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“Ri-Nascita”: Dalla stagione 3 di DareDevil alla “fedeltà” del cinema a fumetti

Uno degli aspetti più interessanti del boom moderno nella cultura geek è la maggiore enfasi sulla fedeltà testuale.

Molto è stato scritto sull’elevata nascita di adattamenti, sequel, remake e reboot che dominano la cultura popolare contemporanea. La tendenza è forte, anche tra le uscite cinematografiche e televisive di prestigio di quest’anno.  Tuttavia, è molto rivelatore che così tanti adattamenti moderni di personaggi famosi sono molto concreti sull’idea di fedeltà. “Fedeltà” è diventata una parola d’ordine per questi adattamenti, non solo in termini di Easter Egg, ma in termini di costruzione di base. A suo modo, questa potrebbe forse essere un’estensione dell’enfasi sui fumetti e graphic novel come ispirazione chiave per i moderni blockbuster. Dato il numero di artisti legati ai fumetti che lavorano come sceneggiatori nei film, è normale considerare il materiale originale come uno storyboard, per adattare una vignetta a un’immagine in movimento.

Non è sufficiente mettere insieme un film basandosi esclusivamente sul tono del fumetto, e un regista può letteralmente prendere solo una libera ispirazione mentre crea qualcosa che assomiglia poco al materiale di partenza. La terza stagione di Daredevil ricorre a questo problema ripetutamente, in gran parte come un tentativo confuso di portare sullo schermo Rinascita di Frank Miller e David Mazzucchelli .

Nota: questo articolo contiene spoiler minori della terza stagione di Daredevil .

Non è sempre una cattiva idea prendere ispirazione dal materiale di partenza per adattare un amato personaggio dei fumetti allo schermo. La trilogia di Batman di Christopher Nolan adatta una serie di elementi chiave di vari archi narrativi ed eventi. Batman Begins deve molto all’ Anno Uno di Frank Miller e David Mazzucchelli . Nolan stesso cita The Long Halloween come una grande influenza per The Dark Knight . In termini di trama di base, The Dark Knight Rises deve molto a Knightfall e Cataclysm . Tuttavia, nessuno di questi film è particolarmente legato al loro materiale originale.

In effetti, Nolan mescola una varietà di influenze in ognuno dei singoli film. Batman Begins attinge da fumetti come quelli di Dennis O’Neil e gli epici anni settanta del Batman di Neal Adams o la storia dimenticata The Man Who Falls . La trama di The Dark Knight combina elementi di Batman # 1 e The Killing Joke . Lungo queste linee, The Dark Knight Rises include aspetti di The Dark Knight Returns o The Cult. Nessuno di questi elementi si eliminano, e nessuno di questi film è abbastanza vicino da poter essere adattato direttamente. Più precisamente, Nolan include alcuni segnali visivi in ​​modi che non stravolgano la storia.

Tuttavia, nei film dei fumetti moderni c’è una tendenza a porre un’enfasi eccessiva sulla “fedeltà” , per trattare questi adattamenti non come storie fine a se stessi, ma come raccolte di momenti e citazioni di vari anni di pubblicazioni confezionato all’interno di un film. Watchmen potrebbe essere il miglior esempio di questo, con Zack Snyder che crea una serie di scatti letteralmente presi dai disegni di Dave Gibbons, producendo uno degli adattamenti cinematografici più visivamente fedeli da Psycho di Gus Van Sant .

Storicamente, gli adattamenti dei fumetti tendevano ad essere abbastanza ampi nel tradurre elementi della storia dalla carta allo schermo. Il Batman di Adam West ha sorvolato la morte di Thomas e Martha Wayne. Batman di Tim Burton suggerì che il Joker aveva assassinato i genitori di Bruce Wayne. La versione di Lex Luthor apparso in Superman e Superman II era abbastanza distante dallo scienziato pazzo nell’armatura dei fumetti contemporanei. Catwoman e il pinguino di Batman Returns erano mondi diversi dalle loro controparti a fumetti.

Alcuni di questi elementi ovviamente non funzionano. Ci sono molti film a fumetti che soffrono a causa di decisioni che non possono essere ricondotte al loro materiale originale. In molti casi – come Batman e Robin – le modifiche apportate ai personaggi e il ritmo della trama dal materiale di partenza peggiorano la storia. Allo stesso tempo, non si può negare che alcuni di questi primi adattamenti avevano una certa libertà di inventare e reimmaginare i loro personaggi e le premesse in un modo che li ha modellati e definiti.

Per essere onesti, Watchmen non è esattamente il punto zero quando si tratta di questo livello di fedeltà negli adattamenti dei fumetti. Ironia della sorte, Daredevil di Mark Steven Johnson è forse uno dei grandi primi esempi di adattamento di un supereroe che potrebbe aver sofferto di essere troppo fedele alla sua ispirazione. L’adattamento di Johnson si è ispirato incredibilmente all’iconico lavoro di Frank Miller su Daredevil , in particolare nel suo ritratto di personaggi come Kingpin, Elektra e Bullseye. Infatti, l’omicidio di Elektra da parte di Bullseye viene preso direttamente dal fumetto.

Johnson era così fissato nel riprendere tutti questi momenti, che ha faticato a strutturarli in una narrazione avvincente. Daredevil avrebbe potuto funzionare meglio se avesse preso un singolo elemento e costruito il film intorno ad esso, piuttosto che passare attraverso una lista di omaggi e ritmi per legare il film al lavoro di Frank Miller. Dopotutto, Miller aveva accumulato molti di questi grandi momenti nel corso degli anni, ma Johnson stava invece cercando di metterli in pratica e montarli in un film di due ore. Johnson sembrava capire il potere di questi momenti, ma non il loro contesto.

Tuttavia, Watchmen sarà probabilmente il migliore esempio di questo, con il regista Zack Snyder che mostra un’incredibile fedeltà al materiale originale.  Allo stesso tempo, c’è la sensazione che Snyder abbia offerto un adattamento letterale del testo senza comprenderne il significato, e quindi ha usato la fedeltà al testo come un’opportunità per aggirare l’effettivo processo di traduzione della storia da un mezzo all’altro . Guardando Watchmen, sembra spesso che essere fedeli al testo letterale e alle immagini del materiale originale fosse più importante che provare a distillare la sua essenza sul grande schermo. È una sensazione molto strana, sembra quasi un esperimento di art-house piuttosto che un blockbuster di grosso budget.

Ci sono molti esempi che illustrano il divario tra quella fedeltà testuale e l’essenza del fumetto. Moore e Gibbons sottolineano ripetutamente l’assurdità dell’idea dei supereroi in Watchmen , fissando personaggi che sono mentalmente sconvolti o fisicamente fuori forma. In particolare, Dan Dreiberg viene presentato come un uomo di mezza età in sovrappeso impotente. Tuttavia, Snyder non resiste all’impulso di sparare ai suoi personaggi in modo molto tradizionale, incluse scene di lotta al rallentatore con una coreografia mozzafiato. Questo è molto in disaccordo con il punto centrale tematico del fumetto.

(Per inciso, questo è uno dei motivi per cui Nolan ha consapevolmente cambiato l’ispirazione della trasformazione di Bruce Wayne dai fumetti. Nel fumetto, Bruce era stato ispirato dal film Il Marchio di Zorro che ha visto al cinema nella notte in cui i suoi genitori morirono. Nolan era ansioso che rendere la trasformazione di Bruce (anche in parte) qualcosa di più interessante e accattivante, così ha cambiato dal cinema a una serata all’opera in Batman Begins . E’ stato ispirato da Mefistofele piuttosto che Zorro .)

Negli ultimi anni, i film di fumetti sono diventati sempre più visivamente fedeli al loro materiale originale. Ad esempio, Thor: Ragnarok include una sottotrama estesa con il personaggio di Skurge the Executioner che esiste solo per costruire un’immagine particolarmente memorabile dall’iconico Thor  di Walt Simonson . Allo stesso modo, Thor: The Dark World traspone i personaggi come Malekith e Kurse dai disegni di Thor di Simonson , senza alcuna considerazione reale su cosa faccia funzionare questi personaggi. Erano nei fumetti ed erano popolari nei fumetti, quindi entrano nei film.

Questo spostamento è probabilmente il risultato di molteplici fattori diversi. Sempre più spesso, i tipi di persone coinvolte nelle principali decisioni creative degli studios che producono questi film hanno un ampio background nella cultura nerd, come il coinvolgimento di Geoff Johns in progetti come Green Lantern o Justice League . Più precisamente, sembra anche probabile che i registi e gli scrittori assegnati a questi progetti siano più profondamente versati nei personaggi e nella continuità. L’evidente passione di Zack Snyder per The Dark Knight Returns ha inevitabilmente formato Batman vs. Superman: Dawn of Justice .

C’è anche una maggiore enfasi sulla fedeltà come valuta culturale, in particolare quando si realizzano film e serie televisive per i fan più accaniti di proprietà abbastanza conosciute. Il “canon” è diventato un concetto sempre più legato (e talvolta frustrante) per i franchise di successo moderni, con società come la Marvel Studios che sono orgogliose di quanto direttamente e con quale fedeltà attingano dal materiale di partenza nella costruzione di questi film . Non importa che i fumetti abbiano un pubblico molto più piccolo, né che l’adattamento sia qualcosa di più della trasposizione letterale. La fedeltà è la chiave.

Questo è forse ciò che ha fatto sembrare un film come Venom così vecchio stile. Sembrava una reliquia dei primi anni del primo ventunesimo secolo per ragioni che si estendono oltre la bizzarra traccia del rap Eminem. Il film Venom sembra essere stato scritto e prodotto da persone che avevano solo letto il riassunto di wikipedia del personaggio, e non avevano mai preso una copia di Amazing Spider-Man nelle loro vite. Dopotutto, questo era un film di Venom senza Spider-Man . Richiedeva una forma di adattamento molto più sciolta.

Tutto ciò torna a Daredevil . La serie Netflix è passa attraverso quattro diversi set di showrunner durante le sue tre stagioni. Mentre le prime due stagioni dello spettacolo non sono mai state adattamenti diretti di singoli archi narrativi, sono stati entrambi fortemente influenzati dal lavoro di Frank Miller. La prima stagione è stata fortemente ispirata a The Man Without Fear , mentre la seconda si è appoggiata pesantemente alla mitologia che Frank Miller ha sviluppato attorno a Elektra Natchios e alla mano. Oltre a ciò, la prima e in particolare la seconda stagione sembravano utilizzare i momenti chiave dei fumetti come storyboard per sequenze chiave.

Nessuna delle prime due stagioni è stata un adattamento diretto di una singola run o arco scritto e illustrato da Frank Miller. Tuttavia, lo spettro di Born Again pende su Daredevil come personaggio. In parole povere, Born Again è una delle storie più influenti nella storia dei fumetti. Anche se l’originale Daredevil di Frank Miller è stato interpretato come una figura di interesse, è Born Again che ha incarnato Daredevil come personaggio. Born Again è una storia che ha influenzato innumerevoli scrittori che hanno seguito Miller, sia che si ispirino a emularlo sia a rifiutarlo. Scrittori come Kevin Smith, Brian Michael Bendis e Ed Brubaker ne hanno tratto pesantemente nonostante scrivessero circa due decenni dopo che la storia era stata raccontata. Un’intera generazione di fan e scrittori ha letto Born Again e l’ha abbracciata come l’ideale platonico di ciò che potrebbe essere un fumetto di supereroi.

