella cultura nerd, come il coinvolgimento di Geoff Johns in progetti come Green Lantern o Justice League . Più precisamente, sembra anche probabile che i registi e gli scrittori assegnati a questi progetti siano più profondamente versati nei personaggi e nella continuità. L’evidente passione di Zack Snyder per The Dark Knight Returns ha inevitabilmente formato Batman vs. Superman: Dawn of Justice .

C’è anche una maggiore enfasi sulla fedeltà come valuta culturale, in particolare quando si realizzano film e serie televisive per i fan più accaniti di proprietà abbastanza conosciute. Il “canon” è diventato un concetto sempre più legato (e talvolta frustrante) per i franchise di successo moderni, con società come la Marvel Studios che sono orgogliose di quanto direttamente e con quale fedeltà attingano dal materiale di partenza nella costruzione di questi film . Non importa che i fumetti abbiano un pubblico molto più piccolo, né che l’adattamento sia qualcosa di più della trasposizione letterale. La fedeltà è la chiave.

Questo è forse ciò che ha fatto sembrare un film come Venom così vecchio stile. Sembrava una reliquia dei primi anni del primo ventunesimo secolo per ragioni che si estendono oltre la bizzarra traccia del rap Eminem. Il film Venom sembra essere stato scritto e prodotto da persone che avevano solo letto il riassunto di wikipedia del personaggio, e non avevano mai preso una copia di Amazing Spider-Man nelle loro vite. Dopotutto, questo era un film di Venom senza Spider-Man . Richiedeva una forma di adattamento molto più sciolta.

Tutto ciò torna a Daredevil . La serie Netflix è passa attraverso quattro diversi set di showrunner durante le sue tre stagioni. Mentre le prime due stagioni dello spettacolo non sono mai state adattamenti diretti di singoli archi narrativi, sono stati entrambi fortemente influenzati dal lavoro di Frank Miller. La prima stagione è stata fortemente ispirata a The Man Without Fear , mentre la seconda si è appoggiata pesantemente alla mitologia che Frank Miller ha sviluppato attorno a Elektra Natchios e alla mano. Oltre a ciò, la prima e in particolare la seconda stagione sembravano utilizzare i momenti chiave dei fumetti come storyboard per sequenze chiave.

Nessuna delle prime due stagioni è stata un adattamento diretto di una singola run o arco scritto e illustrato da Frank Miller. Tuttavia, lo spettro di Born Again pende su Daredevil come personaggio. In parole povere, Born Again è una delle storie più influenti nella storia dei fumetti. Anche se l’originale Daredevil di Frank Miller è stato interpretato come una figura di interesse, è Born Again che ha incarnato Daredevil come personaggio. Born Again è una storia che ha influenzato innumerevoli scrittori che hanno seguito Miller, sia che si ispirino a emularlo sia a rifiutarlo. Scrittori come Kevin Smith, Brian Michael Bendis e Ed Brubaker ne hanno tratto pesantemente nonostante scrivessero circa due decenni dopo che la storia era stata raccontata. Un’intera generazione di fan e scrittori ha letto Born Again e l’ha abbracciata come l’ideale platonico di ciò che potrebbe essere un fumetto di supereroi.

Questo è il problema con questa terza stagione di Daredevil: tenta di adattare Born Again allo schermo. Tratta la storia come una raccolta di immagini e una serie di citazioni piuttosto che una narrativa coesa con se stessa. La stagione è costellata da brani narrati direttamente da Born Again , come ad esempio Matt che passa molto tempo a riprendersi con una suora che potrebbe essere sua madre o Wilson Fisk che deduce abilmente che Matt Murdock è l’unico e solo Daredevil.

Per essere onesti, potrebbe essere impossibile adattare Born Again per film o televisione nel ventunesimo secolo. L’arco della storia dei fumetti si apre con l’amata amica di Matt, Karen Page, come una pornostar drogata dall’eroina che vende l’identità segreta di Matt Murdock per una dose. Queste informazioni arrivano fino a Wilson Fisk, che decide di smantellare la vita di Matt Murdock pezzo per pezzo. Fa espellere Murdock. Fa congelare i suoi beni. Fa saltare in aria il suo condominio.

Nessuna di queste cose è realmente accaduta nella terza stagione di Daredevil , a causa della trama logica in seguito agli eventi di The Defenders . Matt Murdock è scomparso e presunto morto all’inizio della terza stagione, quindi non c’è una vita per Wilson Fisk da smantellare. Wilson Fisk è sotto custodia della polizia, quindi non può colpire Matt Murdock dall’alto con la stessa impunità. L’attrice Deborah Ann Woll ha assicurato ai fan che Karen non diventerà mai una pornostar tossicodipendente, e quindi non può essere la persona a svendere l’identità di Matt al suo arcinemico.

Alcuni di questi problemi sono puramente logistici. Forse la serie avrebbe potuto costruire una storia come Born Again per la sua quarta stagione, avendo fatto in modo che tutti i pezzi fossero stati messi a posto alla fine della terza stagione. Forse la terza stagione avrebbe potuto funzionare come miglior adattamento di Born Again se il team di produzione fosse stato più attento a quello che stavano facendo nella seconda stagione di Daredevil e nella prima stagione di The Defenders . Tuttavia, alcuni di questi elementi semplicemente non sarebbero mai stati realizzabili in qualsiasi condizione, dato il clima sociale moderno e i vincoli imposti dal marchio Marvel Studios.

La terza stagione di Dardevil riporta alcuni punti della trama da Born Again . Wilson Fisk tenta di annegare Matt Murdock nel fiume. Al suo livello più basso, Matt si ritira per curarsi nella chiesa e riscopre la sua fede. Dopo questo, Matt  combatte un pazzo che Wilson Fisk ha pagato per vestirsi come Daredevil per distruggere il suo buon nome. Queste sono tutte cose che accadono sia in Born Again che nella terza stagione di Daredevil . Tuttavia, il contesto per loro è radicalmente diverso, e quindi l’impatto di essi è cambiato in modo significativo.

Wilson Fisk tenta di annegare Matt Murdock nel fiume, ma non come ultimo tentativo di uccidere il personaggio dopo aver distrutto la sua vita. In effetti, guardando la terza stagione di Daredevil , non viene mai spiegato perché Fisk non gli avrebbe semplicemente sparato o picchiato a morte mentre era svenuto . Allo stesso modo, il tempo di Matt con la chiesa non è il risultato della sua vita che crolla dopo che Wilson Fisk lo ha fatto a pezzi. Invece, Matt si è ritirato in chiesa prima che Wilson Fisk faccia la sua prima mossa. Elimina l’equilibrio della storia.

Questo crea una strana tensione nella terza stagione di Daredevil , in cui la narrativa assomiglia superficialmente al fumetto Born Again , ma solo in piccoli frammenti di dialogo e poche immagini prese in prestito. La narrativa sottostante è completamente diversa, che crea una disconnessione. Born Again è fondamentalmente la storia di una morte e rinascita di Matt Murdock, ma la terza stagione di Daredevil si apre con la rinascita, il che significa che la serie deve nuovamente uccidere Matt Murdock, il che elimina l’equilibrio della storia raccontata.

Non è solo che la terza stagione di Daredevil non riesce ad essere un adattamento riuscito o avvincente di Born Again . Il problema è che, come con molti adattamenti dai fumetti che soffrono di questi superficiali cenni di fedeltà, vi è la decisione di lasciare spazio a tutti questi cenni fini a se stessi in modo che influiscano da soli sulla storia raccontata. La terza stagione di Daredevil potrebbe funzionare meglio come una storia di pura rinascita dopo la morte del personaggio in The Defenders , ma deve costantemente fermarsi e iniziare a includere tutti questi riferimenti e battiti di trama, come Ragnarok soffre un po’ di dover spremere Skurge nella sua storia.

Allo stesso modo, la terza stagione di Daredevil tenta attivamente di incorporare una serie di altri thread e immagini tratti dai fumetti che non rientrano altrimenti nella narrativa generale. La grande sequenza di combattimenti one-take della stagione vede Matt lottare per uscire da una prigione, un ovvio cenno a The Devil in Cell Block D di Ed Brubaker e Michael Lark. Tuttavia, la loro rissa in carcere esisteva in un quadro di storie in cui aveva più senso. Allo stesso modo, la terza stagione include una sequenza in cui Bullseye attacca una chiesa, presa direttamente da Guardian Devil di Joe Quesada e Kevin Smith .

Queste sono immagini efficaci, per essere sicuro. I fumetti sono un mezzo visivo, dopo tutto. La logica ci dice che ciò che funziona sulla carta dovrebbe funzionare sullo schermo. Tuttavia, queste immagini non funzionano necessariamente al di fuori del contesto, e la serie stessa di tanto in tanto fatica a integrare queste immagini in una narrazione coesa. Invece di sentirsi come una cosa sua, la terza stagione di Daredevil spesso sembra un remix esteso. Manca la propria voce distinta.

Va notato che molti adattamenti davvero riusciti lo fanno spostando efficacemente la rigida fedeltà testuale al loro materiale di partenza. The Shining potrebbe non aver soddisfatto Stephen King come adattamento del suo lavoro, ma si erge come uno dei più grandi film horror mai realizzati. Il Fuggitivo ha in gran parte soppiantato la serie televisiva che lo ha ispirato. Il Padrino e Lo Squalo hanno entrambi abbandonato ampie sezioni delle loro controparti cartacee  perchè non avrebbero funzionato al cinema.

Per tutti i fan degli adattamenti del fumetto potrebbe credere che questa è un’età d’oro degli adattamenti da pagina a pagina, la terza stagione di Daredevil suggerisce che c’è dell’altro piuttosto che la semplice trasposizione di immagini e frasi.

A caccia del Predator: perché è così difficile farne un serio franchising?

Il Predator è una delle creazioni più iconiche degli ultimi trent’anni.

La creatura venne creata da Stan Winston per il famoso  blockbuster d’azione del 1987 di John McTiernan e divenne immediatamente un icona. È sorprendente e distintivo. Anche le persone che non hanno mai visto un film con la creatura lo riconoscono. Ciò è particolarmente notevole visto che il progetto iniziale era un disastro; il concept originale per la creatura era incentrato come una sorta di leggenda metropolitana, parte del folklore culturale pop . Il disastro venne evitato nel momento in cui Stan Winston ha ridisegnato il mostro da zero, quindi è tanto più impressionante che sia diventato un classico.

Non sorprende che il Predator abbia avuto un proprio franchising. Dopotutto, è così che funziona l’industria cinematografica. Sebbene i prognosticatori moderni giudichino l’era moderna come consacrata da sequel, remake e reboot, dimenticato che tutto ciò è sempre esistito. Lo stesso Predator divenne la pietra di un franchising impressionante; anche al di fuori di giochi e fumetti, la creatura è apparsa non solo in  Predator 2 ma anche in Alien vs. Predator , Aliens vs. Predator: Requiem , Predators e The Predator . Questa è una lista impressionante, in termini di quantità e varietà.

Tuttavia, è decisamente meno impressionante in termini di qualità. Di questi cinque sequel, Predators è l’unico con un punteggio positivo su Rotten Tomatoes . Allo stesso modo, Predators è l’unico sequel con una valutazione vagamente positiva su MetaCritic , raschiando poco più del cinquanta percento . Questo è il tipo di punteggio che il pubblico e la critica si aspettano da sequel horror a basso costo come quelli con Freddie Kreuger o Jason Voorhees. Non è esattamente un track record impressionante per un franchise di fantascienza di alto profilo e con budget ragionevole.

In effetti,  l’unico confronto che si può fare con Predator è il franchise di Alien , e per una buona ragione. Lo xenomorfo di Alien è un altro iconico design alieno del secondo Novecento ospitato all’interno di un franchising d’azione-horror fantascientifico R-rated. Entrambi sono di proprietà della Twentieth Century Fox, che gli permette di intersecarsi e incrociarsi all’interno di un universo condiviso. Entrambi hanno generato una serie di sequel, e sono vagamente legati nella mente popolare nello stesso modo in cui film degli Universal Studios collegavano Dracula e il mostro di Frankenstein con la Mummia o l’Uomo Invisibile.