Questo è il problema con questa terza stagione di Daredevil: tenta di adattare Born Again allo schermo. Tratta la storia come una raccolta di immagini e una serie di citazioni piuttosto che una narrativa coesa con se stessa. La stagione è costellata da brani narrati direttamente da Born Again , come ad esempio Matt che passa molto tempo a riprendersi con una suora che potrebbe essere sua madre o Wilson Fisk che deduce abilmente che Matt Murdock è l’unico e solo Daredevil.

Per essere onesti, potrebbe essere impossibile adattare Born Again per film o televisione nel ventunesimo secolo. L’arco della storia dei fumetti si apre con l’amata amica di Matt, Karen Page, come una pornostar drogata dall’eroina che vende l’identità segreta di Matt Murdock per una dose. Queste informazioni arrivano fino a Wilson Fisk, che decide di smantellare la vita di Matt Murdock pezzo per pezzo. Fa espellere Murdock. Fa congelare i suoi beni. Fa saltare in aria il suo condominio.

Nessuna di queste cose è realmente accaduta nella terza stagione di Daredevil , a causa della trama logica in seguito agli eventi di The Defenders . Matt Murdock è scomparso e presunto morto all’inizio della terza stagione, quindi non c’è una vita per Wilson Fisk da smantellare. Wilson Fisk è sotto custodia della polizia, quindi non può colpire Matt Murdock dall’alto con la stessa impunità. L’attrice Deborah Ann Woll ha assicurato ai fan che Karen non diventerà mai una pornostar tossicodipendente, e quindi non può essere la persona a svendere l’identità di Matt al suo arcinemico.

Alcuni di questi problemi sono puramente logistici. Forse la serie avrebbe potuto costruire una storia come Born Again per la sua quarta stagione, avendo fatto in modo che tutti i pezzi fossero stati messi a posto alla fine della terza stagione. Forse la terza stagione avrebbe potuto funzionare come miglior adattamento di Born Again se il team di produzione fosse stato più attento a quello che stavano facendo nella seconda stagione di Daredevil e nella prima stagione di The Defenders . Tuttavia, alcuni di questi elementi semplicemente non sarebbero mai stati realizzabili in qualsiasi condizione, dato il clima sociale moderno e i vincoli imposti dal marchio Marvel Studios.

La terza stagione di Dardevil riporta alcuni punti della trama da Born Again . Wilson Fisk tenta di annegare Matt Murdock nel fiume. Al suo livello più basso, Matt si ritira per curarsi nella chiesa e riscopre la sua fede. Dopo questo, Matt  combatte un pazzo che Wilson Fisk ha pagato per vestirsi come Daredevil per distruggere il suo buon nome. Queste sono tutte cose che accadono sia in Born Again che nella terza stagione di Daredevil . Tuttavia, il contesto per loro è radicalmente diverso, e quindi l’impatto di essi è cambiato in modo significativo.

Wilson Fisk tenta di annegare Matt Murdock nel fiume, ma non come ultimo tentativo di uccidere il personaggio dopo aver distrutto la sua vita. In effetti, guardando la terza stagione di Daredevil , non viene mai spiegato perché Fisk non gli avrebbe semplicemente sparato o picchiato a morte mentre era svenuto . Allo stesso modo, il tempo di Matt con la chiesa non è il risultato della sua vita che crolla dopo che Wilson Fisk lo ha fatto a pezzi. Invece, Matt si è ritirato in chiesa prima che Wilson Fisk faccia la sua prima mossa. Elimina l’equilibrio della storia.

Questo crea una strana tensione nella terza stagione di Daredevil , in cui la narrativa assomiglia superficialmente al fumetto Born Again , ma solo in piccoli frammenti di dialogo e poche immagini prese in prestito. La narrativa sottostante è completamente diversa, che crea una disconnessione. Born Again è fondamentalmente la storia di una morte e rinascita di Matt Murdock, ma la terza stagione di Daredevil si apre con la rinascita, il che significa che la serie deve nuovamente uccidere Matt Murdock, il che elimina l’equilibrio della storia raccontata.

Non è solo che la terza stagione di Daredevil non riesce ad essere un adattamento riuscito o avvincente di Born Again . Il problema è che, come con molti adattamenti dai fumetti che soffrono di questi superficiali cenni di fedeltà, vi è la decisione di lasciare spazio a tutti questi cenni fini a se stessi in modo che influiscano da soli sulla storia raccontata. La terza stagione di Daredevil potrebbe funzionare meglio come una storia di pura rinascita dopo la morte del personaggio in The Defenders , ma deve costantemente fermarsi e iniziare a includere tutti questi riferimenti e battiti di trama, come Ragnarok soffre un po’ di dover spremere Skurge nella sua storia.

Allo stesso modo, la terza stagione di Daredevil tenta attivamente di incorporare una serie di altri thread e immagini tratti dai fumetti che non rientrano altrimenti nella narrativa generale. La grande sequenza di combattimenti one-take della stagione vede Matt lottare per uscire da una prigione, un ovvio cenno a The Devil in Cell Block D di Ed Brubaker e Michael Lark. Tuttavia, la loro rissa in carcere esisteva in un quadro di storie in cui aveva più senso. Allo stesso modo, la terza stagione include una sequenza in cui Bullseye attacca una chiesa, presa direttamente da Guardian Devil di Joe Quesada e Kevin Smith .

Queste sono immagini efficaci, per essere sicuro. I fumetti sono un mezzo visivo, dopo tutto. La logica ci dice che ciò che funziona sulla carta dovrebbe funzionare sullo schermo. Tuttavia, queste immagini non funzionano necessariamente al di fuori del contesto, e la serie stessa di tanto in tanto fatica a integrare queste immagini in una narrazione coesa. Invece di sentirsi come una cosa sua, la terza stagione di Daredevil spesso sembra un remix esteso. Manca la propria voce distinta.

Va notato che molti adattamenti davvero riusciti lo fanno spostando efficacemente la rigida fedeltà testuale al loro materiale di partenza. The Shining potrebbe non aver soddisfatto Stephen King come adattamento del suo lavoro, ma si erge come uno dei più grandi film horror mai realizzati. Il Fuggitivo ha in gran parte soppiantato la serie televisiva che lo ha ispirato. Il Padrino e Lo Squalo hanno entrambi abbandonato ampie sezioni delle loro controparti cartacee  perchè non avrebbero funzionato al cinema.

Per tutti i fan degli adattamenti del fumetto potrebbe credere che questa è un’età d’oro degli adattamenti da pagina a pagina, la terza stagione di Daredevil suggerisce che c’è dell’altro piuttosto che la semplice trasposizione di immagini e frasi.

Venom: Recensione senza spoiler

Il trauma è una pietra miliare del genere supereroistico.

A volte quel trauma è emotivo; la morte di Thomas e Martha Wayne, la perdita dello zio Ben, l’esplosione di Krypton.                                      A volte quel trauma è fisico; ti rivestono lo scheletro di metallo liquido e la tua memoria viene cancellata, ti trasformi fisicamente in qualcosa di irriconoscibile, ecc ecc . Per citare erroneamente Stan Lee, “da un grande potere derivano grandi responsabilità”. Il più delle volte arriva anche con grande sofferenza.

Nei suoi momenti migliori, Venom sembra rendersene conto. Al centro di Venom, il personaggio traumatizzato è Eddie Brock, che ha assistito alla distruzione di tutta la sua vita e che improvvisamente si ritrova a condividere il suo corpo con un’entità aliena assassina con mostruosi appetiti. Brock è interpretato da Tom Hardy, uno di quei rari attori con immensa presenza fisica e incredibilmente vulnerabilità. Incredibile e trasandato, con i tatuaggi sbiaditi e gli indumenti che sembrano non essere stati lavati, Eddie sembra aver passato l’inferno prima ancora della sua esperienza di trasformazione.

Ci sono momenti in cui Venom sembri quasi come uno strano thriller psicologico su un personaggio che vive una pausa in tempo reale dalla realtà, un reporter che sta perdendo la sua fragile presa sulla realtà dopo aver subito l’ennesima battuta d’arresto personale e professionale. Mentre la situazione peggiora, Eddie inizia a sentire voci nella sua testa e perde il controllo del suo corpo. Si trova in una situazione in cui accadono cose terribili, ma è in grado di dissociarsi dalla brutalità e dalla violenza. Venom non si impegna mai completamente in questa idea, ma ribolle attraverso la storia.

I primi due atti di Venom sono scomposti e irregolari, che soffrono di una sfocata mancanza di dettagli e non si concentrano su nessuna delle idee centrali del film. Tuttavia, il film sopravvive in gran parte sulla forza delle prestazioni di Tom Hardy e sulla stranezza del concetto. Tuttavia, le cose cadono a pezzi nel terzo atto. Parte di questo è dovuto al fatto che Venom sente il bisogno di trasformarsi in un normale film di supereroi quando raggiunge la sua conclusione. Parte di questo è perché Ruben Fleischer non può dirigere l’azione. Parte di questo è a causa della collisione di un’esposizione maldestra e di immagini confuse generate al computer.

Venom perde quel piccolo controllo che ha di se stesso quando raggiunge il suo apice.

Il terzo atto di Venom è un disastro, uno dei peggiori terzi atti di qualsiasi blockbuster di grosso budget. Alcuni di questi problemi sono puramente concettuali, in base al fatto che Venom sente il bisogno di offrire il tipo di spettacolo che le persone si aspettano da un moderno blockbuster; questo significa momenti alti, effetti speciali complicati e sequenze guidate dall’animazione generata al computer. Niente di tutto ciò è bello e lascia un sapore molto aspro.

Il culmine di Venom sente la necessità di mettere il destino del mondo in bilico, come lo è l’impostazione predefinita per i moderni successi dei supereroi; si pensi agli antagonisti nichilisti di film come Thor: The Dark World o Doctor Strange , cattivi che vogliono distruggere il mondo perché i moderni blockbuster credono che il pubblico voglia quel livello di minaccia. In molti forum si parla dell’efficacia di questo approccio, sul fatto che i film abbiano bisogno di quel senso di pericolo, o se il pubblico moderno possa investire in interessi più intimi come quelli di Spider-Man: Homecoming .

Venom non smette mai di fare questo genere di domande, e così il film ha bisogno di aumentare il pericolo piuttosto drasticamente andando al suo terzo atto in un modo che si sente completamente inorganico con tutto ciò che è successo a quel punto. Il terzo atto di Venom è un corso di go-kart, pieno di colpi di scena ma senza spazio sufficiente per costruire un momento. Il terzo atto rivela, in una successione incredibilmente rapida , ciò che l’omonimo mostro stava progettando di fare sulla Terra, perché non lo fa più ora che il pubblico sa di cosa si tratta e chi altro sta pianificando qualcosa di simile.

Su un livello di trama pura è vertiginoso, inducendo al colpo di frusta. Al pubblico viene chiesto nel corso di trenta secondi di spiegazione di rinnovare completamente la loro comprensione della relazione tra Eddie Brock e il parassita che vive nel suo corpo non meno di tre volte. Di conseguenza, nulla di tutto ciò ha alcun impatto. Nessuna rivelazione ha il tempo di affondare prima che venga sostituita con una nuova informazione che ricontestualizza l’intero arrangiamento.

Questa carneficina si riflette nella regia. Ruben Fleischer non è un regista d’azione, certamente non alla portata di cui ha bisogno un film come questo. È sempre difficile creare una tensione tangibile tra due blob generati dal computer che si colpiscono a vicenda, ma l’editing e il ritmo della sequenza d’ azione climatica non aiutano. Due entità superpotenti si lanciano su un razzo al culmine di Venom , ripetutamente avvolte nel fuoco e lanciate e girandosi l’una sull’altra, ma nessuna visivamente è interessante. Molto poco è persino visivamente chiaro.

Tutto questo è un peccato, perché c’è un sacco di materiale interessante che porta a questo disastroso lancio del terzo atto. I primi settanta minuti di Venom sono tutt’altro che perfetti, ma sono almeno coinvolgenti. Hanno una varietà di idee sottosviluppate che sono almeno intriganti, e il tutto è elevato da un’affascinante performance centrale di Tom Hardy come Eddie Brock. Sarebbe troppo dire che Venom lavora costantemente anche durante i suoi primi due atti, ma funziona quel tanto che basta per far andare avanti le cose.

Molto di questo è dovuto a Tom Hardy. Potrebbe essere troppo dire che Hardy è particolarmente bravo nel ruolo, ma la sua performance è sicuramente ottima. Di rado c’è una scena senza una scelta interessante da parte di Hardy che ravviva anche il più superficiale o banale dei take. Anche la sua prima esposizione è piena di scelte di performance stranamente forti. Durante il montaggio introduttivo che lo istituisce come reporter, si ferma a metà di una frase per controllare i suoi appunti. “Il problema dei senzatetto è …” Controlla i suoi appunti, guarda la telecamera. “… crescente.”

In un certo senso, Venom si sente come un supereroe, una strana reliquia di un tempo prima dell’attuale boom dei supereroi. Sembra molto simile al tipo di film che potrebbe essere stato introdotto alla produzione nei primi anni del ventunesimo secolo, dopo il successo di X-Men o Spider-Man , ma da persone che non hanno riconosciuto gli eroi sulla carta. Venom è uguale a film come Daredevil , Elektra , Ghost Rider o anche The Punisher .

L’atmosfera del primo ventunesimo secolo è rafforzata in diversi modi. La title track di Eminem si sente come un marker culturale di un tempo precedente nella produzione cinematografica, e non solo perché Eminem si sente come un artista del millennio. Il singolo da legare è un’arte perduta da tempo, qualcosa di largamente trascurato e dimenticato al di fuori di casi eccezionali come The Greatest Showman o A Star is Born .

Questa scelta colonna sonora richiama l’inclusione di Nickelback nella colonna sonora di Spider-Man o la canzone degli Evanescence  Bring me to life (o anche My Immortal) in Daredevil . Probabilmente potremmo tornare ancora più indietro, al punto che artisti dai grandi nomi potevano persino creare versioni e video musicali sul blockbuster, come Hold Me, Thrill Me, Kiss Me, Kill Me o Kiss from a Rose (on the Grave) in Batman Forever.

Tuttavia, ci sono altri aspetti di Venom che evocano quei precedenti film di supereroi pre- Batman Begins e pre- Iron Man . In particolare, il fatto che le caratteristiche dei personaggi sullo schermo hanno ben poco a che fare con la proprietà intellettuale che ha fornito le basi per il film oltre una somiglianza superficiale e l’uso di poche parole chiave; pensa a film fuorvianti come Catwoman o Steel . C’è molto poco in Venom che ha delle radici solide nell’identità cartacea del personaggio, al di là del suo nome e del fatto che sia un “simbionte”.

Ci sono dei validi motivi, naturalmente. Più ovviamente, la difficoltà nel realizzare un film di Venom senza Spider-Man. Dopotutto, il personaggio di Venom è definito dalla sua relazione con Spider-Man. Spazzolando ogni continuità o storia condivisa, Venom è l’archetipo “doppelganger malvagio” di Spider-Man. Il suo personaggio semplicemente non funziona senza Spider-Man come punto di ispirazione o contrasto. Visivamente parlando, Venom non ha senso al di fuori del contesto di “Cosa succede se fosse Spider-Man, ma oscuro ?”

La prospettiva di un film di Venom senza Spider-Man è intrinsecamente assurda. La cosa potrebbe suggerire che è come fare due film di Joker senza Batman, ma non è del tutto preciso. Nonostante la loro lunga associazione, non c’è nulla del “clown assassino” che richiede “l’uomo vestito da pipistrello” per poter funzionare. Provare a realizzare un film di Venom senza Spider-Man è come provare a realizzare un film su Sabretooth senza Wolverine, un film su Man-Bat senza Batman, un film di Bizarro senza Superman, un film su Abominio senza Hulk. Non ha senso.

Eliminare Spider-Man dalla storia sull’origine di Venom rimuove essenzialmente la colonna vertebrale del personaggio, in un modo che crea un’apprezzabile assenza. Persino il pubblico, senza apprezzare l’associazione di vecchia data tra i due personaggi, potrebbero chiedersi perché gli occhi di Venom assomiglino al Tessiragnatela o perché oscilli in quel modo o perché si arrampichi sui muri. Venom non può possibilmente rispondere a queste domande con qualcosa di più di quanto già non faccia .

Per essere onesti, ci sono aspetti di questo approccio che funzionano abbastanza bene. I moderni film sui supereroi hanno in gran parte abbandonato l’idea del supereroe come metafora personale, l’idea che questi personaggi rappresentino qualcosa di specifico e unico piuttosto che servire come trampolino di lancio per grandi temi sul mondo moderno. Questo forse riflette nel modo in cui i moderni film dei supereroi si sono in gran parte allontanati da archi personali dei personaggi, ma anche nel fatto che i moderni film di supereroi non fanno metafore semplici come “hai provato a non essere un mutante?” con in X-Men II .

Venom gioca ripetutamente con l’idea del suo personaggio centrale come metafora di intensa esperienza personale, di un trauma letterale trasformativo, come sostituto del tipo di evento che cambia la vita e che cambia profondamente una persona. Accade solo che Eddie Brock sia cambiato in un modo più fisico che psicologico. Nei primi dieci minuti del film, Eddie tocca il fondo. Perde il suo lavoro tranquillo e l’amore. Si ritrova in enormi debiti e incapace di lavorare. La sua reputazione è a brandelli e la sua autostima non è molto alta.

Tom Hardy fa un sacco di lavori pesanti qui. La versione a fumetti di Eddie Brock era chiaramente un cattivo e ovviamente mostruoso. Era un brutto giornalista che ha falsificato delle notizie per essere pagato. Venom si allontana da un ritratto così rozzo. Invece, Eddie ha un solo momento di debolezza che finisce per costargli caro. Il film ha un altro personaggio che suggerisce attraverso il dialogo che la caduta di Eddie è il risultato della sua arroganza, ma la sceneggiatura non analizza mai il punto per paura di alienare il pubblico.

Di conseguenza, tocca a Tom Hardy dare al personaggio lo spessore necessario per far credere al pubblico che sta cadendo a pezzi. Hardy ha la meravigliosa miscela di machismo ed empatia che fa il lavoro necessario. Eddie sembra che riesca a tenerlo insieme così com’è. Nella parte iniziale del suo percorso, Eddie sembra radersi raramente e lotta per mantenere il contatto visivo con le persone intorno a lui. Una volta che tutto cade a pezzi, la performance di Hardy ci suggerisce che l’ uomo che stiamo vedendo è ormai perduto.

Questo è il tipo di ampio approccio psicologico pop alla narrazione dei supereroi che è in gran parte assente dai successi contemporanei, forse perché questi film diffidano di virare nell’assurdità del campo. Venom è innegabilmente assurdo nei punti, caratterizzato dal tipo di battute folli che sono state in gran parte filtrate dai moderni film di supereroi auto-seri in favore di un approccio pulito e standardizzato. C’è un momento in cui Venom che ricorda l’eccentricità a lungo perduta di Hulk di Ang Lee , quando il simbionte si nasconde in un adorabile cagnolino per pochi minuti.

Venom funziona meglio quando si appoggia alla ridicolaggine della sua premessa, inclusa la pesante psicologia. In diversi punti, Eddie e Venom conversano tra di loro, come se lottassero per il controllo dello stesso corpo. In un altro punto, Eddie e Venom si incontrano. Verso la fine del film, Eddie sembra rimuginare sul potere che questa trasformazione grottesca gli dà. “Non è del tutto orribile” , ammette, essendosi riconciliato con il mostro dentro di sé.

Ovviamente, il problema è che Venom si spinge sempre più vicino al modello standard del supereroe mentre si avvicina il climax, e quindi cade nei ritmi familiari. Il film non esplora mai completamente la violazione della fiducia tra Eddie e la sua fidanzata, e non lo tiene mai abbastanza sul punto di spiegare cosa è successo. Sebbene altri personaggi suggeriscano che il suo fallimento sia radicato nel suo personaggio, non riesce mai a superare nessuno dei difetti che identificano quando il film si avvicina al suo culmine. In effetti, il film sottolinea quanto sia bello un ragazzo come Eddie; persino da fallito, dà venti dollari a un senzatetto.

Lo stesso vale per la trama stessa, che implica un ovvio riff sui miliardari della Silicon Valley tech come cattivi capitalisti. Riz Ahmed interpreta Carlton Drake, una figura chiaramente ispirata a personaggi come Elon Musk. È ossessionato dai viaggi nello spazio come mezzo di autoconservazione e ha poca preoccupazione per i limiti come la salute e la sicurezza. Il film fa un vago gesto verso la relazione imbarazzante tra queste aziende tecnologiche e la stampa, ma non si impegna mai veramente.

La performance di Ahmed è interessante in gran parte per quanto sia fluida, sembra consapevolmente senza vita. Ahmed interpreta un Drake in contrasto con Hardy nei panni di Brock. Hardy fa costantemente le cose, mentre Drake sembra singolarmente disinteressato, come un robot pre-programmato senza alcun interesse per tutto ciò che accade intorno a lui al di fuori della curiosità accademica e un amore costante per il suono della sua stessa voce. Drake lavora discutibilmente nei dettagli più fini piuttosto che nel quadro generale; le sue scarpe da ginnastica alla moda sono l’aspetto più ironicamente distintivo del suo personaggio.

Ahmed interpreta Drake come un personaggio che manca completamente di autocoscienza. Loda un bambino per aver fatto domande prima di chiudere un’intervista. Si posiziona come Dio in una rivisitazione della storia di Abramo e Isacco, in cui cerca di argomentare che Isaaco è il vero eroe nonostante la sua totale mancanza di azione. Ahmed interpreta Drake come il tipo di figura che è abituato a battere le persone alla fine delle sue frasi, e quindi non sente più il bisogno di fare uno sforzo. Non è una performance o un personaggio particolarmente memorabile, ma è un approccio decente.

Ancora una volta, il film cade nel terrificante quando si raggiunge il culmine, richiedendo a Drake di ricoprire il ruolo di antagonista minaccioso principale di Eddie Brock. Ciò richiede di abbandonare molto rapidamente una quantità enorme di trama e di oscurare tutta una serie di motivazioni. Venom è il tipo di film in cui un miliardario tecnologico può decidere di lanciarsi nello spazio con letteralmente cinque minuti di preavviso.