Tuttavia, questo confronto di titoli non appaga Predator. Dopotutto, lo xenomorfo è stato al centro di un franchise che è costantemente interessante e al suo massimo innovativo. Ci sono sequel di Alien che sono giustamente considerati classici come Aliens , mentre altri hanno lanciato grandi carriere come Alien³ , e alcuni ancora causano accesi dibattiti. Per tutte le critiche a film come Prometheus e Alien: Covenant , almeno suscitano passione nel loro pubblico, in un modo che i sequel di Predator non fanno. Perché è così difficile fare un buon sequel di Predator ?  La risposta potrebbe trovarsi con il Predator stesso. Il Predator è indubbiamente una creazione affascinante. È un cacciatore di selvaggina extraterrestre che si avventura in pianeti stranieri per cacciare la preda più pericolosa. Inevitabilmente, i film di Predator suggeriscono che gli umani rappresentano una preda particolarmente coinvolgente, sebbene gli xenomorfi siano una redditizia attività collaterale. Il Predator fornisce tutto ciò di cui ha bisogno un buon film d’azione dal suo antagonista; è abbastanza sadico nelle sue uccisioni, abbastanza misterioso da avere l’interesse del pubblico, essendo quindi una vera minaccia.

Il Predator è innegabilmente un bel modello, anche con la sua armatura. La colonna sonora di Alan Silvestri (e il sound design dell’attrezzatura della creatura) suggerisce un aspetto tribale alla creatura. Il casco è imponente, ma la faccia sotto il casco è ancora più sorprendente. La creatura ha sangue verde che è denso come gelatina e si illumina nell’oscurità, un piccolo tocco piacevole che stabilisce la creatura come “straniero” anche al di là della sua viscida pelle di rettile e delle tenaglie attorno alla sua bocca.

Tuttavia, c’è anche qualcosa di molto superficiale e nei confronti del Predator, qualcosa di molto generico. Dopo tutto, cosa rappresenta il predatore, a livello primordiale ed emotivo? L’uomo invisibile attira le ansie sull’identità e sulla privacy; la Mummia parla delle paure dei poteri coloniali che potrebbero risvegliare qualche forza primordiale dormiente nelle terre conquistate; Dracula è legato a idee di immortalità e sessualità; Il mostro di Frankenstein rappresenta il nervosismo sul progresso scientifico incontrollato.

Anche lo xenomorfo rappresenta qualcosa di molto primitivo e molto basilare. È l’incarnazione vivente della paura della violenza sessuale e della perversione. Il ciclo vitale dello xenomorfo attira le paure latenti sulla violenza sessuale; il facehugger è una vagina che aggredisce il viso di una persona, spingendosi giù per la gola per impiantare le uova che porteranno a una nascita violenta (e fatale). Lo xenomorfo è caricato di simbolismo e sottotesto, suggerendo significati più profondi e suggerendo vari incubi. Dopo tutto, Alien gioca molto con l’idea di ruoli di genere distorti; il freddo e clinico computer “madre” , una Ripley molto mascolina (non teniamo conto che, originariamente, Ripley era un’ uomo), giusto per fare due esempi.

Quindi, che cosa rappresenta esattamente il Predator in questi termini? È una domanda difficile a cui film hanno faticato a rispondere. Probabilmente il concetto di Predator può legarsi all’idea del colonialismo e della violenza opportunistica, unito al concetto di cacciatore di giochi intergalattici che uccide per sport. Almeno c’è una purezza filosofica nella distruzione che coltiva. Questo approccio al Predator è legato alle ansie razziali tanto quanto qualsiasi commento politico. Il Predator è una figura della letteratura coloniale, l’ ultimo grande cacciatore di giochi. È un fantascientifico Allan Quatermain. La creatura ha un’armatura avanzata, ma spesso gironzola mezza nuda. È per lo più è muta. Strappa i teschi e le spine dalle sue vittime. Si impegna in una specie di guerra psicologica come facevano i coloniani con le tribu. I tamburi nella colonna sonora rafforzano questo suggerimento.

Il primo Predator non è certamente nella posizione ideale per esplorare queste ansie in modo sfumato o delicato, come dimostra Predator 2 . Predator 2 è un film molto interessante su un certo numero di livelli, anche se si capisce fin dall’inizio che il team di produzione non ha idea di quanto esattamente fare un sequel di Predator. Il franchise di Alien ha avuto il lusso di passare da Ridley Scott a James Cameron e poi a David Fincher. Al contrario, Predator passò da John McTiernan a Stephen Hopkins.

Inoltre, il sequel di Predator dimostra una notevole insicurezza nei propri concetto. Nel passaggio da Alien a Aliens , lo xenomorfo ha dimostrato la sua flessibilità. Alien e Aliens sono senza dubbio parte dello stesso universo, sono film radicalmente diversi. Al contrario, Predator 2 non ha lo stesso senso di creatività o inventiva.

Tutto ciò appare profondamente frustrante e insoddisfacente, come se Predator 2 fosse più interessato ad essere come Alien che a trovare qualcosa di nuovo o interessante con le premesse stabilite in Predator . Non c’è una reinvenzione radicale, nessuna innovazione ispiratrice. Non c’è niente nel film che spinga davvero i confini di ciò che può essere l’omonima creatura o che cosa può essere usato in futuro. Se non altro, Predator 2 fa esattamente l’opposto. Serve a stabilire dei limiti molto fermi su ciò che può essere il mostro omonimo.

Predator 2 raddoppia efficacemente il sottotesto razziale di Predator , ma rimuove tutti i commenti postcoloniali. Il sequel del 1990 si sposta dalle giungle del Centro America alla “giungla urbana” del centro di Los Angeles. Questi sono in particolare due contesti molto diversi. Richiedono due approcci molto diversi. Dopotutto, Los Angeles era un focolaio di ansia razziale negli anni Novanta. La fine degli anni Ottanta aveva visto un’esplosione di bande di strada all’interno della città . La città era di due anni di distanza dai disordini di Rodney King , e cinque anni di distanza dal processo di OJ Simpson. Predator 2 non si appoggia solo a queste ansie razziali. Le abbraccia. Il film si svolge nel mezzo di una guerra tra bande a Los Angeles, un dettaglio che aggiunge molto poco alla trama e che è completamente dimenticato dal climax della storia. Anche se l’adozione tradizionale della frase “superpredatore” per descrivere un’ondata speculativa di giovani criminali violenti ( che non si sono mai materializzati ) era a parecchi anni di distanza , Predator 2 sembra progettato per attingere a queste stesse paure.

Il risultato è un seguito che serve a dimostrare perché il Predator non può essere costruito attorno a queste ansie di base nello stesso modo in cui lo xenomorfo è costruito attorno alla violenza sessuale.  Il Predator è una mostruosa creatura aliena che caccia sfruttando una tecnologia avanzata. Non c’è sottotesto, non c’è simbolismo. C’è solo un bel design e un sacco di sangue freddo. Questo approccio spiega l’uso dei Predator come espedienti di trama (e anche come protagonisti di supporto) in Alien vs. Predator e Alien vs. Predator: Requiem .

Non c’è necessariamente qualcosa di sbagliato in questo. C’è molto da dire per il concetto di un film d’azione stupido senza alcun significato o scopo più profondo. Non è difficile immaginare un universo popolato con sequel di Predator che consiste in poco più di una creatura che cerca la sua preda in una varietà di contesti diversi, senza appesantirsi con temi importanti. Pensate Predator come un concetto vago alla stregua di Die Hard di John McTiernan ; Predator … nella giungla, Predator … nel deserto, Predator … nell’oceano, Predator … nello spazio, Predator … in un grattacielo.

Tuttavia, le realtà del cinema moderno significano che il Predator non può essere consegnato agli stessi brutti scherzi economici dei mostri di film di livello inferiore come Michael Myers o Jason Voorhees o Freddie Kreuger. Il Predator non è un mostro di un film di serie B, quindi è improbabile che si ritrovi in un film fatto alla bene e meglio. Alien vs Predator e Aliens vs. Predator: Requiem potrebbero esserlo, ma sono troppo costosi e troppo di alto profilo. Grazie al successo del Predator originale e alla sua stretta associazione con lo xenomorfo, il Predator è semplicemente troppo grande e popolare per abbassarsi a quel livello.

Di conseguenza, il Predator si trova costantemente segnato per la reinvenzione in franchising e la riconcettualizzazione. Non per niente Alien vs. Predator è il film di maggior successo sul Yautja fino ad oggi. Anche al di fuori dei crossover dell’universo condiviso di Alien vs. Predator e Alien vs. Predator: Requiem , la creatura si è vista segnata dal successo anche in Predator che in The Predator . In particolare, e forse prevedibilmente, entrambi gli sforzi non sono riusciti a dare il via libera al franchise di Predator . Persino il Promethes è stato un film controverso che ha avuto abbastanza successo da ottenere un seguito.

Tuttavia, i film di franchising moderni insistono sempre su mitologie che devono spiegare per forza tutti. Nell’era di Internet, le vere critiche sono di un sottogruppo di fan del cinema preoccupati di “buchi di trama” e “la logica” , quindi i moderni blockbuster sono aggressivamente dedicati a spiegare eccessivamente tutto ciò che succede nel film. Dopo tutto, una protesta persistente in The Dark Knight Rises riguarda il modo in cui Bruce Wayne poteva salvare Gotham in pochissimo tempo. (La risposta, che non è stata spiegata al pubblico: è Batman .)

Quindi i film in franchising di oggi devono spiegare tutto. Prometheus e Alien: Covenant sono effettivamente estese storie di origine per il mostro di Alien , sorvolando sul fatto che il mostro di Alien non aveva realmente bisogno di una storia sulle origini. Predator non è abbastanza complesso da supportare questo tipo di sviluppo, il che rende The Predator un tentativo profondamente frustrante di costruire un franchising. Guardando il film, si sente che Shane Black abbia allungato il brodo solo per spiegare e complicare l’eredità del Predator al fine di costruire un film intorno alla creatura che assomiglia superficialmente a un franchising. Il Predator è alternativamente troppo serio e troppo autocosciente, ma il film nel suo complesso dimostra quanto sia ridicola l’idea di un franchise cinematografico moderno costruito attorno al Predator.

C’è un’assurda quantità di continuità in The Predator , che sembra esistere puramente in modo che possa ancorarsi nei precedenti cinque film. Questo è più evidente all’inizio del film, quando il pubblico visita un laboratorio che funge anche da museo dedicato alla creatura. Lo scienziato responsabile della ricerca è Sean Keyes. Il pubblico deve capire che è il figlio di Peter Keyes, un personaggio minore di Predator 2 , interpretato da Gary Busey. È una connessione che esiste per nessun altro motivo se non accennare a un film del franchise a cui nessuno importa particolarmente.

Piccoli dettagli come questi suggeriscono che The Predator sta cercando di creare un proprio “Cinematic Universe” come per l’appunto il Marvel Cinematic Universe o Conjuring Shared Universes, ed evolversi in  complesse continuità interconnesse in cui i film sono tutti sottilmente intrecciati tra loro, pieni di piccoli easter egg e cenni che non aggiungono nulla se non ai singoli film e se non per fornire un senso di contesto.

Il Predator prende ripetutamente aspetti abbastanza semplici ed evidenti dei film di Predator e poi tenta goffamente di spiegarli. Secondo The Predator , la creatura non strappa le spine dalle sue vittime perché sta collezionando trofei. Secondo The Predator , la creatura strappa le spine dalle sue vittime perché raccoglie il DNA estraneo per sintetizzarlo in una sorta di … superpredatore o predatore apicale. Questo piccolo dettaglio è un’eccellente parodia del bisogno della moderna narrativa popolare di complicarsi eccessivamente per aggiungere un tocco di raffinatezza o intelligenza.

Per essere onesti, l’idea che il Predator si stia costantemente migliorando è stata seminata delicatamente in Predators . Tuttavia, The Predator cerca di renderlo il motivo fondamentale della specie aliena. L’attrattiva del Predator era sempre nella sua relativa semplicità; è un cacciatore e caccia. Sembra anche un dettaglio criptato dallo xenomorfo, dove in ogni sua iterazione assume alcune delle caratteristiche del suo ospite.

Questo non è l’unico esempio del modo in cui The Predator cerca di spiegare troppo qualcosa che è abbastanza evidente. C’è una lunga conversazione sul perché gli avvistamenti di questi alieni sono diventati più frequenti negli ultimi anni. La risposta ovvia è: perché la Fox ha fatto più film . Tuttavia, The Predator insiste nell’aggiungere qualcosa di sofisticato, sostenendo che i Predator sono attratti dal riscaldamento globale e stanno pianificando di colonizzare la Terra dopo che l’umanità si sarà estinta.

Questo è un punto di trama ridicolo, uno che sembra molto in disaccordo con il suggerimento originale che la Terra fosse davvero solo un luogo di villeggiatura per queste creature. Rende i Predator più conoscibili, più comprensibili, più convenzionali. Fornisce loro motivazioni che sono allo stesso tempo più complicate e più generiche di quanto non fossero mai state. The Predator dedica un tempo considerevole a entrare nella testa della creatura, eliminando qualsiasi mistero o ambiguità che abbia reso la creatura così attraente in Predator . Il pubblico può leggere i sottotitoli e la creatura stessa parla direttamente ai personaggi umani.

Tutto questo è semplicemente troppo, al punto che spesso sembra che The Predator abbia semplicemente abbandonato un design iconico per una generica trama di invasione aliena. Ci sono molti piccoli buchi di trama inspiegabili; l’idea che i Predator siano divisi in “sbirri intergalattici e ladri intergalattici” o l’inspiegabile suggerimento che c’è una guerra civile tra questi alieni. In effetti, viene persino suggerito che una delle creature sia venuta sulla Terra per aiutare l’umanità. Perché? Come si adatta tutto ciò con la creatura che era così memorabile nel Predator originale ?

C’è la sensazione che The Predator capisca che nulla di tutto questo ha nulla a che fare con l’essere di un film su Predator. Di conseguenza, il film fa una brusca svolta nel terzo atto, lontano da questa complicata costruzione del mondo e dalla continuità verso la premessa di base dei film di Predator . Gli ultimi venti minuti circa di The Predator si sentono radicalmente scollegati da tutti i complotti dei minuti precedenti, mentre la creatura decide di cimentarsi in un po ‘di nostalgia e cacciare i personaggi umani per lo sport attraverso boschi deserti. Fa una gradita pausa dalla guerra civile e dai procedimenti di polizia a tema alieno.

C’è la sensazione che The Predator potesse essere un film migliore se avessero abbracciato quella relativa semplicità fin dall’inizio, invece di cercare di adattare la creatura omonima per il moderno panorama di franchising.

Venom: Recensione senza spoiler

Il trauma è una pietra miliare del genere supereroistico.

A volte quel trauma è emotivo; la morte di Thomas e Martha Wayne, la perdita dello zio Ben, l’esplosione di Krypton.                                      A volte quel trauma è fisico; ti rivestono lo scheletro di metallo liquido e la tua memoria viene cancellata, ti trasformi fisicamente in qualcosa di irriconoscibile, ecc ecc . Per citare erroneamente Stan Lee, “da un grande potere derivano grandi responsabilità”. Il più delle volte arriva anche con grande sofferenza.

Nei suoi momenti migliori, Venom sembra rendersene conto. Al centro di Venom, il personaggio traumatizzato è Eddie Brock, che ha assistito alla distruzione di tutta la sua vita e che improvvisamente si ritrova a condividere il suo corpo con un’entità aliena assassina con mostruosi appetiti. Brock è interpretato da Tom Hardy, uno di quei rari attori con immensa presenza fisica e incredibilmente vulnerabilità. Incredibile e trasandato, con i tatuaggi sbiaditi e gli indumenti che sembrano non essere stati lavati, Eddie sembra aver passato l’inferno prima ancora della sua esperienza di trasformazione.

Ci sono momenti in cui Venom sembri quasi come uno strano thriller psicologico su un personaggio che vive una pausa in tempo reale dalla realtà, un reporter che sta perdendo la sua fragile presa sulla realtà dopo aver subito l’ennesima battuta d’arresto personale e professionale. Mentre la situazione peggiora, Eddie inizia a sentire voci nella sua testa e perde il controllo del suo corpo. Si trova in una situazione in cui accadono cose terribili, ma è in grado di dissociarsi dalla brutalità e dalla violenza. Venom non si impegna mai completamente in questa idea, ma ribolle attraverso la storia.

I primi due atti di Venom sono scomposti e irregolari, che soffrono di una sfocata mancanza di dettagli e non si concentrano su nessuna delle idee centrali del film. Tuttavia, il film sopravvive in gran parte sulla forza delle prestazioni di Tom Hardy e sulla stranezza del concetto. Tuttavia, le cose cadono a pezzi nel terzo atto. Parte di questo è dovuto al fatto che Venom sente il bisogno di trasformarsi in un normale film di supereroi quando raggiunge la sua conclusione. Parte di questo è perché Ruben Fleischer non può dirigere l’azione. Parte di questo è a causa della collisione di un’esposizione maldestra e di immagini confuse generate al computer.

Venom perde quel piccolo controllo che ha di se stesso quando raggiunge il suo apice.

Il terzo atto di Venom è un disastro, uno dei peggiori terzi atti di qualsiasi blockbuster di grosso budget. Alcuni di questi problemi sono puramente concettuali, in base al fatto che Venom sente il bisogno di offrire il tipo di spettacolo che le persone si aspettano da un moderno blockbuster; questo significa momenti alti, effetti speciali complicati e sequenze guidate dall’animazione generata al computer. Niente di tutto ciò è bello e lascia un sapore molto aspro.

Il culmine di Venom sente la necessità di mettere il destino del mondo in bilico, come lo è l’impostazione predefinita per i moderni successi dei supereroi; si pensi agli antagonisti nichilisti di film come Thor: The Dark World o Doctor Strange , cattivi che vogliono distruggere il mondo perché i moderni blockbuster credono che il pubblico voglia quel livello di minaccia. In molti forum si parla dell’efficacia di questo approccio, sul fatto che i film abbiano bisogno di quel senso di pericolo, o se il pubblico moderno possa investire in interessi più intimi come quelli di Spider-Man: Homecoming .

Venom non smette mai di fare questo genere di domande, e così il film ha bisogno di aumentare il pericolo piuttosto drasticamente andando al suo terzo atto in un modo che si sente completamente inorganico con tutto ciò che è successo a quel punto. Il terzo atto di Venom è un corso di go-kart, pieno di colpi di scena ma senza spazio sufficiente per costruire un momento. Il terzo atto rivela, in una successione incredibilmente rapida , ciò che l’omonimo mostro stava progettando di fare sulla Terra, perché non lo fa più ora che il pubblico sa di cosa si tratta e chi altro sta pianificando qualcosa di simile.

Su un livello di trama pura è vertiginoso, inducendo al colpo di frusta. Al pubblico viene chiesto nel corso di trenta secondi di spiegazione di rinnovare completamente la loro comprensione della relazione tra Eddie Brock e il parassita che vive nel suo corpo non meno di tre volte. Di conseguenza, nulla di tutto ciò ha alcun impatto. Nessuna rivelazione ha il tempo di affondare prima che venga sostituita con una nuova informazione che ricontestualizza l’intero arrangiamento.

Questa carneficina si riflette nella regia. Ruben Fleischer non è un regista d’azione, certamente non alla portata di cui ha bisogno un film come questo. È sempre difficile creare una tensione tangibile tra due blob generati dal computer che si colpiscono a vicenda, ma l’editing e il ritmo della sequenza d’ azione climatica non aiutano. Due entità superpotenti si lanciano su un razzo al culmine di Venom , ripetutamente avvolte nel fuoco e lanciate e girandosi l’una sull’altra, ma nessuna visivamente è interessante. Molto poco è persino visivamente chiaro.

Tutto questo è un peccato, perché c’è un sacco di materiale interessante che porta a questo disastroso lancio del terzo atto. I primi settanta minuti di Venom sono tutt’altro che perfetti, ma sono almeno coinvolgenti. Hanno una varietà di idee sottosviluppate che sono almeno intriganti, e il tutto è elevato da un’affascinante performance centrale di Tom Hardy come Eddie Brock. Sarebbe troppo dire che Venom lavora costantemente anche durante i suoi primi due atti, ma funziona quel tanto che basta per far andare avanti le cose.

Molto di questo è dovuto a Tom Hardy. Potrebbe essere troppo dire che Hardy è particolarmente bravo nel ruolo, ma la sua performance è sicuramente ottima. Di rado c’è una scena senza una scelta interessante da parte di Hardy che ravviva anche il più superficiale o banale dei take. Anche la sua prima esposizione è piena di scelte di performance stranamente forti. Durante il montaggio introduttivo che lo istituisce come reporter, si ferma a metà di una frase per controllare i suoi appunti. “Il problema dei senzatetto è …” Controlla i suoi appunti, guarda la telecamera. “… crescente.”

In un certo senso, Venom si sente come un supereroe, una strana reliquia di un tempo prima dell’attuale boom dei supereroi. Sembra molto simile al tipo di film che potrebbe essere stato introdotto alla produzione nei primi anni del ventunesimo secolo, dopo il successo di X-Men o Spider-Man , ma da persone che non hanno riconosciuto gli eroi sulla carta. Venom è uguale a film come Daredevil , Elektra , Ghost Rider o anche The Punisher .

L’atmosfera del primo ventunesimo secolo è rafforzata in diversi modi. La title track di Eminem si sente come un marker culturale di un tempo precedente nella produzione cinematografica, e non solo perché Eminem si sente come un artista del millennio. Il singolo da legare è un’arte perduta da tempo, qualcosa di largamente trascurato e dimenticato al di fuori di casi eccezionali come The Greatest Showman o A Star is Born .

Questa scelta colonna sonora richiama l’inclusione di Nickelback nella colonna sonora di Spider-Man o la canzone degli Evanescence  Bring me to life (o anche My Immortal) in Daredevil . Probabilmente potremmo tornare ancora più indietro, al punto che artisti dai grandi nomi potevano persino creare versioni e video musicali sul blockbuster, come Hold Me, Thrill Me, Kiss Me, Kill Me o Kiss from a Rose (on the Grave) in Batman Forever.

Tuttavia, ci sono altri aspetti di Venom che evocano quei precedenti film di supereroi pre- Batman Begins e pre- Iron Man . In particolare, il fatto che le caratteristiche dei personaggi sullo schermo hanno ben poco a che fare con la proprietà intellettuale che ha fornito le basi per il film oltre una somiglianza superficiale e l’uso di poche parole chiave; pensa a film fuorvianti come Catwoman o Steel . C’è molto poco in Venom che ha delle radici solide nell’identità cartacea del personaggio, al di là del suo nome e del fatto che sia un “simbionte”.

Ci sono dei validi motivi, naturalmente. Più ovviamente, la difficoltà nel realizzare un film di Venom senza Spider-Man. Dopotutto, il personaggio di Venom è definito dalla sua relazione con Spider-Man. Spazzolando ogni continuità o storia condivisa, Venom è l’archetipo “doppelganger malvagio” di Spider-Man. Il suo personaggio semplicemente non funziona senza Spider-Man come punto di ispirazione o contrasto. Visivamente parlando, Venom non ha senso al di fuori del contesto di “Cosa succede se fosse Spider-Man, ma oscuro ?”

La prospettiva di un film di Venom senza Spider-Man è intrinsecamente assurda. La cosa potrebbe suggerire che è come fare due film di Joker senza Batman, ma non è del tutto preciso. Nonostante la loro lunga associazione, non c’è nulla del “clown assassino” che richiede “l’uomo vestito da pipistrello” per poter funzionare. Provare a realizzare un film di Venom senza Spider-Man è come provare a realizzare un film su Sabretooth senza Wolverine, un film su Man-Bat senza Batman, un film di Bizarro senza Superman, un film su Abominio senza Hulk. Non ha senso.

Eliminare Spider-Man dalla storia sull’origine di Venom rimuove essenzialmente la colonna vertebrale del personaggio, in un modo che crea un’apprezzabile assenza. Persino il pubblico, senza apprezzare l’associazione di vecchia data tra i due personaggi, potrebbero chiedersi perché gli occhi di Venom assomiglino al Tessiragnatela o perché oscilli in quel modo o perché si arrampichi sui muri. Venom non può possibilmente rispondere a queste domande con qualcosa di più di quanto già non faccia .

Per essere onesti, ci sono aspetti di questo approccio che funzionano abbastanza bene. I moderni film sui supereroi hanno in gran parte abbandonato l’idea del supereroe come metafora personale, l’idea che questi personaggi rappresentino qualcosa di specifico e unico piuttosto che servire come trampolino di lancio per grandi temi sul mondo moderno. Questo forse riflette nel modo in cui i moderni film dei supereroi si sono in gran parte allontanati da archi personali dei personaggi, ma anche nel fatto che i moderni film di supereroi non fanno metafore semplici come “hai provato a non essere un mutante?” con in X-Men II .

Venom gioca ripetutamente con l’idea del suo personaggio centrale come metafora di intensa esperienza personale, di un trauma letterale trasformativo, come sostituto del tipo di evento che cambia la vita e che cambia profondamente una persona. Accade solo che Eddie Brock sia cambiato in un modo più fisico che psicologico. Nei primi dieci minuti del film, Eddie tocca il fondo. Perde il suo lavoro tranquillo e l’amore. Si ritrova in enormi debiti e incapace di lavorare. La sua reputazione è a brandelli e la sua autostima non è molto alta.