Venom si disintegra nel suo climax pieno d’azione, il che è un peccato. C’era del materiale interessante nei primi due terzi, anche se faticava a coesistere anche prima che tutto crollasse in se stesso.

Morto Norm Breyfogle (1960 – 2018)

L’artista Norman Breyfogle è scomparso all’età di 58 anni. La notizia della scomparsa di Breyfogle è stata annunciata prima sul profilo Facebook del suo amico Daniel Best e successivamente confermata dalle pompe funebri , anche se non sono ancora state rese note le cause del decesso.

Breyfogle è stato ampiamente considerato tra gli artisti più influenti per il personaggio di Batman, principalmente per la sua carriera come disegnatore in Detective Comics insieme allo scrittore Alan Grant, così come i successivi lavori su Batman e Batman: Shadow of the Bat durante i quali Breyfogle ha co-creato personaggi come il Ventriloquo, Ratcatcher, Zsasz e Jeremiah Arkham.

Breyfogle ha anche co-creato il personaggio Prime per Malibu Comics. Ha continuato a lavorare per la DC Comics fino al 2013, con il suo ultimo lavoro in Batman Beyond Unlimited .

MARVEL LEGACY TUTTE LE VARIANT COVER -ESCLUSIVE FUMETTERIA-

Ricordiamo a tutti abbonati che hanno aderito alla promozione Marvel Legacy, che le sette cover variant esclusive per il canale della fumetteria potranno essere sempre ordinate unicamente contattandoci.

 

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FANTASTICI QUATTRO 381 VARIANT

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THOR 228 VARIANT

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Wolverine di Chris Claremont e Frank Miller – Recensione

È quasi difficile credere che Wolverine abbia avuto la sua prima miniserie solo nel 1982. Il personaggio era apparso per la prima volta in The Incredible Hulk nel 1974, ed era stato cooptato negli X-Men con The Giant X-Men # 1 di Len Wein un anno dopo. Durante la celebre run su Uncanny X-Men di Chris Claremont , Wolverine è diventato un personaggio molto popolare. In effetti, penso si possa sostenere l’argomento secondo cui Wolverine e Storm erano i protagonisti principali dell’epica corsa degli X-Men di Claremont . Eppure, dato quanto è diventato onnipresente il personaggio negli ultimi anni, è impressionante che ci sia voluto così tanto tempo  per ottenere un’avventura da solista. La miniserie Wolverine in quattro parti, scritta da Chris Claremont e illustrata da Frank Miller, è generalmente considerata una delle migliori miniserie che la Marvel abbia mai prodotto, e penso che abbia fornito molto dello slancio e della caratterizzazione che avrebbero sostenuto il personaggio in oltre tre decenni di apparizioni.

Ho notato che nei suoi esordi Wolverine non è il più complesso dei personaggi dei fumetti. Tendo a pensare che, di regola, il personaggio sia ben più utile come parte di un dinamico gruppo, dove può definirsi in opposizione agli altri membri. Penso che gran parte del suo fascino in Uncanny X-Men fosse il fatto che fosse il membro più feroce della squadra, il “ragazzaccio” . Mentre sarei molto riluttante a descrivere il Wolverine di Chris Claremont come un ” anti-eroe “ , ha avuto una caratterizzazione più cattiva, qualcosa che mancava dalla maggior parte dei fumetti in quel momento.

In molti modi, ricordava molto i personaggi di Clint Eastwood, l’icona macho fatta e pronta, pronta per tutto ciò che il mondo poteva lanciargli.  È un personaggio di genere abbastanza convenzionale, e penso che il suo fascino derivi da quanto attentamente Claremont lo abbia definito all’interno di quello stampo. Non penso che sia eccezionalmente profondo o complesso, e direi che lo stesso Claremont lo ammetterebbe.

In effetti, Claremont sembra farlo nell’introduzione alla raccolta della miniserie di quattro numeri. “Per la maggior parte, vedi,” spiega candidamente Claremont, “Wolvie era stato descritto come uno psicopatico assassino, come della nitroglicerina umana, pronto a esplodere in una furia beserker senza preavviso, e probabilmente attaccherebbe anche i suoi amici e compagni di squadra come i suoi nemici . Il problema è che non ti lascia, come scrittore, molti posti in cui andare. “ Quindi, è merito di Miller e Claremont che sono stati in grado di riposizionarlo con abilità nel genere “eroe”, trasformando quella superficialità ed esplorando le insicurezze di Wolverine sull’essere “una bestia vestita in forma umana che non ha onore”.

Vale la pena riconoscere la connessione tra Frank Miller e Chris Claremont. Leggendo una buona parte dell’epopea di Claremont, mi colpisce quanto profondamente riconoscente debba essere la cultura fumettistica a Claremont. Penso che lo scrittore abbia avuto un impatto enorme sul modo in cui gli scrittori producono storie a lungo termine, anche se non ha influenzato fondamentalmente nello stesso modo in cui lo hanno fatto Alan Moore o Frank Miller. Tuttavia, non penso che Claremont sia stato abbastanza riconosciuto per il contributo che ha dato al genere, riconoscendo le opere che sarebbero diventate influenti e iconiche e incorporandole nelle sue narrazioni attuali.

Quindi è possibile rilevare una sinergia tra Miller e Claremont, e le due si adattano abbastanza bene. Questa miniserie di Wolverine si lega immediatamente a diversi fili della celebre storia di Daredevil di Frank Miller , che si è svolta all’incirca nello stesso periodo. Nelle pagine iniziali, Wolverine trova la sua strada per un “Josie’s Bar ‘n’ Grill”, che condivide un nome con il frequentatore notturno che Daredevil frequentava. La trama presenta ampiamente la Mano e li legherebbe alla continuità personale di Wolverine in modo abbastanza saldo, oltre a stabilirli come uno dei molti elementi dell’universo Marvel condiviso che Claremont attingerebbe di volta in volta.

Tuttavia,la svolta più duratura che la serie fà sul personaggio di Wolverine, e probabilmente l’unica connessione più intelligente che abbiamo per quanto riguarda il suo personaggio, sta nell’intrecciare Wolverine nella cultura giapponese. “Logan, sei più giapponese di qualsiasi altro occidentale che abbia mai conosciuto” , suggerisce il suo vecchio amico, Asano Kimura. In realtà è una bella metafora, in quanto Claremont interpreta il personaggio centrale che lotta con i suoi istinti di guerriero e il suo tentativo di essere qualcosa di più.

Il Giappone ha avuto una lunga storia militare. A partire dal 1982, il paese era stato recentemente coinvolto nella seconda guerra mondiale. Ha gestito un’impressionante espansione coloniale durante quel conflitto, ma ha anche attinto una ricca storia militare. Questa era una nazione famosa nella cultura popolare per samurai e ninjitsu, nota per la produzione di guerrieri di ogni tipo. Tuttavia, quella cultura era stata drammaticamente cambiata dopo la seconda guerra mondiale. L’esercito era stato sostituito dalla “Forza di autodifesa del Giappone”. Nel momento in cui questo fumetto è stato pubblicato, il paese aveva ancora un forte sentimento antimilitarista.

Claremont allude a questo fondamentale conflitto interno all’interno del personaggio giapponese. “La nostra famiglia è vecchia quanto quella dell’Imperatore, con una pretesa legittima al trono”, dice il padre di Mariko a Wolverine a un certo punto, riflettendo sui vecchi modi e tradizioni. Tuttavia, deve riportarsi al presente, la realpolitick della situazione. “Ma lo dimentico. Viviamo in un’epoca in cui tali precetti sono diventati effimeri come la rugiada del mattino. “

Indipendentemente da quanto possa cercare di essere pacifico, “la terra del Sol Levante” sarà sempre associata a guerrieri senza tempo come i ninja ei samurai. Questi archetipi eterni e iconici aderiscono ai loro sacri codici d’onore interni, mascherando la ferocia del combattimento e dell’omicidio con la struttura civilizzata di antichi giuramenti e codici. Wolverine riflette su una messa in scena dei 47 Samurai, riflettendo, “È una storia d’onore, di lealtà, della determinazione dei samurai di vedere un corso fino alla sua fine, indipendentemente dal costo. Rappresenta tutte le qualità che i giapponesi amano di più nel loro carattere e patrimonio nazionale “.

I lettori americani indubbiamente assocerebbero Wolverine all’archetipo del cowboy solitario. Leggendo la sua narrazione scritta da Claremont, non è troppo difficile immaginare un giovane Clint Eastwood interpretare il ruolo e interpretarlo come “l’uomo senza nome”. Naturalmente, molti di quegli iconici western sono stati loro stessi fortemente influenzati da classici film di samurai. The Magnificent Seven era The Seven Samurai . Un pugno di dollari era Yojimbo .

È anche interessante il modo in cui Claremont e Miller riescono a sfruttare l’essenza del personaggio senza ricorrere a un gran numero di cliché e senza riprendere particolarmente le vecchie storie pubblicate prima. Mentre la storia fa ricorso al collaudato “vecchio passato dalla storia personale di Wolverine” per far movimentare la storia, c’è una minima dose di angoscia su quanto poco Wolverine potrebbe sapere del suo passato. Mentre Claremont e Miller intrecciano il Giappone nella storia del personaggio, non giocano sul mistero della sua origine come faranno molti scrittori e artisti in futuro.

Vale anche la pena notare che questa storia è stata scritta quando Wolverine era un personaggio mortale, piuttosto che quando il suo fattore di guarigione rendeva il personaggio praticamente immortale. In questi giorni, ci vuole una minaccia come la fine del mondo per dare  del filo da torcere al mutante canadese, dato quanto radicalmente il suo potere di rigenerazione si è evoluto. Qui, tuttavia, Miller e Claremont creano invece una grande quantità di tensione da una minaccia relativamente banale e di strada. Questo è un Wolverine che può ancora essere ucciso da normalissimi ninja.

Questo è un personaggio che si trova nel mezzo del proprio arco narrativo. Wolverine si stava ancora evolvendo sotto la penna di Claremont, e lo scrittore sembra abbracciare l’idea che Wolverine potesse diventare un personaggio molto diverso da quello che è apparso per la prima volta in The Incredible Hulk tanti anni fa. Wolverine sembra sostenere questa sorta di approccio audace e in continua evoluzione alla scrittura di fumetti, poiché Claremont sembra condannare i tentativi pigri di aderire allo status quo.

C’è qualcosa di tragico nel personaggio che la coppia dà a Wolverine, come un personaggio che lotta per essere più di quanto non sia stato in passato. C’è qualcosa di stranamente nobile nei tentativi di Wolverine di migliorarsi, soprattutto in considerazione del suo sordido passato. Sta cercando sinceramente di essere un uomo migliore, il che penso scatena un bellissimo conflitto interno, visto che Miller e Claremont costringono il personaggio a scegliere tra due straordinarie donne giapponesi: Mariko, che parla della sua natura migliore; e Yukio, che fa appello ai suoi istinti più basici.