Tom Hardy fa un sacco di lavori pesanti qui. La versione a fumetti di Eddie Brock era chiaramente un cattivo e ovviamente mostruoso. Era un brutto giornalista che ha falsificato delle notizie per essere pagato. Venom si allontana da un ritratto così rozzo. Invece, Eddie ha un solo momento di debolezza che finisce per costargli caro. Il film ha un altro personaggio che suggerisce attraverso il dialogo che la caduta di Eddie è il risultato della sua arroganza, ma la sceneggiatura non analizza mai il punto per paura di alienare il pubblico.

Di conseguenza, tocca a Tom Hardy dare al personaggio lo spessore necessario per far credere al pubblico che sta cadendo a pezzi. Hardy ha la meravigliosa miscela di machismo ed empatia che fa il lavoro necessario. Eddie sembra che riesca a tenerlo insieme così com’è. Nella parte iniziale del suo percorso, Eddie sembra radersi raramente e lotta per mantenere il contatto visivo con le persone intorno a lui. Una volta che tutto cade a pezzi, la performance di Hardy ci suggerisce che l’ uomo che stiamo vedendo è ormai perduto.

Questo è il tipo di ampio approccio psicologico pop alla narrazione dei supereroi che è in gran parte assente dai successi contemporanei, forse perché questi film diffidano di virare nell’assurdità del campo. Venom è innegabilmente assurdo nei punti, caratterizzato dal tipo di battute folli che sono state in gran parte filtrate dai moderni film di supereroi auto-seri in favore di un approccio pulito e standardizzato. C’è un momento in cui Venom che ricorda l’eccentricità a lungo perduta di Hulk di Ang Lee , quando il simbionte si nasconde in un adorabile cagnolino per pochi minuti.

Venom funziona meglio quando si appoggia alla ridicolaggine della sua premessa, inclusa la pesante psicologia. In diversi punti, Eddie e Venom conversano tra di loro, come se lottassero per il controllo dello stesso corpo. In un altro punto, Eddie e Venom si incontrano. Verso la fine del film, Eddie sembra rimuginare sul potere che questa trasformazione grottesca gli dà. “Non è del tutto orribile” , ammette, essendosi riconciliato con il mostro dentro di sé.

Ovviamente, il problema è che Venom si spinge sempre più vicino al modello standard del supereroe mentre si avvicina il climax, e quindi cade nei ritmi familiari. Il film non esplora mai completamente la violazione della fiducia tra Eddie e la sua fidanzata, e non lo tiene mai abbastanza sul punto di spiegare cosa è successo. Sebbene altri personaggi suggeriscano che il suo fallimento sia radicato nel suo personaggio, non riesce mai a superare nessuno dei difetti che identificano quando il film si avvicina al suo culmine. In effetti, il film sottolinea quanto sia bello un ragazzo come Eddie; persino da fallito, dà venti dollari a un senzatetto.

Lo stesso vale per la trama stessa, che implica un ovvio riff sui miliardari della Silicon Valley tech come cattivi capitalisti. Riz Ahmed interpreta Carlton Drake, una figura chiaramente ispirata a personaggi come Elon Musk. È ossessionato dai viaggi nello spazio come mezzo di autoconservazione e ha poca preoccupazione per i limiti come la salute e la sicurezza. Il film fa un vago gesto verso la relazione imbarazzante tra queste aziende tecnologiche e la stampa, ma non si impegna mai veramente.

La performance di Ahmed è interessante in gran parte per quanto sia fluida, sembra consapevolmente senza vita. Ahmed interpreta un Drake in contrasto con Hardy nei panni di Brock. Hardy fa costantemente le cose, mentre Drake sembra singolarmente disinteressato, come un robot pre-programmato senza alcun interesse per tutto ciò che accade intorno a lui al di fuori della curiosità accademica e un amore costante per il suono della sua stessa voce. Drake lavora discutibilmente nei dettagli più fini piuttosto che nel quadro generale; le sue scarpe da ginnastica alla moda sono l’aspetto più ironicamente distintivo del suo personaggio.

Ahmed interpreta Drake come un personaggio che manca completamente di autocoscienza. Loda un bambino per aver fatto domande prima di chiudere un’intervista. Si posiziona come Dio in una rivisitazione della storia di Abramo e Isacco, in cui cerca di argomentare che Isaaco è il vero eroe nonostante la sua totale mancanza di azione. Ahmed interpreta Drake come il tipo di figura che è abituato a battere le persone alla fine delle sue frasi, e quindi non sente più il bisogno di fare uno sforzo. Non è una performance o un personaggio particolarmente memorabile, ma è un approccio decente.

Ancora una volta, il film cade nel terrificante quando si raggiunge il culmine, richiedendo a Drake di ricoprire il ruolo di antagonista minaccioso principale di Eddie Brock. Ciò richiede di abbandonare molto rapidamente una quantità enorme di trama e di oscurare tutta una serie di motivazioni. Venom è il tipo di film in cui un miliardario tecnologico può decidere di lanciarsi nello spazio con letteralmente cinque minuti di preavviso.

Venom si disintegra nel suo climax pieno d’azione, il che è un peccato. C’era del materiale interessante nei primi due terzi, anche se faticava a coesistere anche prima che tutto crollasse in se stesso.

Daredevil di Frank Miller & Klaus Janson RECENSIONE CON RETROSPETTIVA

Trent’anni fa il mondo del fumetto era molto diverso. I personaggi strani erano più che benvenuti – ed anche incoraggiati. I finali stile Deus Ex Machina erano così comuni che era un miracolo che la gente non si fosse stufata. Ma – cosa più importante – i colori erano tutti luminosi e allegri e il concetto di “cupo e grintoso” non era ancora entrata nel vocabolario mainstream.

Qui arriva Frank Miller.

 

                                                                      

Inizia con delle prospettive alte che però non si vedono nei primi numeri. C’è molto da dire sulla sua serie di quaranta numeri di Daredevil e di come quanto fosse stato in futuro iconico e rivoluzionario. Non sono sicuro di cosa mi aspettassi all’inizio, probabilmente di trovare una pietra miliare del fumetto a ogni pagina ma cosi non e’ stato.

                                                                   

Non fraintendermi – in queste storie sono racchiuse tutti quegli elogi che ho fatto sopra se non molto di più. Ma Frank Miller non è un alchimista. Non può creare istantaneamente l’oro dall’aria. Daredevil – quando Miller arrivò – era in cattive condizioni, anche per gli stravaganti standard della Silver Age. In effetti, ha avuto così tanta libertà di riscrivere il personaggio perché il titolo era sull’orlo della chiusura. E, sotto il suo mandato, in realtà è diventato un titolo mensile.

In pochi sanno che Miller originariamente si unì come artista. A poco a poco il suo coinvolgimento è aumentato e poi ha completamente assunto il controllo. Forse l’indicazione più chiara di quante modifiche abbia apportato al fumetto può essere notato dal fatto che la prima storia aveva un gorilla parlante (un membro di “The Unholy Three” ), mentre verso la fine vediamo una tranquilla conversazione  con un nemico storpio al gioco della roulette russa.

                                                                 

La corsa di Miller su Daredevil va a braccetto con l’introduzione di Elektra, uno dei tanti elementi introdotti da Miller che sono rimasti con DareDevil fino a oggi. Quasi immediatamente, vediamo Miller mettersi al lavoro come scrittore. Riduce praticamente la galleria dei ladri di Daredevil fino a Bullseye e importa Kingpin da Spider-Man. Anche se avrebbe scritto una storia con Stilt-Man (sì, il suo status di super criminale era definito dal fatto che aveva i trampoli), era puramente per deridere la natura ridicola del concetto. Avrebbe anche introdotto dei cattivi un po’ meno pazzi nella galleria dei nemici di Daredevil unendoli al concetto di  assassini ninja,ovvero The Hand – tradotto in italia come La Mano-.

Questa è una scelta intelligente per il personaggio – che aveva, in questa fase, un’orrenda selezione di cattivi  – ma forse è anche la prima volta che abbiamo visto un supereroe migrare lontano dai super criminali come nemici tradizionali. Nonostante la presenza di ninja (un sacco di ninja!), Miller mantiene il suo personaggio relativamente integrato nella città, trascorrendo così tanto tempo a lottare con i comuni teppisti come mostri in costume. Sfortunatamente la serie non si occupa mai completamente delle implicazioni di questa mossa verso un’atmosfera noir più radicata – con Daredevil che passeggia in un bar e beve una bottiglia di latte mentre perlustrano gli inferi come se non ci fosse nulla di insolito in un uomo in calzamaglia rossa che passeggiava in un bar grezzo e beve attraverso una cannuccia – è certamente un cambio di direzione interessante per il personaggio.

Nonostante alcuni momenti minori slegati alla trama principale, Miller ha messo insieme un’affascinante collezione di storie noir. Anche se il punto più alto di questa corsa è probabilmente il ritorno di Kingpin nell’arco di Gangwar e il culmine della trama di Elektra in Last Hand , anche le oneshots sono interessanti – in particolare Devils , un capitolo in cui un tumore cerebrale fa sì che Bullseye inizi a vedere tutti intorno a lui come Daredevil, o Lady Killer dove Melvin Potter sembra essere ossessionato dalla sua doppia personalità. Miller è uno scrittore di talento e entrambe le storie giocano su grandi temi sviluppati durante la sua direzione (la decisione di Daredevil di salvare Bullseye ha delle conseguenze in seguito, per esempio). Infatti, dal momento in cui Miller assume il ruolo di scrittore, la serie si legge come un romanzo gigante suddiviso in capitoli: una saga del crimine riccamente dipinta.

                                                                 

È un peccato che il punto culminante del suo mandato intitolato “Resurrection” , non si unisca (anche se non conoscessi la storia dietro le quinte potrei probabilmente dire che Miller non voleva risuscitare il suo ninja assassino dal modo in cui racconta la storia), ma la storia finale, la roulette , compensa ampiamente – una conversazione intima tra Daredevil e Bullseye che rimanda (o in avanti – da quando è stata pubblicata per la prima volta) alla conversazione di apertura di Batman / Joker nel The Killing Joke di Alan Moore . Questi due si uccideranno probabilmente a un certo punto – tranne che la Marvel non vuole rischiare un calo delle vendite uccidendo personaggi popolari.

È ridondante sottolineare quanto sia stata efficace la transizione dai ladri in costume di Daredevil al Kingpin (e forse Bullseye). In un mondo sovrappopolato di personaggi Marvel in costume (incluso il famoso Spider-Man), Miller ha trovato il modo di mettere il personaggio nel suo habitat. Il successo di questo approccio è comprovato dal fatto che l’evoluzione di Daredevil non è mai stata davvero espansa: in effetti, gran parte del lavoro è stato fatto per rendere i suoi ladri già truci e truculenti abbastanza da stare al fianco di Kingpin.

Kingpin – un tempo cattivo di Spider-Man – è perfettamente adatto alla conquista di New York come la descrive Miller, e alla sfiducia delle istituzioni come inevitabilmente corrotta – un tema che ha attraversato tutto il suo lavoro. Miller abilmente permette al personaggio di vincere – di volta in volta – e imposta anche Daredevil e Kingpin su una traiettoria parallela, piuttosto che su una rotta di collisione. Entrambi gli uomini perdono i loro amori in questa battaglia e – come osserva Kingpin stesso – sono più simili di quanto a loro piace pensare.

Il tono “cupo e grintoso” funziona bene, anche se a volte porta ad alcune dissonanze (confrontate il comico sollievo di Turk con una scena ragionevolmente grafica di Kingpin che spacca la testa di un impiegato, ad esempio). Certo, il commento sociale può sembrare un po’ pesante a volte – prendi la guerra del Punitore contro la droga in Child’s Play come esempio – ma questa era un’era in cui alcuni temi dovevano ancora prendere piede.

                                                      

È interessante notare come alcuni dei temi delle storie future di Miller appaiano qui in forma embrionale. Non è un caso, ad esempio, che Bullseye scappi durante un’intervista con i media nello stesso modo in cui The Joker è scappato durante The Dark Knight Returns . O che la corruzione di Kingpin a New York rispecchia lo stato di decadenza di Gotham in Anno Uno .

Le tavole di Klaus Janson (originariamente disegnate a matita da Miller) sono fantastiche e probabilmente meritano di essere viste da sole (anche nei noiosi capitoli precedenti). La coppia si sarebbe riunita in The Dark Knight Returns , ma penso che questo potrebbe effettivamente essere superiore alla loro successiva collaborazione. Il disegno è fluido e lo stile visivo è impressionante. I colori vivaci sono un interessante contrasto con il tono sempre più oscuro dell’opera, e le scelte stilistiche funzionano bene – per esempio, il costume di Daredevil si alterna tra pannelli come il rosso con il nero o il nero con il rosso.

                                                   

Non vi consigliamo di recuperare gli omnibus in quanto avendo tutti numeri rende la lettura più adeguata – e certamente molto più coerente. Inoltre molte raccolte tendono a rimuove la maggior parte dei problemi a livelli di trama. Mentre ho affermato che penso che l’influenza di Miller su Batman possa essere sopravvalutata, non penso che sia possibile sopravvalutare il suo coinvolgimento con Daredevil. Praticamente tutti gli scrittori che gli faranno seguito – in particolare le storie moderne di Kevin Smith, Brian Michael Bendis e Ed Brubaker – si rifanno pesantemente al suo lavoro.

Probabilmente funziona meglio come esempio dell’evoluzione del lavoro di Frank Miller piuttosto che un esempio del suo stesso lavoro. Tuttavia, per quelli con una mente aperta o un interesse per l’evoluzione di uno dei più interessanti scrittori, questo è il consiglio che posso darvi. C’è sempre la sensazione che le cose stiano cambiando e crescendo.

Potrebbe non reggere bene come l’altra corrente principale dei primi anni ottanta – l’amministrazione di Alan Moore su Swamp Thing – ma è una visione davvero affascinante della crescita come scrittore di fumetti e uno sguardo interessante ai primi anni di Miller.

Wolverine di Chris Claremont e Frank Miller – Recensione

È quasi difficile credere che Wolverine abbia avuto la sua prima miniserie solo nel 1982. Il personaggio era apparso per la prima volta in The Incredible Hulk nel 1974, ed era stato cooptato negli X-Men con The Giant X-Men # 1 di Len Wein un anno dopo. Durante la celebre run su Uncanny X-Men di Chris Claremont , Wolverine è diventato un personaggio molto popolare. In effetti, penso si possa sostenere l’argomento secondo cui Wolverine e Storm erano i protagonisti principali dell’epica corsa degli X-Men di Claremont . Eppure, dato quanto è diventato onnipresente il personaggio negli ultimi anni, è impressionante che ci sia voluto così tanto tempo  per ottenere un’avventura da solista. La miniserie Wolverine in quattro parti, scritta da Chris Claremont e illustrata da Frank Miller, è generalmente considerata una delle migliori miniserie che la Marvel abbia mai prodotto, e penso che abbia fornito molto dello slancio e della caratterizzazione che avrebbero sostenuto il personaggio in oltre tre decenni di apparizioni.

Ho notato che nei suoi esordi Wolverine non è il più complesso dei personaggi dei fumetti. Tendo a pensare che, di regola, il personaggio sia ben più utile come parte di un dinamico gruppo, dove può definirsi in opposizione agli altri membri. Penso che gran parte del suo fascino in Uncanny X-Men fosse il fatto che fosse il membro più feroce della squadra, il “ragazzaccio” . Mentre sarei molto riluttante a descrivere il Wolverine di Chris Claremont come un ” anti-eroe “ , ha avuto una caratterizzazione più cattiva, qualcosa che mancava dalla maggior parte dei fumetti in quel momento.

In molti modi, ricordava molto i personaggi di Clint Eastwood, l’icona macho fatta e pronta, pronta per tutto ciò che il mondo poteva lanciargli.  È un personaggio di genere abbastanza convenzionale, e penso che il suo fascino derivi da quanto attentamente Claremont lo abbia definito all’interno di quello stampo. Non penso che sia eccezionalmente profondo o complesso, e direi che lo stesso Claremont lo ammetterebbe.

In effetti, Claremont sembra farlo nell’introduzione alla raccolta della miniserie di quattro numeri. “Per la maggior parte, vedi,” spiega candidamente Claremont, “Wolvie era stato descritto come uno psicopatico assassino, come della nitroglicerina umana, pronto a esplodere in una furia beserker senza preavviso, e probabilmente attaccherebbe anche i suoi amici e compagni di squadra come i suoi nemici . Il problema è che non ti lascia, come scrittore, molti posti in cui andare. “ Quindi, è merito di Miller e Claremont che sono stati in grado di riposizionarlo con abilità nel genere “eroe”, trasformando quella superficialità ed esplorando le insicurezze di Wolverine sull’essere “una bestia vestita in forma umana che non ha onore”.

Vale la pena riconoscere la connessione tra Frank Miller e Chris Claremont. Leggendo una buona parte dell’epopea di Claremont, mi colpisce quanto profondamente riconoscente debba essere la cultura fumettistica a Claremont. Penso che lo scrittore abbia avuto un impatto enorme sul modo in cui gli scrittori producono storie a lungo termine, anche se non ha influenzato fondamentalmente nello stesso modo in cui lo hanno fatto Alan Moore o Frank Miller. Tuttavia, non penso che Claremont sia stato abbastanza riconosciuto per il contributo che ha dato al genere, riconoscendo le opere che sarebbero diventate influenti e iconiche e incorporandole nelle sue narrazioni attuali.

Quindi è possibile rilevare una sinergia tra Miller e Claremont, e le due si adattano abbastanza bene. Questa miniserie di Wolverine si lega immediatamente a diversi fili della celebre storia di Daredevil di Frank Miller , che si è svolta all’incirca nello stesso periodo. Nelle pagine iniziali, Wolverine trova la sua strada per un “Josie’s Bar ‘n’ Grill”, che condivide un nome con il frequentatore notturno che Daredevil frequentava. La trama presenta ampiamente la Mano e li legherebbe alla continuità personale di Wolverine in modo abbastanza saldo, oltre a stabilirli come uno dei molti elementi dell’universo Marvel condiviso che Claremont attingerebbe di volta in volta.

Tuttavia,la svolta più duratura che la serie fà sul personaggio di Wolverine, e probabilmente l’unica connessione più intelligente che abbiamo per quanto riguarda il suo personaggio, sta nell’intrecciare Wolverine nella cultura giapponese. “Logan, sei più giapponese di qualsiasi altro occidentale che abbia mai conosciuto” , suggerisce il suo vecchio amico, Asano Kimura. In realtà è una bella metafora, in quanto Claremont interpreta il personaggio centrale che lotta con i suoi istinti di guerriero e il suo tentativo di essere qualcosa di più.

Il Giappone ha avuto una lunga storia militare. A partire dal 1982, il paese era stato recentemente coinvolto nella seconda guerra mondiale. Ha gestito un’impressionante espansione coloniale durante quel conflitto, ma ha anche attinto una ricca storia militare. Questa era una nazione famosa nella cultura popolare per samurai e ninjitsu, nota per la produzione di guerrieri di ogni tipo. Tuttavia, quella cultura era stata drammaticamente cambiata dopo la seconda guerra mondiale. L’esercito era stato sostituito dalla “Forza di autodifesa del Giappone”. Nel momento in cui questo fumetto è stato pubblicato, il paese aveva ancora un forte sentimento antimilitarista.

Claremont allude a questo fondamentale conflitto interno all’interno del personaggio giapponese. “La nostra famiglia è vecchia quanto quella dell’Imperatore, con una pretesa legittima al trono”, dice il padre di Mariko a Wolverine a un certo punto, riflettendo sui vecchi modi e tradizioni. Tuttavia, deve riportarsi al presente, la realpolitick della situazione. “Ma lo dimentico. Viviamo in un’epoca in cui tali precetti sono diventati effimeri come la rugiada del mattino. “

Indipendentemente da quanto possa cercare di essere pacifico, “la terra del Sol Levante” sarà sempre associata a guerrieri senza tempo come i ninja ei samurai. Questi archetipi eterni e iconici aderiscono ai loro sacri codici d’onore interni, mascherando la ferocia del combattimento e dell’omicidio con la struttura civilizzata di antichi giuramenti e codici. Wolverine riflette su una messa in scena dei 47 Samurai, riflettendo, “È una storia d’onore, di lealtà, della determinazione dei samurai di vedere un corso fino alla sua fine, indipendentemente dal costo. Rappresenta tutte le qualità che i giapponesi amano di più nel loro carattere e patrimonio nazionale “.

I lettori americani indubbiamente assocerebbero Wolverine all’archetipo del cowboy solitario. Leggendo la sua narrazione scritta da Claremont, non è troppo difficile immaginare un giovane Clint Eastwood interpretare il ruolo e interpretarlo come “l’uomo senza nome”. Naturalmente, molti di quegli iconici western sono stati loro stessi fortemente influenzati da classici film di samurai. The Magnificent Seven era The Seven Samurai . Un pugno di dollari era Yojimbo .

È anche interessante il modo in cui Claremont e Miller riescono a sfruttare l’essenza del personaggio senza ricorrere a un gran numero di cliché e senza riprendere particolarmente le vecchie storie pubblicate prima. Mentre la storia fa ricorso al collaudato “vecchio passato dalla storia personale di Wolverine” per far movimentare la storia, c’è una minima dose di angoscia su quanto poco Wolverine potrebbe sapere del suo passato. Mentre Claremont e Miller intrecciano il Giappone nella storia del personaggio, non giocano sul mistero della sua origine come faranno molti scrittori e artisti in futuro.

Vale anche la pena notare che questa storia è stata scritta quando Wolverine era un personaggio mortale, piuttosto che quando il suo fattore di guarigione rendeva il personaggio praticamente immortale. In questi giorni, ci vuole una minaccia come la fine del mondo per dare  del filo da torcere al mutante canadese, dato quanto radicalmente il suo potere di rigenerazione si è evoluto. Qui, tuttavia, Miller e Claremont creano invece una grande quantità di tensione da una minaccia relativamente banale e di strada. Questo è un Wolverine che può ancora essere ucciso da normalissimi ninja.

Questo è un personaggio che si trova nel mezzo del proprio arco narrativo. Wolverine si stava ancora evolvendo sotto la penna di Claremont, e lo scrittore sembra abbracciare l’idea che Wolverine potesse diventare un personaggio molto diverso da quello che è apparso per la prima volta in The Incredible Hulk tanti anni fa. Wolverine sembra sostenere questa sorta di approccio audace e in continua evoluzione alla scrittura di fumetti, poiché Claremont sembra condannare i tentativi pigri di aderire allo status quo.

C’è qualcosa di tragico nel personaggio che la coppia dà a Wolverine, come un personaggio che lotta per essere più di quanto non sia stato in passato. C’è qualcosa di stranamente nobile nei tentativi di Wolverine di migliorarsi, soprattutto in considerazione del suo sordido passato. Sta cercando sinceramente di essere un uomo migliore, il che penso scatena un bellissimo conflitto interno, visto che Miller e Claremont costringono il personaggio a scegliere tra due straordinarie donne giapponesi: Mariko, che parla della sua natura migliore; e Yukio, che fa appello ai suoi istinti più basici.

Wolverine è ancora una lettura meravigliosa anche trent’anni dopo la sua prima pubblicazione. Sebbene non sia il miglior lavoro che sia Claremont o Miller abbia mai prodotto, è caratterizzato da due creatori molto abili che lavorano a qualcosa che si avvicina al meglio del loro lavoro. È una storia semplice, libera dal tipo di convoluzioni narrative che molti si aspettano da una storia di Wolverine , ma penso che sia ancora una lettura fantastica, forse proprio per questa semplicità. Si adatta al suo personaggio principale, tracciando tragedia dalle storie più dirette.

Deadpool 2 – La Recensione

Come il primo film, Deadpool 2 è un film che si basa sulla decostruzione e la commedia. Almeno, non principalmente.

Deadpool 2 è efficace sul punto narrativo supereroistico e lo sviluppa in maniera molto semplice e diretta con un pizzico di violenza ma anche di consapevolezza. Senza dimenticare le risate. E alcune battute sono davvero grandiose. Ci sono anche occasionalmente momenti in cui Deadpool 2 prenderà in prestito appositamente alcune scene o personaggi da altri film. Tuttavia, queste sono l’eccezione piuttosto che la regola. E non è un caso che questo set-up porti alla più grande risata del film.

Non c’è mai la sensazione che Deadpool 2 esista come decostruzione o critica dei film sui supereroi, che abbia qualcosa di particolarmente perspicace da dire sul genere oltre ad accettare che il pubblico moderno sia alfabetizzato dal genere.