Wolverine è ancora una lettura meravigliosa anche trent’anni dopo la sua prima pubblicazione. Sebbene non sia il miglior lavoro che sia Claremont o Miller abbia mai prodotto, è caratterizzato da due creatori molto abili che lavorano a qualcosa che si avvicina al meglio del loro lavoro. È una storia semplice, libera dal tipo di convoluzioni narrative che molti si aspettano da una storia di Wolverine , ma penso che sia ancora una lettura fantastica, forse proprio per questa semplicità. Si adatta al suo personaggio principale, tracciando tragedia dalle storie più dirette.

Deadpool 2 – La Recensione

Come il primo film, Deadpool 2 è un film che si basa sulla decostruzione e la commedia. Almeno, non principalmente.

Deadpool 2 è efficace sul punto narrativo supereroistico e lo sviluppa in maniera molto semplice e diretta con un pizzico di violenza ma anche di consapevolezza. Senza dimenticare le risate. E alcune battute sono davvero grandiose. Ci sono anche occasionalmente momenti in cui Deadpool 2 prenderà in prestito appositamente alcune scene o personaggi da altri film. Tuttavia, queste sono l’eccezione piuttosto che la regola. E non è un caso che questo set-up porti alla più grande risata del film.

Non c’è mai la sensazione che Deadpool 2 esista come decostruzione o critica dei film sui supereroi, che abbia qualcosa di particolarmente perspicace da dire sul genere oltre ad accettare che il pubblico moderno sia alfabetizzato dal genere.

Per essere chiari, questo non è un problema con Deadpool 2 . In effetti, la cosa più straordinaria di Deadpool 2, in particolare nell’era del franchising sui supereroi, è la relativa efficienza con cui racconta una storia semplice. Per tutte le battute sui genitali e tutti i riferimenti alla cultura pop che affollano la narrativa, in Deadpool 2 c’è un’emozione più genuina di quella di Avengers: Infinity War . I personaggi sono meglio definiti, i loro archi e le motivazioni più chiare. C’è una serietà accattivante e contagiosa sotto le battute del cazzo.

Ovviamente, questo non vuol dire che non ci siano citazioni in abbondanza e molti riferimenti nascosti. Se mai, Deadpool 2 è più esoterico nei suoi obiettivi rispetto a quello originale. Mentre si lamenta dell’assurdità dell’idea di “fortuna” come superpotere, Deadpool si chiede chi possa inventare un concetto così ridicolo (prestandosi alla “scrittura pigra” ), lamentandosi, “Probabilmente non sa nemmeno disegnare i piedi”. È un cliché nella critica dei fumetti per sottolineare le debolezze anatomiche di Liefeld, ma è qualcosa da vedere in un successone su questa scala.

Allo stesso modo, non si può negare la stranezza di un film a fumetti che trasforma un personaggio di serie Z apparso su Uncanny X-Men in cattivo stile “Black Tom Cassidy” in una battuta finale ricorrente con particolare attenzione alle relazioni a fumetti del personaggio di lunga data. Deadpool 2 è chiaramente il prodotto di persone che hanno effettivamente letto fumetti o almeno sono scomparsi nel buco nero del tempo che è il commento su internet. Incontrando un personaggio di fumetti particolarmente iconico, Deadpool ha persino casualmente elencato le sue apparizioni nei fumetti.

Oltre a ciò, Deadpool 2 non perde mai di vista se stesso come un sequel degli X-Men , non solo in continuità, ma in tono. Per un film che introduce gli X-Men come ” una metafora datata per i diritti civili degli anni sessanta “, c’è qualcosa che conferma quanto tranquillamente Deadpool 2 porti la sua coscienza LGBTQ nei suoi temi. C’è un modo semplice con cui Deadpool 2 accetta il suo sottotesto queer, dai riferimenti casuali a uno “strap-on” alla facilità con cui Wade accetta la fidanzata di Teenage Negasonic Warhead.

Esiste una misura specifica in base alla quale Deadpool 2 è effettivamente “il miglior film degli X-Men” da X-Men: First Class o anche X-Men II , senza essere effettivamente buono come Logan . Questo è più ovvio per il modo in cui la trama si trova a svolgersi attorno alla ” Essex Home for Mutant Rehabilitation “, sia un altro occhiolino all’ allusione all’uso della terapia di conversione negli Stati Uniti. (In effetti, uno dei più piccoli colpi bassi di Deadpool 2 prefigura questa rivelazione con Deadpool che riflette su come il resto del mondo non hanno un senso di religione come gli Stati Uniti).

È anche chiaro che il team di produzione ha letto i fumetti di Deadpool, sfruttando trame e opere come Uncanny X-Force di Rick Remender o Deadpool di Gerry Duggan .

Anche i dettagli più piccoli suggeriscono influenze a quattro colori. Quando Deadpool mette insieme il suo contrappunto “lungimirante, progressivo” (e anche “un po’ derivato” ) agli X-Men, il team di produzione fa attenzione ad annuire furbescamente a varie iterazioni del team nei fumetti X-Force . Tuttavia, la sequenza si ripaga confermando che il team di produzione ha almeno letto Peter Milligan e la spettacolare corsa di X-Force e X-Statix ​​di Mike Allred , che rimane uno dei migliori (e più trascurati) fumetti X-Men mai pubblicati.

Allo stesso modo, anche i fan occasionali del franchise cinematografico degli X-Men possono notare i vari riferimenti e omaggi al franchise del film, con la trama che spesso si sente come un tributo molto diretto agli X-Men rispetto al fascino gonzo del lavoro di Noah Hawley in Legion . La scelta di Cable come personaggio di supporto evoca ovviamente la trama di base di X-Men: Days of Future Past , sebbene consapevolmente e deliberatamente su una scala più piccola e intima. Una sequenza di dighe legate alla neve richiama X-Men II . Lo stesso Deadpool stuzzica le somiglianze con il complotto di Logan .

Nessuno di questi elementi è abbastanza forte nel mix per sopraffare Deadpool , non permettendo mai che il film si perda nei riferimenti. Per essere onesti, le battute del film cadono di tanto in tanto nella trappola di puntare a pezzi familiari della cultura pop come uno scherzo di se stessi, piuttosto che come impostazione di uno scherzo. Deadpool si riferisce inevitabilmente a Josh Brolin come “Thanos” , o si lamenta che parte della X-Mansion “odori come Patrick Stewart”.Tuttavia, sono citazioni piuttosto che il punto focale dell’attenzione.

Tuttavia, Deadpool 2 funziona meglio come un film d’azione semplice con una trama relativamente lineare e motivazioni coerenti. Il regista David Leitch è un fantastico coreografo d’azione, con uno stile relativamente pulito e ordinato che funziona bene. In effetti, i migliori beat di Deadpool 2 sembrano sequenze di azione senza sforzo,  che dimostrano l’abilità di Leitch senza distrarre dal resto del film; mi viene in mente una furba sequenza all’inizio del film, dove persino Deadpool si complimenta della carneficina coreografata. ” Woah. Quel ragazzo è in fiamme! 

Sebbene sia pieno di superpoteri e riferimenti ai film a fumetti, Deadpool 2 è molto più vicino a quei vecchi film d’azione degli anni Ottanta che a qualcosa come Black Panther . Questo è evidente nel modo in cui Leitch sceglie di visualizzare i superpoteri guidati dalla fortuna di Domino, nonostante le proteste di Wade che “certamente non è molto cinematografico.” Leitch sembra immaginare la manipolazione della fortuna di Domino pari alla capacità di invocare la fisica del film d’azione.

La trama e gli archi di Deadpool 2 hanno pochissime sorprese, forniscono invece un quadro per un’esecuzione sicura e pulita. La posta in gioco è relativamente piccola, specialmente per ciò che è inquadrato come una storia del viaggio nel tempo. Wade fa riferimento a Cable come “John Connor” , ma il film evita consapevolmente molte conseguenza del caso. Cable non sta cercando di salvare metà dell’universo, ma intraprende invece una missione molto personale. Allo stesso modo, le motivazioni di Wade non sono di cambiare il mondo o influenzare un profondo cambiamento nella coscienza sociale, ma di salvare una singola vita.

Questo è rinfrescante, sia nel contesto di un grande sequel di successo che di film sui supereroi. Nell’era degli universi condivisi e dei sequel, sembra che la qualifica minima per rivendicare il titolo di “supereroe” sia salvare una piccola città, probabilmente distruggendone la maggior parte nel processo.

C’è qualcosa di pragmatico e accattivante in questo. Semmai Infinity War ha dimostrato i limiti dei film sui supereroi, dimostrando che la carneficina sulla scala planetaria è limitata. Il merito di  Deadpool 2 è che non perde mai di vista le parti più intime. Anche un personaggio secondario come Domino ha il suo arco relativamente perfetto che ripaga in un modo che ha senso.

In effetti, i beat emotivi di Deadpool 2 sono quasi sinceri,  fatti per far funzionare la storia. In effetti, l’umorismo in Deadpool 2 sembra esistere in gran parte per controbilanciare questa serietà, per mantenere il film equilibrato e per impedirgli di ribaltarsi e diventare troppo ovvio o troppo melodrammatico. L’umorismo punge la sua sincerità quanto basta , sgonfiando gli elementi più veloci del film senza mai nascondere il suo cuore. Deadpool 2 mantiene un delicato equilibrio. Questo è forse più ovvio nella trama centrale del film, che si concentra su un giovane mutante di nome Russell, interpretato da Julian Dennison e che aspira a diventare cattivo col nome in codice “Fire Fist”.Quando Wade chiede perché Russell sarebbe tentato dal diventare un supervillain, risponde ironicamente, “Non vedi molti supereroi come me.”

Tuttavia, il sarcasmo esiste per aiutare a forare le parti più serie del film sui traumi, rabbia e cicli di violenza. Deadpool 2 è piuttosto esplicito su dove viene la rabbia di Russell, e su ciò che è necessario per aiutarlo a togliersi dalle ferite che gli sono state inflitte. Sulla carta, questo arco è quasi scadente, una raccolta di motivazioni e allestimenti di personaggi originali ma funzionano sullo schermo.

Tuttavia, Deadpool 2 trova un’umanità sorprendente in queste idee molto sane, distraendoci con umorismo delicato e autocoscienza.

 

The Killing Joke – Recensione

Essendo comprensibilmente un fumetto abbastanza controverso (lo stesso Alan Moore secondo quanto riferito ebbe pochissimo tempo per scriverlo), The Killing Joke rimane il fumetto perfettp per esaminare la dinamica tra Batman e il Joker. Essendo una storia principalmente basata sul Pagliaccio, ne rivela anche un po’ la logica distorta del personaggio, fornendo una motivazione quasi logica alle sue innumerevoli azioni malvagie.  Presenta anche alcune delle migliori opere fumettistiche che è possibile vedere su un fumetto di Batman.

Cominciamo parlando della vittima sacrificale. C’è un nome tecnico per il modo in cui questo fumetto tratta il personaggio di Barbara Gordon (figlia del commissario Gordon). È conosciuto come “donne nei frigoriferi” . Prende il nome dalla tendenza alquanto inquietante nei fumetti di trattare le donne come oggetti usa e getta che sono semplicemente importanti a causa del loro attaccamento a una figura maschile – figure che devono essere violate per dare agli eroi motivazioni per essere eroici o per dimostrare come possono essere più cattivi dei cattivi stessi. Il termine nasce da un numero di Lanterna verde in cui egli stesso trova la sua ragazza morta nel frigo per colpa di un nemico minore. Il suddetto nemico minore avrebbe in futuro tentato di uccidere la madre dell’eroe gettandola in un forno (non scherzo).