Per essere chiari, questo non è un problema con Deadpool 2 . In effetti, la cosa più straordinaria di Deadpool 2, in particolare nell’era del franchising sui supereroi, è la relativa efficienza con cui racconta una storia semplice. Per tutte le battute sui genitali e tutti i riferimenti alla cultura pop che affollano la narrativa, in Deadpool 2 c’è un’emozione più genuina di quella di Avengers: Infinity War . I personaggi sono meglio definiti, i loro archi e le motivazioni più chiare. C’è una serietà accattivante e contagiosa sotto le battute del cazzo.

Ovviamente, questo non vuol dire che non ci siano citazioni in abbondanza e molti riferimenti nascosti. Se mai, Deadpool 2 è più esoterico nei suoi obiettivi rispetto a quello originale. Mentre si lamenta dell’assurdità dell’idea di “fortuna” come superpotere, Deadpool si chiede chi possa inventare un concetto così ridicolo (prestandosi alla “scrittura pigra” ), lamentandosi, “Probabilmente non sa nemmeno disegnare i piedi”. È un cliché nella critica dei fumetti per sottolineare le debolezze anatomiche di Liefeld, ma è qualcosa da vedere in un successone su questa scala.

Allo stesso modo, non si può negare la stranezza di un film a fumetti che trasforma un personaggio di serie Z apparso su Uncanny X-Men in cattivo stile “Black Tom Cassidy” in una battuta finale ricorrente con particolare attenzione alle relazioni a fumetti del personaggio di lunga data. Deadpool 2 è chiaramente il prodotto di persone che hanno effettivamente letto fumetti o almeno sono scomparsi nel buco nero del tempo che è il commento su internet. Incontrando un personaggio di fumetti particolarmente iconico, Deadpool ha persino casualmente elencato le sue apparizioni nei fumetti.

Oltre a ciò, Deadpool 2 non perde mai di vista se stesso come un sequel degli X-Men , non solo in continuità, ma in tono. Per un film che introduce gli X-Men come ” una metafora datata per i diritti civili degli anni sessanta “, c’è qualcosa che conferma quanto tranquillamente Deadpool 2 porti la sua coscienza LGBTQ nei suoi temi. C’è un modo semplice con cui Deadpool 2 accetta il suo sottotesto queer, dai riferimenti casuali a uno “strap-on” alla facilità con cui Wade accetta la fidanzata di Teenage Negasonic Warhead.

Esiste una misura specifica in base alla quale Deadpool 2 è effettivamente “il miglior film degli X-Men” da X-Men: First Class o anche X-Men II , senza essere effettivamente buono come Logan . Questo è più ovvio per il modo in cui la trama si trova a svolgersi attorno alla ” Essex Home for Mutant Rehabilitation “, sia un altro occhiolino all’ allusione all’uso della terapia di conversione negli Stati Uniti. (In effetti, uno dei più piccoli colpi bassi di Deadpool 2 prefigura questa rivelazione con Deadpool che riflette su come il resto del mondo non hanno un senso di religione come gli Stati Uniti).

È anche chiaro che il team di produzione ha letto i fumetti di Deadpool, sfruttando trame e opere come Uncanny X-Force di Rick Remender o Deadpool di Gerry Duggan .

Anche i dettagli più piccoli suggeriscono influenze a quattro colori. Quando Deadpool mette insieme il suo contrappunto “lungimirante, progressivo” (e anche “un po’ derivato” ) agli X-Men, il team di produzione fa attenzione ad annuire furbescamente a varie iterazioni del team nei fumetti X-Force . Tuttavia, la sequenza si ripaga confermando che il team di produzione ha almeno letto Peter Milligan e la spettacolare corsa di X-Force e X-Statix ​​di Mike Allred , che rimane uno dei migliori (e più trascurati) fumetti X-Men mai pubblicati.

Allo stesso modo, anche i fan occasionali del franchise cinematografico degli X-Men possono notare i vari riferimenti e omaggi al franchise del film, con la trama che spesso si sente come un tributo molto diretto agli X-Men rispetto al fascino gonzo del lavoro di Noah Hawley in Legion . La scelta di Cable come personaggio di supporto evoca ovviamente la trama di base di X-Men: Days of Future Past , sebbene consapevolmente e deliberatamente su una scala più piccola e intima. Una sequenza di dighe legate alla neve richiama X-Men II . Lo stesso Deadpool stuzzica le somiglianze con il complotto di Logan .

Nessuno di questi elementi è abbastanza forte nel mix per sopraffare Deadpool , non permettendo mai che il film si perda nei riferimenti. Per essere onesti, le battute del film cadono di tanto in tanto nella trappola di puntare a pezzi familiari della cultura pop come uno scherzo di se stessi, piuttosto che come impostazione di uno scherzo. Deadpool si riferisce inevitabilmente a Josh Brolin come “Thanos” , o si lamenta che parte della X-Mansion “odori come Patrick Stewart”.Tuttavia, sono citazioni piuttosto che il punto focale dell’attenzione.

Tuttavia, Deadpool 2 funziona meglio come un film d’azione semplice con una trama relativamente lineare e motivazioni coerenti. Il regista David Leitch è un fantastico coreografo d’azione, con uno stile relativamente pulito e ordinato che funziona bene. In effetti, i migliori beat di Deadpool 2 sembrano sequenze di azione senza sforzo,  che dimostrano l’abilità di Leitch senza distrarre dal resto del film; mi viene in mente una furba sequenza all’inizio del film, dove persino Deadpool si complimenta della carneficina coreografata. ” Woah. Quel ragazzo è in fiamme! 

Sebbene sia pieno di superpoteri e riferimenti ai film a fumetti, Deadpool 2 è molto più vicino a quei vecchi film d’azione degli anni Ottanta che a qualcosa come Black Panther . Questo è evidente nel modo in cui Leitch sceglie di visualizzare i superpoteri guidati dalla fortuna di Domino, nonostante le proteste di Wade che “certamente non è molto cinematografico.” Leitch sembra immaginare la manipolazione della fortuna di Domino pari alla capacità di invocare la fisica del film d’azione.

La trama e gli archi di Deadpool 2 hanno pochissime sorprese, forniscono invece un quadro per un’esecuzione sicura e pulita. La posta in gioco è relativamente piccola, specialmente per ciò che è inquadrato come una storia del viaggio nel tempo. Wade fa riferimento a Cable come “John Connor” , ma il film evita consapevolmente molte conseguenza del caso. Cable non sta cercando di salvare metà dell’universo, ma intraprende invece una missione molto personale. Allo stesso modo, le motivazioni di Wade non sono di cambiare il mondo o influenzare un profondo cambiamento nella coscienza sociale, ma di salvare una singola vita.

Questo è rinfrescante, sia nel contesto di un grande sequel di successo che di film sui supereroi. Nell’era degli universi condivisi e dei sequel, sembra che la qualifica minima per rivendicare il titolo di “supereroe” sia salvare una piccola città, probabilmente distruggendone la maggior parte nel processo.

C’è qualcosa di pragmatico e accattivante in questo. Semmai Infinity War ha dimostrato i limiti dei film sui supereroi, dimostrando che la carneficina sulla scala planetaria è limitata. Il merito di  Deadpool 2 è che non perde mai di vista le parti più intime. Anche un personaggio secondario come Domino ha il suo arco relativamente perfetto che ripaga in un modo che ha senso.

In effetti, i beat emotivi di Deadpool 2 sono quasi sinceri,  fatti per far funzionare la storia. In effetti, l’umorismo in Deadpool 2 sembra esistere in gran parte per controbilanciare questa serietà, per mantenere il film equilibrato e per impedirgli di ribaltarsi e diventare troppo ovvio o troppo melodrammatico. L’umorismo punge la sua sincerità quanto basta , sgonfiando gli elementi più veloci del film senza mai nascondere il suo cuore. Deadpool 2 mantiene un delicato equilibrio. Questo è forse più ovvio nella trama centrale del film, che si concentra su un giovane mutante di nome Russell, interpretato da Julian Dennison e che aspira a diventare cattivo col nome in codice “Fire Fist”.Quando Wade chiede perché Russell sarebbe tentato dal diventare un supervillain, risponde ironicamente, “Non vedi molti supereroi come me.”

Tuttavia, il sarcasmo esiste per aiutare a forare le parti più serie del film sui traumi, rabbia e cicli di violenza. Deadpool 2 è piuttosto esplicito su dove viene la rabbia di Russell, e su ciò che è necessario per aiutarlo a togliersi dalle ferite che gli sono state inflitte. Sulla carta, questo arco è quasi scadente, una raccolta di motivazioni e allestimenti di personaggi originali ma funzionano sullo schermo.

Tuttavia, Deadpool 2 trova un’umanità sorprendente in queste idee molto sane, distraendoci con umorismo delicato e autocoscienza.

 

The Killing Joke – Recensione

Essendo comprensibilmente un fumetto abbastanza controverso (lo stesso Alan Moore secondo quanto riferito ebbe pochissimo tempo per scriverlo), The Killing Joke rimane il fumetto perfettp per esaminare la dinamica tra Batman e il Joker. Essendo una storia principalmente basata sul Pagliaccio, ne rivela anche un po’ la logica distorta del personaggio, fornendo una motivazione quasi logica alle sue innumerevoli azioni malvagie.  Presenta anche alcune delle migliori opere fumettistiche che è possibile vedere su un fumetto di Batman.

Cominciamo parlando della vittima sacrificale. C’è un nome tecnico per il modo in cui questo fumetto tratta il personaggio di Barbara Gordon (figlia del commissario Gordon). È conosciuto come “donne nei frigoriferi” . Prende il nome dalla tendenza alquanto inquietante nei fumetti di trattare le donne come oggetti usa e getta che sono semplicemente importanti a causa del loro attaccamento a una figura maschile – figure che devono essere violate per dare agli eroi motivazioni per essere eroici o per dimostrare come possono essere più cattivi dei cattivi stessi. Il termine nasce da un numero di Lanterna verde in cui egli stesso trova la sua ragazza morta nel frigo per colpa di un nemico minore. Il suddetto nemico minore avrebbe in futuro tentato di uccidere la madre dell’eroe gettandola in un forno (non scherzo).

Qui il Joker paralizza Barbara Gordon e la fotografa nuda nel tentativo di avvicinare il padre per dimostrare la sua tesi. Barbara o Gordon non hanno un reale scopo, se non far partire un flashback. È piuttosto brutto vedere un tale cliché banale per un killer che vuole elevare l’omicidio in arte.

Mentre a Moore viene talvolta attribuito erroneamente il merito di aver definito il moderno Joker (come a Frank Miller viene talvolta erroneamente attribuito il merito di aver definito il moderno Batman), il personaggio è tornato alle sue radici come un pericoloso sociopatico come lo era stato circa dieci anni prima durante le run di O’Neill (come The Joker’s Five-Way Revenge ). Tuttavia, Moore definisce almeno questa incarnazione del personaggio. È difficile dire quale sia stata la cosa peggiore che il personaggio abbia mai fatto (ha fatto così tante cose), ma paralizzare Barbara “per dimostrare una Tesi”è dannatamente agghiacciante. Il fatto che regga un bicchiere di vino e sorrida lo rende ancora più inquietante.

Moore dà al personaggio un’origine – una decisione un po’ più controversa ripresa nel film The Dark Knight (ironico, dato che il film rimanda al passato della “multipla origine” ). Nella postfazione, Brian Bolland mette persino in discussione questa decisione e lo storpio di Barbara Gordon. Sia che apprezziate il tentativo di Moore di aggiungere pathos al Joker o credete che il cattivo sia nato da una natura inspiegabile, non si può negare che la storia abbia avuto molta influenza – a rischio di essere laici – perché è ben scritto e costruito con intelligenza. Anche coloro che non hanno mai preso in mano un fumetto hanno familiarità con l’origine, dato che ha costituito la base della genesi del personaggio in Batman di Burton. La scena mostrata sopra è piuttosto iconica e ritengo che la maggior parte delle persone che hanno familiarità con il personaggio l’abbiano già vista prima (anche se solo nelle ricerche su Google), così pervasiva è l’immagine del fumetto. I segugi delle curiosità noteranno che Moore sta effettivamente aggiornando l’origine del personaggio come è stato originariamente presentato nel 1951 ( The Man Behind The Red Hood ).

Ovviamente, Moore è troppo intelligente per dare a un personaggio iconico come il Joker un’origine semplice senza un sottotesto. Qui suggerisce (quasi fugacemente) che il personaggio stesso è eretidario – a volte come una setta, un concetto seguito da molti. È un concetto che Grant Morrison avrebbe probabilmente raccolto e sviluppato ulteriormente in Arkham Asylum . Così riesce ad averlo in ogni modo: conosci l’origine del personaggio e alla fine non sai nulla dell’origine del personaggio. Tutto allo stesso tempo.

Tuttavia, la cosa più interessante è che Moore va in qualche modo cercando di spiegare la nascita criminale del Joker. La sua spiegazione non è così complicata o new-age come quella proposta da Morrison. Invece, Moore aggiunge al personaggio una logica follia – sia letteralmente (Batman era lì alla sua creazione e sospetta che sarà lì alla morte del Joker – una profezia realizzata da Frank Miller, The Dark Knight Returns) e metaforicamente. Il Joker è tanto un prodotto della tragedia criminale quanto lo era Batman e cerca di dare un senso a ciò che gli è successo, come fa Batman. Ma, mentre Batman tiene dentro il dolore e lotta per tenere insieme la città come ha fatto con se stesso, il Joker cerca di giustificare la sua follia con una logica contorta. Una brutta giornata è tutto ciò che separa chiunque dalla pazzia, nella sua teoria. Nel suo mondo tutti sono contorti come lui, semplicemente non lo sanno.

Se questo suona familiare, è perché è alla base della filosofia del personaggio nel film The Dark Knight. C’è una voce ricorrente che afferma che Ledger ha letto il fumetto per aiutarlo a entrare nel personaggio, e sembra logico. I temi qui presentati si basano fortemente sull’adattamento del grande schermo (che ha preso in prestito in modo astuto elementi da una buona mezza dozzina di trame diverse).

Batman è in gran parte assente dalla storia, ma Moore gli offre un solido monologo di apertura che esamina la relazione tra i due nemici. Qui Moore afferma esplicitamente un’assunzione che è sempre più alla ribalta quando le azioni del pagliaccio sono diventate sempre più violente: prima o poi, uno di loro dovrà uccidere l’altro (ancora, questo tema verrà sfruttato da Frank Miller in Il ritorno del cavaliere oscuro). Moore non dipinge la dinamica tra i due come esplicitamente o implicitamente sessuale (come Kevin Smith, Grant Morrison e Frank Miller hanno fatto), ma invece come due anime perse costrette da altri (anche se rimangono incomprensibili per tutti) e uniti dalla follia e dalla tragedia. Il Joker deduce correttamente che Batman è vittima di una tragedia, ma – proprio come il suo passato – non può decidere quale.

 

Proprio come Watchmen (l’inevitabile confronto con qualsiasi opera di Alan Moore), il fumetto sottolinea la sua pazzia aderendo rigidamente a una struttura lineare della scena. Le scene sono attentamente coreografate e disposte in quadrati e rettangoli, con piccole variazioni di dimensioni. Non c’è alcun senso di mescolanza e confusione e certamente nessuna pagina iniziale. Moore affermerebbe che l’adozione di una struttura così rigida e standard è stata una scelta di design in Watchmen progettata per ricordare con fermezza al lettore che stanno leggendo un fumetto e in contrasto con i contenuti più sperimentali del fumetto, e trovo difficile credere che sia una coincidenza che ritroviamo qui lo stesso layout.

 

 

L’opera di Brian Bolland è stupefacente. Davvero. Potrebbe essere il miglior lavoro che ho visto su una storia di Batman. Il dettaglio è incredibile – non è difficile capire perché Bolland non è stato in grado di colorare il lavoro la prima volta. Questo non vuol dire che la colorazione originale dell’ultimo minuto fosse brutta. In realtà era abbastanza buona, ma Bolland era insoddisfatto del risultato. Quindi la nuova Deluxe Edition è stata ricolorata da Bolland ed è sorprendente. La maggior parte dei cambiamenti è sottile (la ricolorazione delle sequenze di flashback è bronzea, con solo un accenno di colore qua o là, o il riaccendersi del climax, o la rimozione dell’ovale giallo di Batman). Se riesci a ritirare l’edizione Deluxe, fallo. Il colore è stupefacente ed è davvero tra le migliori del lavoro mai realizzato.

È una storia ben raccontata con un disegno eccellente. Vorrei poter dire che Moore scrive Batman così come scrive Superman (come dimostra  Cosa accadde all’uomo del domani?), ma non lo fa. La trama è una storia sulle origini piuttosto semplice, ma analizzata attraverso il filtro unico di Moore. Sono quei piccoli tocchi di semplicità, così come uno sguardo abbastanza perspicace sulla psicologia del Joker, che rende questo fumetto degno di essere comprato, nel bene e nel male. Lo stesso Moore non è molto contento di come è uscito questo fumetto e, anche se ha ragione e non combacia con le storie più forti del grande pantheon del suo lavoro, ma non ha nulla di cui preoccuparsi. È una bella trama che fa molte domande sulla più interessante relazione eroe-cattivo nei fumetti.

Crisi sulle Terre Infinite – Retrorecensione e Retrospettiva

È interessante riflettere sulle novità che Crisis on Infinite Earths , più di un quarto di secolo dopo la pubblicazione della serie di dodici numeri, ha apportato al mondo del fumetto del genere. Da allora, sembra che lo scopo editoriale alla base dell’evento – il desiderio di “semplificare” la continuità intricata e incasinata della DC in una storia unica e unificata, abolendo la miriade di continuità alternative – sia stato in qualche modo annullato con il ritorno del multiverso in 52 e crisi finale, ma questo probabilmente consente all’epopea di Wolfman e Pérez di essere considerata per i suoi meriti. Anche se la serie potrebbe non essere così importante come una volta nello spiegare il modo a volte bizzarro in cui tutta la linea pubblicata di DC combaciava insieme, penso che si possa ancora vedere un’influenza enorme di questo crossover nelle storie che gli autori di DC raccontano, e come si avvicinano a loro.

Per essere completamente onesto, sono diffidente nei confronti del tipo di mandato editoriale che guida storie come questa. Dopotutto, ho sempre aderito all’idea che la rigida continuità che aziende come la DC e la Marvel sembrano aspirare possa servire da camicia di forza a scrittori e artisti. Credo che l’obiettivo della coerenza interna dovrebbe essere un secondo molto distante dall’obiettivo di raccontare una buona storia. In un certo senso Crisis on Infinite Earths ha  codificato l’idea di usare una storia come un modo per razionalizzare i cambiamenti editoriali in una linea di fumetti – in questo caso, DC voleva semplificare la loro continuità condivisa, quindi la storia era scritta attorno a quella.

Mentre penso che Wolfman faccia un ottimo lavoro riconciliando e raccontando una storia divertente con gli obiettivi editoriali stabiliti, non si può negare che Crisis on Infinite Earths si senta un po’ forzato – se non altro perché è impossibile spiegare tutti i cambiamenti che la DC voleva fare nella storia. In effetti, l’ultimo capitolo del fumetto ammette che molte delle modifiche saranno dettate al volo. “Ma che dire del futuro?” Chiede Lyla alla fine dell’avventura. “Quegli eventi divergenti che non sono stati spiegati? Il racconto completo verrà raccontato  un’altra volta, ma alcuni fatti sono noti. “

In effetti, da una prospettiva editoriale, Crisis on Infinite Earths ha  creato un bel casino. Mentre i personaggi più grandi continuavano abbastanza bene, l’evento creava una surreale confusione di continuità attorno al personaggio di Hawkman. A causa delle difficoltà nel risolvere chi era Hawkman ( umano? alieno? Poliziotto spaziale? Supereroe? Archeologo? ), a Grant Morrison fu impedito di usare il personaggio durante la sua celebre saga in Justice League. Allo stesso modo, la Legion of Superheroes è  diventata un vero casino, richiedendo un numero costante di rilanci,che solo con Geoff Johns verrà risolto in storie come Legion of 3 Worlds prima del rilancio con Flashpoint.

Tuttavia, penso che l’impatto duraturo di Crisis on Infinite Earths sia  stato il suggerimento che la direzione editoriale doveva applicare eventi specifici che alterano la continuità a livello generale. Quando Joe Quesada, ad esempio, credeva che ci fossero troppi mutanti nel suo universo immaginario, non credeva fosse sufficiente istruire i suoi scrittori a limitarne l’uso, o a smettere di crearne altri – ha fatto scrivere il crossover House of M per fornire una spiegazione nell’universo sul motivo per cui all’improvviso c’erano pochi mutanti. Invece di restituire i mutanti a uno status quo a cui Quesada sembrava aspirare, ha intrappolato la linea in una trama deprimente e nichilista (e talvolta non sensata) che sembrava continuare all’infinito.

Allo stesso modo, quando lo stesso editore suggerì che uno Spider-Man sposato era troppo lontano dalla sua idea del personaggio, insistette su una riscrittura che alterasse la continuità per “semplificare”  la storia del tessiragnatela, risultante nel pasticcio di One More Day . Ho sempre trovato ironico che apparentemente Spider-Man non possa divorziare da sua moglie perchè sarebbe troppo immorale per i bambini, ma va bene stipulare un accordo con il diavolo cedendo il suo matrimonio e l’amore della tua vita alla personificazione di Satana stesso. Penso che Crisis on Infinite Earths abbia reso possibili storie di questo tipo, creando l’illusione di una scorciatoia narrativa dove basta premere un gigantesco pulsante rosso di reset, diventando il modo predefinito di affrontare qualsiasi preoccupazione editoriale.

Vale la pena notare, in questo frangente, che Crisis on Infinite Earths non è stata davvero la prima storia del suo genere. Apparentemente gli uffici Marvel avevano sentito parlare dei piani del loro concorrente, e si precipitarono a creare la loro gigantesca maxi serie crossover per competere. Secret Wars è  stata la prima volta che tanti personaggi si sono uniti per raccontare una storia coesa, anche se mancava la raffinatezza e la giusta proporzione dell’universo di Marv Wolfman su Crisis on Infinite Earths. Tuttavia, ha fornito un’informazione assolutamente cruciale per l’industria dei fumetti e ha dimostrato perché questi tipi di eventi sono così popolari. In un memo ai colleghi scrittori, Wolfman è chiaro nel sottolineare che Secret Wars offre uno sguardo promettente sul futuro. “Anche se Marvel’s Secret Wars non è affatto simile a quello che stiamo facendo”, ha dichiarato, “siamo tutti molto familiari con l’aumento delle vendite di tutti i fumetti collegati”.

Ovviamente, Crisis on Infinite Earths ha  anche definito ciò che il pubblico si aspettava dai giganteschi crossover DC. Wolfman e Pérez realizzano la saga con uno scopo incredibilmente epico (a volte troppo epico), in cui non è il destino del mondo a essere in bilico. Nelle scene di apertura di Earth-3, Power Ring tenta di cogliere la natura della minaccia. “È più della natura, Power Ring,” insiste Ultra-Man. “È l’intero universo.”Scopriamo che è anche più grande di così. È ogni universo che sia mai esistito, qualsiasi universo che potesse esistere, ogni singolo momento nel tempo che è stato o che avrebbe potuto essere. Il crossover ha stabilito quella scala, e sembra che questo pericolo insondabile sia stato l’obiettivo di quasi tutti i principali crossover della DC pubblicati – con minacce a livello mondiale che formano la spina dorsale di Infinite Crisis , Final Crisis e persino di Flashpoint .

Sembrava anche impostare l’idea che questi giganteschi crossover dovessero avere “vittime” di alto profilo , con l’immagine di Superman che cullava il corpo di Supergirl, e di Flash che si dissolveva nel nulla, finendo quasi come iconiche istantanee di Crisis . Quindi Final Crisis avrebbe sacrificato Batman, Civil War avrebbe portato a The Death of Captain America , Fear Itself avrebbe visto morire sia Thor che Bucky, Secret Invasion avrebbe ucciso Wasp, Siege ha visto il nobile sacrificio di Loki. La maggior parte di questi eventi, ovviamente, sarebbe stata rielaborata dopo – anzi, Jeff Loeb avrebbe persino reintrodotto una nuova versione di Supergirl in uno dei suoi archi di Superman / Batman – ma sembrava che per un evento avesse un impatto, richiedeva una significativa perdita della vita. In effetti, è stato più sorprendente quando un evento è trascorso senza grandi perdite.

Su scala più piccola, tuttavia, è stato interessante leggere Crisis on Infinite Earths dopo anni di questo tipo di fumetti. Oltre all’impatto che aveva avuto sulla codifica di ciò che le compagnie e i fan si aspettavano da grandi eventi come questo, si può anche vedere dall’enorme impatto dell’evento sull’attuale stato di scrittori della compagnia, e quanto profondamente li abbia influenzati. In effetti, la Final Crisis di Grant Morrison  sembra più un reggilettere in confronto a questo gigantesco evento, che rivisita molti degli stessi personaggi e tenta di catturare lo stesso tipo di scopo: disegnare personaggi dimenticati come Kamandi e dargli una missione.