Qui il Joker paralizza Barbara Gordon e la fotografa nuda nel tentativo di avvicinare il padre per dimostrare la sua tesi. Barbara o Gordon non hanno un reale scopo, se non far partire un flashback. È piuttosto brutto vedere un tale cliché banale per un killer che vuole elevare l’omicidio in arte.

Mentre a Moore viene talvolta attribuito erroneamente il merito di aver definito il moderno Joker (come a Frank Miller viene talvolta erroneamente attribuito il merito di aver definito il moderno Batman), il personaggio è tornato alle sue radici come un pericoloso sociopatico come lo era stato circa dieci anni prima durante le run di O’Neill (come The Joker’s Five-Way Revenge ). Tuttavia, Moore definisce almeno questa incarnazione del personaggio. È difficile dire quale sia stata la cosa peggiore che il personaggio abbia mai fatto (ha fatto così tante cose), ma paralizzare Barbara “per dimostrare una Tesi”è dannatamente agghiacciante. Il fatto che regga un bicchiere di vino e sorrida lo rende ancora più inquietante.

Moore dà al personaggio un’origine – una decisione un po’ più controversa ripresa nel film The Dark Knight (ironico, dato che il film rimanda al passato della “multipla origine” ). Nella postfazione, Brian Bolland mette persino in discussione questa decisione e lo storpio di Barbara Gordon. Sia che apprezziate il tentativo di Moore di aggiungere pathos al Joker o credete che il cattivo sia nato da una natura inspiegabile, non si può negare che la storia abbia avuto molta influenza – a rischio di essere laici – perché è ben scritto e costruito con intelligenza. Anche coloro che non hanno mai preso in mano un fumetto hanno familiarità con l’origine, dato che ha costituito la base della genesi del personaggio in Batman di Burton. La scena mostrata sopra è piuttosto iconica e ritengo che la maggior parte delle persone che hanno familiarità con il personaggio l’abbiano già vista prima (anche se solo nelle ricerche su Google), così pervasiva è l’immagine del fumetto. I segugi delle curiosità noteranno che Moore sta effettivamente aggiornando l’origine del personaggio come è stato originariamente presentato nel 1951 ( The Man Behind The Red Hood ).

Ovviamente, Moore è troppo intelligente per dare a un personaggio iconico come il Joker un’origine semplice senza un sottotesto. Qui suggerisce (quasi fugacemente) che il personaggio stesso è eretidario – a volte come una setta, un concetto seguito da molti. È un concetto che Grant Morrison avrebbe probabilmente raccolto e sviluppato ulteriormente in Arkham Asylum . Così riesce ad averlo in ogni modo: conosci l’origine del personaggio e alla fine non sai nulla dell’origine del personaggio. Tutto allo stesso tempo.

Tuttavia, la cosa più interessante è che Moore va in qualche modo cercando di spiegare la nascita criminale del Joker. La sua spiegazione non è così complicata o new-age come quella proposta da Morrison. Invece, Moore aggiunge al personaggio una logica follia – sia letteralmente (Batman era lì alla sua creazione e sospetta che sarà lì alla morte del Joker – una profezia realizzata da Frank Miller, The Dark Knight Returns) e metaforicamente. Il Joker è tanto un prodotto della tragedia criminale quanto lo era Batman e cerca di dare un senso a ciò che gli è successo, come fa Batman. Ma, mentre Batman tiene dentro il dolore e lotta per tenere insieme la città come ha fatto con se stesso, il Joker cerca di giustificare la sua follia con una logica contorta. Una brutta giornata è tutto ciò che separa chiunque dalla pazzia, nella sua teoria. Nel suo mondo tutti sono contorti come lui, semplicemente non lo sanno.

Se questo suona familiare, è perché è alla base della filosofia del personaggio nel film The Dark Knight. C’è una voce ricorrente che afferma che Ledger ha letto il fumetto per aiutarlo a entrare nel personaggio, e sembra logico. I temi qui presentati si basano fortemente sull’adattamento del grande schermo (che ha preso in prestito in modo astuto elementi da una buona mezza dozzina di trame diverse).

Batman è in gran parte assente dalla storia, ma Moore gli offre un solido monologo di apertura che esamina la relazione tra i due nemici. Qui Moore afferma esplicitamente un’assunzione che è sempre più alla ribalta quando le azioni del pagliaccio sono diventate sempre più violente: prima o poi, uno di loro dovrà uccidere l’altro (ancora, questo tema verrà sfruttato da Frank Miller in Il ritorno del cavaliere oscuro). Moore non dipinge la dinamica tra i due come esplicitamente o implicitamente sessuale (come Kevin Smith, Grant Morrison e Frank Miller hanno fatto), ma invece come due anime perse costrette da altri (anche se rimangono incomprensibili per tutti) e uniti dalla follia e dalla tragedia. Il Joker deduce correttamente che Batman è vittima di una tragedia, ma – proprio come il suo passato – non può decidere quale.

 

Proprio come Watchmen (l’inevitabile confronto con qualsiasi opera di Alan Moore), il fumetto sottolinea la sua pazzia aderendo rigidamente a una struttura lineare della scena. Le scene sono attentamente coreografate e disposte in quadrati e rettangoli, con piccole variazioni di dimensioni. Non c’è alcun senso di mescolanza e confusione e certamente nessuna pagina iniziale. Moore affermerebbe che l’adozione di una struttura così rigida e standard è stata una scelta di design in Watchmen progettata per ricordare con fermezza al lettore che stanno leggendo un fumetto e in contrasto con i contenuti più sperimentali del fumetto, e trovo difficile credere che sia una coincidenza che ritroviamo qui lo stesso layout.

 

 

L’opera di Brian Bolland è stupefacente. Davvero. Potrebbe essere il miglior lavoro che ho visto su una storia di Batman. Il dettaglio è incredibile – non è difficile capire perché Bolland non è stato in grado di colorare il lavoro la prima volta. Questo non vuol dire che la colorazione originale dell’ultimo minuto fosse brutta. In realtà era abbastanza buona, ma Bolland era insoddisfatto del risultato. Quindi la nuova Deluxe Edition è stata ricolorata da Bolland ed è sorprendente. La maggior parte dei cambiamenti è sottile (la ricolorazione delle sequenze di flashback è bronzea, con solo un accenno di colore qua o là, o il riaccendersi del climax, o la rimozione dell’ovale giallo di Batman). Se riesci a ritirare l’edizione Deluxe, fallo. Il colore è stupefacente ed è davvero tra le migliori del lavoro mai realizzato.

È una storia ben raccontata con un disegno eccellente. Vorrei poter dire che Moore scrive Batman così come scrive Superman (come dimostra  Cosa accadde all’uomo del domani?), ma non lo fa. La trama è una storia sulle origini piuttosto semplice, ma analizzata attraverso il filtro unico di Moore. Sono quei piccoli tocchi di semplicità, così come uno sguardo abbastanza perspicace sulla psicologia del Joker, che rende questo fumetto degno di essere comprato, nel bene e nel male. Lo stesso Moore non è molto contento di come è uscito questo fumetto e, anche se ha ragione e non combacia con le storie più forti del grande pantheon del suo lavoro, ma non ha nulla di cui preoccuparsi. È una bella trama che fa molte domande sulla più interessante relazione eroe-cattivo nei fumetti.

Batman – Endgame di Scott Snyder e Greg Capullo (Recensione)

Scott Snyder e Greg Capullo presentano Batman in uno stato costante di apocalisse.

Il duo ha riportato Batman ad essere nuovamente un fumetto di successo, al punto che sembra che Batman fissi la fine di tutte le saghe più spesso del resto dei supereroi (soprattutto sulla Justice League di Geoff Johns) Tutte le storie principali di Snyder e Capullo hanno collocato Gotham City sull’orlo dell’abisso, barcollando (e persino cadendo) nell’oscurità. È in netto contrasto con le minacce create da Snyder su The Black Mirror , un’affettività molto consapevole per riflettere il fatto che Batman è uno dei titoli di maggior successo del settore dei fumetti.

Riportando le risate ...

In The Court of Owls , Gotham si trova sottoposto a una lunga notte di terrore da un esercito di non morti assassini. In Death of the Family , il Joker si fa strada attraverso la città. Nell’Anno Zero, l’origine di Batman è legata a un disastro su vasta scala in stile No Man’s Land . Anche al di fuori del suo lavoro sul titolo principale, il ruolo di Snyder come “produttore esecutivo” di Batman Eternal vide l’ennesima apocalisse su Gotham in un tempo relativamente breve. Diventa estenuante dopo un po’.

Per essere onesti, è ragionevole chiedersi se questo è solo parte di un contesto culturale più ampio. La cultura pop è sempre stata affascinata dalla fine del mondo, ma sembra sempre più fissata sul concetto negli ultimi anni. La popolarità del genere zombie è solo un esempio, ma qualsiasi lista di arte critica e commercialmente vincente nel ventunesimo secolo affronterà il lettore con molteplici fini di tutte le cose. The Walking Dead , The Road , Mad Max: Fury Road , Jericho , Revolution , Book of Eli , e così via.

"Hm. Forse dovremmo prendere in considerazione la consulenza ...?"

Tuttavia, la cultura popolare non è solo affascinata dall’orrore post -apocalittico. Sempre più spesso, i media si impegnano con la domanda su come sarà la fine del mondo, piuttosto che sulla questione di come potremmo sopravvivere. Fear the Walking Dead descrive la fine del mondo che ha portato alla sua serie principale. Chris Carter ha rianimato X-Files in modo che l’episodio finale potesse raffigurare la fine del mondo come prefigurata durante le originali nove stagioni. Con i progressi della CGI, blockbuster come The Avengers e Man of Steel possono rendere la distruzione su una scala impossibile.

Come tale, Scott Snyder e il fascino ricorrente di Greg Capullo per la fine di tutte le cose esiste come parte di un più ampio contesto culturale. Tuttavia, lo scrittore e l’artista sembrano posizionare Endgame come l’apocalisse definitiva per i suoi due personaggi centrali.

Bruciare la casa ...

Endgame parla molto della fine di Batman. Non la morte, necessaria, ma il punto in cui Batman finisce. Scott Snyder lo chiarisce in molti modi diversi, basandosi sul suo uso del simbolismo e delle immagini per rafforzare il tema nel corso dell’arco di sei numeri.

Bruce si trova di fronte alla sua fine più e più volte. I particolari non sono importanti. Tutto ciò che conta è che arriverà un punto in cui Bruce Wayne morirà. (Anche se sembra inevitabile che Batman sopravviva).

Gordon ha un'ascia per macinare ...

Questa è la tesi centrale di Endgame , come delineato nelle pagine finali. Come con molti lavori di Snyder sul personaggio, Endgame gioca con temi che Grant Morrison ha esplorato durante il suo lungo periodo di otto anni sul titolo. Mentre Morrison insisteva nel dire che Batman (e Bruce Wayne) sarebbero vissuti per sempre, tornando inevitabilmente al punto in cui aveva iniziato come parte di un più ampio ciclo mitico, Snyder rifiuta questa lettura di Batman. Mentre Snyder enfatizza l’iconografia e le immagini associate a Batman, sottolinea che Bruce è solo un uomo.