Oltre a ciò, tuttavia, si può percepire un’influenza molto maggiore sullo scrittore Geoff Johns. Naturalmente, sembra che Wolfman abbia avuto una certa influenza su Johns. Dopo tutto, entrambi gli scrittori sono saliti alla ribalta con il loro lavoro sulla prossima generazione di supereroi di DC. Wolfman si è fatto un nome dietro The New Teen Titans e Teen Titans che è stato uno dei titoli che ha aiutato a affermare Johns. Anche l’inclusione di Cyborg nella Justice League di Johns potrebbe essere letta come un affettuoso omaggio a Wolfman, il creatore del personaggio.

 Sembra che Johns sia stato ampiamente forgiato da Crisis on Infinite Earths , ancor più di qualunque altro suo contemporaneo e molto più del suo lavoro sul sequel Infinite Crisis . Fu Johns a reintrodurre l’Anti-Monitor, descritto in Crisis on Infinite Earths: The Compendium come “il più grande, cattivo della DC” , nell’universo condiviso in Sinestro Corps War , e ci tornò sia in Blackest Night che in Brightest Day . È difficile non vedere l’uso dei Qwardiani come schiavi sotto il comando di maestri brutali (e assassini) in Sinestro Corps War  come qualcosa di diverso dall’omaggio del lavoro di Pérez e Wolfman.

                                                                                                                                               

In effetti, si possono vedere molte opere di Green Lantern di Johns profondamente radicate in Crisis on Infinite Earths . La sceneggiatura di Wolfman fissa il multiverso alle azioni di Krona, il Mad Guardian, e la sua sceneggiatura presenta i Guardiani come impotenti di fronte a questa catastrofe. È un ritratto che Johns avrebbe preso in prestito e molto ampliato – suggerendo che i piccoli antichi alieni blu erano responsabili di gran parte della carneficina e dei danni che tentavano di risolvere.

Anche la connessione tra Bruce Wayne e Barry Allen, che Johns avrebbe usato per creare il nucleo di Flashpoint , si può dire che abbia origine qui. Dopotutto, questa Crisi sulle Terre Infinite si apre con Barry Allen che sembra mettere in guardia Bruce sull’imminente disastro, mentre in Flashpoint Johns  chiude l’ universo post- Crisi con una conversazione sincera tra i due personaggi nella Batcaverna. È facile parlare dell’imponente impatto di continuità, ma probabilmente ha avuto un impatto più profondo sugli scrittori che sarebbero cresciuti leggendolo.

Ma basta l’impatto di Crisis on Infinite Earths  e gli innumerevoli modi in cui questo enorme arco narrativo continua a diffondersi nell’universo DC ancora oggi.  Ma continua a intrattenere ancora oggi? Dopo tutto, Crisis on Infinite Earths è in gran parte degno di nota per essere la prima storia a fumetti a raggiungere quel tipo di popolarità, ma la reputazione è guadagnata? È una buona lettura ed è divertente oltre a questo?

A dire il  vero , Crisis on Infinite Earths è un po’ un miscuglio. L’arte di Pérez è assolutamente mozzafiato e completamente meritevole nel complesso. L’artista è il maestro delle scene della folla, che riunisce moltitudini di personaggi iconici insieme nel mezzo dell’azione, senza mai sacrificare alcuna sfumatura o dettaglio delle sue immagini. Gli stessi aspetti dell’approccio di Pérez che hanno reso JLA / Avengers così perfettamente adatto a questo formato enormemente sovradimensionato sono qui solo moltiplicati. Qualunque difficoltà di trama e di ritmo che Wolfman può affrontare, non è mai deluso dalle scene di Pérez.

E la sceneggiatura di Wolfman è abbastanza intelligente. Devo ammettere che mi piacciono molte delle idee che Wolfman propone qui sul piano sinistro di distruggere universi multipli – in particolare il forte aspetto metaforico che si insinua nella storia. Dopo tutto, la fine dell’universo è raffigurata come uno spazio bianco vuoto – letteralmente “bianco” nella pagina. Quei personaggi catturati in questo “spazio bianco” vengono prima derubati di uno sfondo, quindi resi come schizzi e poi come … niente. È un bel modo di illustrare il fatto che DC usa la miniserie per cancellare varie complicazioni e aspetti intricati della loro continuità. Sembra che il fumetto sia letteralmente disfatto proprio davanti ai nostri occhi.

È appropriato che Wolfman utilizzi Superman come nucleo di questa storia. Dopotutto, Superman è il vero cuore della DC. L’unico altro supereroe che può davvero competere con l’iconografia del personaggio è Batman, ma Wolfman pone Bruce direttamente ai margini dell’evento.

Inoltre, Wolfman suggerisce qualcosa aprendo l’evento con un replay dell’origine iconica di Superman, mentre uno scienziato disperato su un mondo morente pianifica di salvare la vita di suo figlio mettendolo in “un prototipo, grande abbastanza per un solo essere vivente. “ . Questo però è il figlio di Lex Luthor, Alexander Luthor di Earth-3. “Moriremo”,proclama Lex,  “ma nostro figlio vivrà.” . Legare Luthor (anche un Luthor alternativo) a Superman è un potente pezzo di simmetria, una sorta di chiusura del cerchio, che mi ricorda la fine di Red Son di Mark Millar.

La conclusione di Wolfman sembra una perfetta conclusione per quella versione dell’universo DC, anche se potrebbe considerarsi un risultato. È difficile esprimere quanti personaggi riesce a stipare, tirandoli fuori da tutti gli angoli del pantheon DC. Include i contributi di Kirby all’universo DC con personaggi del calibro di  Arthuro, Kamandi e persino i Nuovi Dei. Si assicura che i personaggi dell’universo Charlton Comics di Steve Ditko  sopravvivano alla crisi, dando a Blue Beetle un ruolo significativo negli eventi. Anche gli eroi di guerra e i personaggi del Selvaggio West hanno un loro cameo.

Questa scala epica consente a Wolfman di creare l’impressione di una realtà che collassa su se stessa. Non penso di aver mai visto una storia di fumetti su questa scala, nemmeno l’ambiziosa Crisi Finale di Morrison. Questo epico senso di scala compromette l’evento stesso, almeno per alcuni aspetti. Francamente, molti personaggi si perdono nella mischia, specialmente quelli che dovrebbero essere importanti. Nonostante la perdita di Supergirl, la morte del Flash è forse la più grande morte di qualsiasi personaggio in questo crossover, mentre si sacrifica per distruggere la macchina dell’Anti-Monitor. Wolfman e Pérez prefigurano pesantemente questo nobile sacrificio di sé, quindi non sembra una sorpresa. Barry Allen era stato posizionato, dopo The Trial of the Flash di Cary Bates , come un reietto e un fallimento. Questo grande momento nel cuore di Crisis on Infinite Earths dovrebbe sentirsi come una conclusione a quel grande arco – la prova che, nonostante i sobbalzi lungo la strada, Barry Allen è un eroe tutto e per tutto.

Sfortunatamente, non c’è alcun senso di personalizzazione del personaggio all’interno del fumetto stesso. Barry si sente (nella migliore delle ipotesi) secondario per la maggior parte delle sue apparizioni. Blue Beetle è considerato un personaggio più importante, con una maggiore caratterizzazione, rispetto a Barry stesso. Il pubblico dovrebbe essere colpito dalla morte di Barry, sentendolo come la conclusione inevitabilmente tragica. Invece, sembra solo un punto della trama all’interno di un enorme evento cosmico. Questo è un grosso problema per Barry Allen a causa della sua importanza per la trama, ma non è l’unico posto in cui la caratterizzazione si perde nella mescolanza di questi giganteschi eventi che alterano il mondo.

Non c’è spazio per la caratterizzazione, ei personaggi sono per lo più ridotti a tic verbali superficiali. Dato il tempo limitato del fumetto riservato ai personaggi secondari, anche i nuovi personaggi introdotti durante l’evento, il nuovo Wildcat e il nuovo dottor Light, si sentono poco più che ruvidi schizzi invece di personaggi ben formati.

Nel tentativo di creare un senso di emozione tra questi grandi eventi, la scrittura di Wolfman si sente un po’ eccessivamente melodrammatica. Nel mezzo della saga, mi sono trovato sempre più frustrato dai proclami morenti di “amore”  e pseudo-caratterizzazione dall’angosciosa follia. In effetti, anche l’arco centrale del personaggio del Dr. Light viene gestito in modo rapido, con il suo cambiamento  in una singola riga.

In difesa della scrittura di Wolfman, sarebbe difficile ottenere troppa caratterizzazione in una storia così grande. E, ad essere sinceri, la sua scrittura è straordinariamente abile. Non ho un grado assurdo di conoscenza dei personaggi DC, quindi molti dei cattivi e degli eroi che appaiono qui potrebbero essere scappati sotto il mio radar. Wolfman fa un lavoro esemplare assicurandosi che il lettore sappia chi è ciascun personaggio e – dove applicabile – quali sono le sue motivazioni. Probabilmente si tratta di una gestione più di continuità rispetto alla scrittura creativa, ma molti scrittori moderni potrebbero imparare da Wolfman.

Ci sono anche alcuni problemi di trama fondamentali. Per la maggior parte dei suoi dodici numeri, la serie progredisce piuttosto logicamente e sensibilmente per essere un racconto di genere supereroistico. Una o due volte, tuttavia, la trama prende una strana deviazione che getta via il ritmo, con alcuni punti della trama gettati solo perché sembrano obbligatori nei crossover dei fumetti. Ad esempio, mentre la battaglia contro l’Anti-Monitor imperversa, l’uso dello PsychoPirata si sente come se stesse semplicemente mangiando spazio e inserendo quel tipo di battaglie tra supereroi che sono abbastanza comuni in qualsiasi altro fumetto.

Un po’ più surreale è un bizzarro intervento di Lex Luthor e Brainiac dopo che l’Anti-Monitor è stato respinto per la prima volta. Si tratta di una scusa per una battaglia su supereroi contro i supercattivi su larga scala, il tipo di azione che la serie aveva evitato per lo più fino a quel punto (e avrebbe evitato in seguito). Sembra quasi che il lettore stia leggendo un fumetto incastrato nella serie principale di dodici numeri, anche con il peggior cliffhanger è con Psi-mon che attacca Luthor e Brainiac. Sospetto che questi eventi siano stati inseriti solo perché è bello vedere Pérez che illustra questi tipi di scontri.

In effetti, Wolfman approfitta effettivamente dell’opportunità di lanciare scherzosamente Crisis su Infinite Earths in un tono quasi biblico. L’Anti-Monitor è la fine di tutte le cose, l’ultimo male, il fuoco nucleare sempre acceso, lo spazio bianco, ma è anche presentato come qualcosa di simile al più classico dei miti contro il male. Harbinger descrive l’anti-monitor come “il serpente in questo eden” , forse un’analogia appropriata in cui la mela rappresenta la conoscenza.

Crisis on Infinite Earths  è una storia molto più forte di quanto mi aspettassi ad essere completamente onesto. Certo, ci sono alcuni problemi, ma Wolfman gestisce un compito quasi impossibile con notevole abilità e grazia. Si sente epico in un modo che altri pochissimi eventi fumettistici possono realmente corrispondere, anche nei quasi tre decenni successivi. Vale la pena leggere per coloro che sono interessati all’universo immaginario condiviso, con le dovute precauzioni .

The Absolute Crisis on Infinite Earths  rappresenta facilmente il modo migliore per leggere la storia. Come accennato, l’arte di Pérez sembra assolutamente superba, ma DC l’ha anche confezionata con un intero libro pieno di informazioni dietro le quinte su come un evento di questa portata è stato organizzato e legato insieme. Include anche un riassunto di tutti i libri di tie-in di Crisis on Infinite Earth , che sono piuttosto interessanti.

Crisis on Infinite Earths ha avuto un impatto enorme sul rilascio, ma non vale la pena leggerlo solo per l’impatto che ha avuto sulla continuità dei fumetti DC. Invece, vale la pena leggere il progetto per le grandi  storie di “eventi” , guardando Wolfman e Pérez mettere insieme il regolamento mentre procedevano. La storia stessa potrebbe sembrare un po’ goffa in alcuni punti, ma non si può negare che ha dato i suoi frutti.