Inoltre, la mortalità di Bruce fa parte dell’appello di Snyder. Nel monologo  conclusivo della storia, Alfred riflette: “Batman potrebbe vivere per sempre. Poteva scappare. Ma lui no. Muore, proprio come tutti noi, anche se non è necessario. “ Secondo Snyder, questo è ciò che rende Bruce così avvincente e così unico. Bruce vive in un mondo con alieni e maghi.

La tensione è attraverso il tetto ...

La sceneggiatura di Snyder al numero finale lo rende ancora più esplicito. Delineando il suo piano per l’ultima pagina, Snyder suggerisce che in origine Bruce avrebbe scritto una nota a Julia spiegandole il tema della storia:

Oltre a questo, narrerò le ultime parole di Batman a Julia dalla caverna. Lui le dirà di no. Aveva molte opportunità di prendere alcune cose che lo avrebbero reso immortale. O renderlo più di un uomo. E lo ha quasi fatto un paio di volte. Ma il fatto è che sapeva sempre, in fondo, che ciò che rendeva speciale Batman era che lui era uno di noi.

Ciò fornisce forse il contrasto centrale tra Batman e il Joker in Endgame . Ci sono diversi modi in cui Batman e il Joker possono essere confrontati e contrastati, ma Endgame posiziona l’accettazione di Bruce Wayne della sua mortalità con l’ostinata insistenza del Joker sulla sua trascendenza. Endgame trova il Joker presentarsi come una forza mitica, come qualcosa di più di un super criminale psicotico. Il Joker cerca di trasformarsi in qualcosa di più di un semplice uomo.

In molti modi, i tentativi del Joker di costruire una mitologia intorno a sé forniscono uno specchio nitido ai tentativi di fare qualcosa di simile con Batman, in particolare in The Return of Bruce Wayne di Grant Morrison . Mentre Morrison (riprendendo un precedente lavoro di Peter Milligan) ha suggerito che il Batman era una forza primitiva che perseguitava Gotham molto prima dell’omicidio di Thomas e Martha Wayne, il Joker cospira a gettarsi come una forza equivalente. Il Joker si reinventa come “l’uomo pallido” o “l’uomo dionisiaco di Gotham”.

                                                   Gotham è a pezzi ...

Questi tentativi di costruire una mitologia sono seminati nel corso della storia principale, con il Joker che appare in vecchie fotografie e suggerisce una lunga associazione con Gotham risalente ai coloni europei e ai Miagani . Sono rinforzati attraverso le storie di back-up scritte da James Tynion IV, in cui viene esplorato il dono del Joker per la reinvenzione. Mahreen Zaheer ascolta le storie alternative del Joker, raccontate da cinque detenuti di Arkham, scoprendo contrazioni e impossibilità mentre il Joker cerca di “modellare la sua storia”.

Il Joker tenta di costruire la sua storia soprannaturale in queste storie di supporto. Forse la più memorabile di queste storie riguarda un clown viaggiante assassinato dai cittadini all’inizio della storia della città. Il pagliaccio è stato bruciato vivo e la città ha coperto i suoi crimini nel modo in cui le città tendono a coprire i loro crimini nel folklore. Hanno anche “venduto la terra a qualche compagnia chimica” , suggerendo che il Joker potrebbe avere un legame metafisico più profondo con la Ace Chemical, un luogo con le sue stesse associazioni mitiche. Bruce identifica è come il luogo “dove tutto ha avuto inizio”.

                                                        Uomo o mostro ...

Questo ritratto del Joker con una storia posteriore malleabile non è una novità, anche se Endgame suggerisce una storia molto più ampia ed epica della maggior parte delle potenziali origini del Principe del crimine. Snyder e Capullo sono piuttosto provocatori, con  Endgame che si impegna pesantemente all’idea di una forza primordiale e mitica prima di ritirarsi nel numero finale della storia. Come in molti casi, Snyder e Capullo hanno la sensazione di essere iconoclasta, sfruttando il potenziale del riavvio per stuzzicare trame che prima non sarebbero state realizzabili.

Dopo tutto, The Court of Owls è una storia che tratta in gran parte lo sfruttamento delle lacune nella continuità creata da Flashpoint . L’idea che Bruce Wayne avrebbe potuto avere un fratello segreto sarebbe stata ridicola prima del riavvio, ma il ripristino della continuità ha messo molte opzioni sul tavolo. Raccontare una storia originaria di Batman in continuità mentre l’ Anno Uno esisteva sarebbe stato impensabile, ma il reboot rese possibile l’ Anno Zero . Allo stesso modo, l’idea del Joker come forza totemica è qualcosa che sembra un po’ meno ridicola nella moderna continuità.

È saltato fuori dal nulla.

Il Joker lo riconosce persino nel suo confronto con Batman. “Se solo avessi conosciuto meglio la tua città!” Scherza il Joker, riprendendo l’idea che la Corte dei Gufi sia stata in grado di scivolare tra le pieghe di Gotham. “Se solo tu fossi il Bat-King di cui avevi bisogno!” Tuttavia, mentre Snyder e Capullo hanno già giocato questa ambiguità, ci si allontanano alla fine di Endgame . L’ultima parte suggerisce che il Joker non è una forza primordiale di Gotham, ma sta invece bluffando. Lui è il Joker, per essere onesti.

In effetti, la trama deve un debito considerevole ad Alan Moore e al lavoro di Brian Bolland su The Killing Joke , come riconosce Tynion nei suoi backup. Discutendo della sua storia, il Joker confessa: “Preferisco non pensarla come una scelta multipla … è più scegliere la propria avventura.” Questo è un riff piuttosto consapevole forse la linea più memorabile e iconica del personaggio in tutti i suoi settanta anni di storia, una che arriva con una piccola quantità di ironia dato che è apparso alla fine di un romanzo grafico incentrato su una sola storia d’origine. Endgame è in ultima analisi conservatore.

                                                        Hanno una grande chimica insieme ...

Poi di nuovo, tutto questo ha uno scopo molto chiaro. I tentativi del Joker di modellare la propria mitologia e di elevarsi oltre la semplice mortalità sono ritratti come grotteschi e orribili, uno scherzo cupo. Questi sforzi sono in netto contrasto con l’accettazione da parte di Bruce Wayne del suo posto di uomo mortale. Endgame sembra suggerire che Batman sia solo un uomo, al di sotto di tutto. Batman non è un costrutto mitico che si è annidato a Gotham in attesa di manifestarsi. Batman è finito, almeno in questa incarnazione.

Quindi, abbastanza appropriatamente, c’è una nota di finalità per Endgame . Snyder e Capullo rimarranno su Batman per un altro anno dopo questa storia, e vedranno Bruce tornare a reclamare il cappuccio che lascia qui. Tuttavia, è chiaro che la coppia vede Endgame come una conclusione per il personaggio. In effetti, Snyder e Capullo applicano con attenzione anche la simmetria, quasi a voler dire che tutto è arrivato al punto di partenza e alcuni temi chiave sono stati risolti.

Endgame trova Bruce che contempla la sua morte. In effetti, la sceneggiatura di Snyder suscita persino l’idea che Batman sia stata una specie di morte vivente per Bruce. L’ultima volta che Bruce si sentiva veramente mortale, suggerisce Snyder, era al momento prima di entrare in contatto con l’oscurità che avrebbe generato Batman. “L’ultima volta che ricordo di aver creduto – credendo davvero – stavo per morire, avevo tredici anni, cadendo nell’oscurità della caverna” , riflette. È un sentimento che suggerisce forse che Batman fosse un sogno febbricitante, un respiro prolungato in quel tuffo nell’oscurità.

Pooling risorse.

In effetti, questo sottolinea l’ironia nel cuore di Endgame . L’arco successivo di Snyder e Capullo, Superheavy , suggerisce che la morte di Batman permetta la resurrezione di Bruce Wayne. Forse la vita e la morte esistono in un equilibrio più delicato per Batman. Forse Batman ha sempre rappresentato la morte di Bruce Wayne, nato dalla perdita apocalittica di Thomas e Martha Wayne. In quanto tale, la morte di Batman rappresenta una svolta della ruota proverbiale? La morte e la fine di Batman permettono a Bruce Wayne di rivivere?

Per essere giusti, i cicli mitici spesso seguono la morte con una forma di rinascita. La morte di Batman in Endgame porta infine a due nascite separate, la resurrezione di Bruce Wayne e una nuova forma di Batman. Questo è vero anche per le storie sull’apocalisse e la fine del mondo. Per definizione, le narrazioni post-apocalittiche si concentrano sulle vite dopo la fine di tutte le cose. La maggior parte degli insegnamenti religiosi sulla fine del mondo presuppongono l’esistenza di qualche forma di vita al di là di ciò che finisce. Tuttavia, anche ammettendo ciò, Endgame è positivamente apocalittico nel tono e nelle immagini.

Che cazzo.

Batman ha affrontato la fine del mondo prima, in molti modi diversi in molte storie diverse. Nel corso di Endgame , Snyder e Capullo alludono a un bel po ‘di quelle storie. Endgame scopre che il mondo di Batman crolla intorno a lui. Una tossina virale del Joker attraversa Gotham, come nel triste futuro di Batman Incorporated . Joker e Batman sono bloccati insieme in una fatale lotta in un tunnel, come in The Dark Knight Returns . (A un certo punto, Snyder  sembra proprio voler evocare il classico di Frank Miller.)

Le immagini del giorno del giudizio pervadono Endgame . Batman si trova di fronte a un’apocalisse di zombi che è appena stata proiettata nell’immagine del Joker. Le opere di Capullo evocano classici dell’orrore come La notte dei morti viventi nel suo ritratto di una città trasformata dall’apocalisse virale, Jim Gordon si nasconde in una casa con le finestre sbarrate mentre Batman corre nei corridoi di un ospedale che si dice infestato. I cittadini trasformati vagano per la strada, quasi selvaggi. La Justice League è fuori combattimento e Gotham brucia.

Endgame segnala il suo fascino per il giorno del giudizio dalle sue pagine iniziali. Il monologo introduttivo di Bruce parla dell’apocalisse evitata durante Zero Year . Quando Bruce viene attaccato dalla Justice League, mette in atto “Plan Fenrir”. In modo abbastanza appropriato, il suo protocollo difensivo prende il nome da un pezzo di mitologia nordica legato a Ragnarok. Fenrir è il lupo predetto per uccidere Odino durante la fine del mondo, adattandosi alle immagini di un arco che vede bruciare Gotham e tutto diventa cenere.

Allo stesso tempo, c’è qualcosa di abbastanza drenante in tutto questo. Come supervisionato da Scott Snyder e Greg Capullo, Batman sembra essere stato bloccato in una costante e perenne apocalisse. Escludendo le brevi storie in una o due parti che scandiscono la corsa, sembra che Batman guardi costantemente verso il basso la fine della vita a Gotham in una forma o nell’altra. Snyder e Capullo posizionano Batman come una vera e propria Lega della giustizia, con il primo capitolo di Endgame che rende il confronto piuttosto letterale.

La Corte dei gufi ha spazzato via la maggior parte delle infrastrutture della città come parte del crossover Night of the Owls . Il Joker ha cercato di avvelenare il serbatoio in Death of the Family . L’Enigmista ha riportato la città all’età della pietra in Zero Year . Sembra che Gotham abbia sopportato più eventi cataclismatici nel corso di Batman Eternal . Dall’inizio della “nuova 52” , sotto la penna di Scott Snyder, sembra che ogni giorno sia il giorno del giudizio a Gotham; la città è più volte ribaltata dagli orrori sulla scala di The Dark Knight Rises o No Man’s Land .

Per essere onesti, questo non è irragionevole nella continuità dei fumetti. Alla fine degli anni ’90 Gotham rimbalzò da Contagion a Cataclysm fino a No Man’s Land . Inoltre, Snyder e Capullo sembrano aver posizionato Batman tra i “blockbuster” del settore , una scelta che giustifica il senso delle storie. Più precisamente, la natura estesa di The Court of Owls e Zero Year consente a un po’ più di spazio affinché le sfide aumentino gradualmente man mano che le storie progrediscono.

                                                   Tenendolo a portata di mano ...

Quindi, di nuovo, questo probabilmente riflette la modalità predefinita delle storie dei supereroi moderni, in cui le minacce aumentano costantemente. Non basta più fermare un rapinatore di banche o un ostaggio. Come gli eroi sembrano crescere di statura, così devono fare le minacce che devono affrontare. I cattivi ora possono minacciare il tessuto della realtà stessa. Anche all’interno di Endgame , il Joker è elevato a una credibile minaccia per l’intera Justice League e capace di intrufolarsi tra tutti i trofei (tra cui un gigantesco penny e un dinosauro robotico ) della Batcaverna prima che Batman possa tornare a catturarlo.

Per essere onesti, questo non è un problema limitato solo alla narrativa dei supereroi. Blockbuster simile è diventato fisso sulla scala di devastazione che può essere resa sullo schermo, da film catastrofici come The Day After Tomorrow a franchise di fantascienza come Transformers . È interessante chiedersi da dove sia venuta questa fissazione su scala apocalittica. E’ un riflesso delle ansie culturali contemporanee, una sorta di impulso di morte subconscio proiettato sullo schermo? Oppure i progressi nella tecnologia CGI hanno semplicemente reso più facile (e più comune) il rendering di tali orrori?

                                                   Una trama di fiala.

Certamente, il tenore apocalittico di Snyder e Capullo nella corsa di Batman non è unico nel più ampio contesto della cultura popolare. Non è nemmeno unico nel più ampio contesto dei miti di Batman . Le vibrazioni apocalittiche che attraversano Endgame e Zero Year non sono troppo lontane da quelle che attraversano il climax di Batman & Robin o Batman Incorporated di Grant Morrison , per non parlare delle classiche storie di Batman come The Dark Knight Returns o Knightfall o No Man’s Land .

Ciò che è unico è la frequenza e l’intensità di quell’immaginario apocalittico. Per Grant Morrison, la minaccia a Gotham si manifestò al culmine del secondo e del terzo atto della sua epica storia di Batman , con tanto spazio nel mezzo. Knightfall e No Man’s Land erano distanziati da circa cinque anni, il che significava che c’era molto tempo per le avventure in mezzo. Mentre Snyder e Capullo hanno realizzato un paio di storie più piccole, la maggior parte della loro corsa è composta da narrazioni epiche che hanno costruito questo tipo di minaccia.

Per essere onesti, Snyder e Capullo lavorano duramente per rendere la fine del mondo in Endgame diversa dalla fine del mondo in Zero Year . Mentre Zero Year è sempre stata una grande storia di supereroi di grande successo, Endgame è costantemente incorniciato da un orrore psicologico inquietante. Il tono della storia è consciamente malata. Sembra che persino la logica della storia che Bruce Wayne dà per scontata sia stata erosa e corrotta.Inoltre, non sembra che sia passato molto tempo da quando Snyder e Capullo hanno fatto la loro ultima grande storia di Joker in Death of the Family . Il Joker non è andato via abbastanza a lungo per un ritorno in Endgame per sentirsi del tutto giustificato. Per essere onesti, è passato un anno e mezzo tra il numero finale di Death of the Family e il primo numero di Endgame ; tuttavia, un anno intero di quello è stato ripreso con la storia dell’Anno Zero che è accaduto per caratterizzare un proto-Joker come uno dei suoi personaggi principali.

Affronta ...

Endgame è una storia di Batman intelligente e affascinante che rivela molto di come Scott Snyder e Greg Capullo vedono il loro protagonista. Sfortunatamente, non ha l’impatto che avrebbe potuto avere se questa minaccia fosse stata più di un altro giorno a Gotham.

 

In italia è stato pubblicato dal numero 37 al 42 di Batman col titolo “Gioco Finale” edito da Rw Lion.

GRADI CGC – COSA SIGNIFICANO?

Quando leggi un fumetti cosa vedi? Energia? Costumi sgargianti? Domande Morali? Passione? Se hai risposto positivamente a tutte queste domande, allora continua a leggere, perché stiamo facendo un tuffo molto profondo nel sistema di classificazione CGC ovvero Certified Guaranty Corporation , il più grande delle società di valutazione

I GRADI DI VALUTAZIONE

Il primo grado di valutazione di un fumetto sono le condizioni di conservazione. Il sistema di CGC differisce dagli altri in quanto parte da una scala che parte da 0,5 fino ad arrivare a 10, invece che da 0,1 a 10. Il 0,5 è sicuramente scadente mentre il 10 è in perfette condizioni.

Tuttavia, CGC aggiunge un ulteriore criterio di valutazione, perché a volte una lettera verrà assegnato al posto di un numero, per indicare una circostanza speciale.

I voti PG e CVR sono due qualificatori che indicano che una parte singola di un particolare fumetto è stata autenticata: PG indica una singola pagina e CVR una copertina (anteriore, posteriore o entrambe). Questi sono comprensibilmente piuttosto rari, in quanto la maggior parte dei collezionisti evita di “distruggere” i propri fumetti e di dividerli. Tuttavia, c’è un valore nel classificare una singola pagina o copertina quando si tratta di un personaggio chiave o di un momento come Action Comics # 1 che ha valore per se stesso. È importante notare che la pagina o la copertina devono poter essere identificate come provenienti da un momento specifico, altrimenti non riceveranno un’etichetta PG o CVR. Ad esempio, la cover posteriore di Amazing Fantasy # 15 appare in altri numeri, quindi non può essere etichettata come CVR.

NG, che significa “No Grade”, generalmente significa che manca la copertina, mancano la metà o più delle pagine interne, o entrambe le cose. Se hai un fumetto che manca di queste parti chiave probabilmente non passerai attraverso le spese di doverlo classificare, e quindi questo è un grado estremamente raro da vedere.

ETICHETTE E COLORI

Ora che ci siamo tolti di la parte più problematica, passiamo ai colori delle etichette CGC, che sono usati per trasmettere ulteriori informazioni sul fumetto che il voto non comporta. Il sistema CGC ha la massima profondità, consentendo una combo in cui viene aggiunto un colore secondario.

Universale (blu)

Risultati immagini per CGC Universal Blue Label

L’etichetta blu, come suggerisce il nome, viene assegnata a un fumetto completo e non firmato. È la piu comune tra le etichette: semplice senza nulla in più. La maggior parte dei fumetti riceverà questa etichetta. È generalmente auspicabile perché implica che il fumetto è completo e non è stato restaurato (ne parleremo più avanti).

Risultati immagini per CGC Universal Blue Label

 

 

Serie Signature (giallo)

Risultati immagini per Signature Series (Yellow) CGC

L’etichetta gialla indica che il fumetto è stato firmato in un apposita confezione di plastica di CGC che garantisce che le condizioni esterne non abbiano influito sulle condizioni del fumetto e può essere acquistato direttamente da loro per $ 99,99. Sembra stravagante.

Come può un fumetto, chiuso all’interno della plastica CGC, poter essere aperto, autografato e poi riautenticato?

Dopo alcune ricerche, possiamo affermare che è corretto, un’etichetta gialla in realtà significa che ha una firma autentica, e un altra firma di un testimone che rappresenta CGC.

In pratica, al momento della firma, il rappresentante CGC aprirà la confezione e sarà testimone della firma. Dovresti quindi pagare per averlo ridisegnato e potenzialmente ri-classificato.

 

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Qualified (verde)

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Hai notato che per la firma gialla è richiesto un rappresentante CGC per assistere alla firma? Se hai avuto l’audacia di far firmare un fumetto senza un rappresentante, ti ritroverai con un’etichetta verde.

Il significato dell’etichetta è in realtà un po ‘più ampio, nel senso che il fumetto ha qualche “difetto” che richiede una descrizione. Questo difetto potrebbe essere la firma non verificata di cui sopra, o qualcosa che manca. Un esempio fornito da CGC è considerare un fumetto con un coupon interno. In tale condizione è un’etichetta blu 6.0. Se dovesse mancare un coupon, dovrebbe essere assegnato un grado Blue molto più basso, ad esempio 4.0. Comunque può invece essere dato un Green 6.0 con una nota che manca il coupon, evitando così il 4.0.

Questo gioco di prestigio è tuttavia giustificato dai collezionisti, pertanto le etichette blu hanno spesso più preferenze delle etichette verdi con lo stesso grado (o forse più alto).

 

Risultati immagini per Qualified (Green)CGC

Restaurato (viola)

Risultati immagini per Restored (Purple) CGC
L’etichetta viola è molto temuta. Di solito, il proprietario di un fumetto appena etichettato con il marchio viola apre il pacco di spedizione e si getta immediatamente in un angolo a piangere. Ogni volta che viene assegnata una di queste etichette, l’intero ufficio CGC si raduna per un minuto di silenzio.

Ok,  non è poi così male, ma Purple è ovviamente il meno desiderabile delle etichette che abbiamo trattato fino ad ora perché significa che il lavoro di restauro è stato eseguito, mettendolo in una classe separata dalle altre etichette. Il fumetto verrà comunque classificato, ma verrà anche assegnato un secondo grado su questa scala dopo che CGC ha valutato la qualità del restauro. Indipendentemente dalla qualità, tuttavia, il valore del fumetto ha un impatto significativamente negativo.

 

Risultati immagini per Restored (Purple) CGC

Le etichette con piu colori

Come accennato in precedenza, CGC fa un ulteriore passo avanti, combinando i suddetti concetti per creare etichette con due colori per situazioni estremamente specifiche.

Conservato (blu / grigio)

Risultati immagini per Blue/Grey CGC
Simile al viola, ma le riparazioni significative sono state fatte solo per migliorare l’integrità strutturale o la conservazione a lungo termine del fumetto. Molte volte la CGC stessa scrive: “Queste riparazioni includono strappi, segni, riattacco pezzi e alcuni tipi di pulizia”.

Serie Signature conservata (giallo / grigio)

 

Simile al blu / grigio sopra, ma con una firma autenticata.

 

Serie Signature qualificata (giallo / verde)

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Un fumetto verde con una o più firme autenticate. Si noti che un fumetto potrebbe avere due firme, una autenticata (rendendola gialla) e una che non lo è (rendendola verde). Allo stesso modo, il fumetto potrebbe mancare una pagina (rendendola verde) con una firma autorizzata sulla copertina (rendendolo giallo).

Serie Signature restaurato (giallo / viola)

Risultati immagini per Yellow/Purple CGC
Un fumetto restaurato con una firma autenticata.

 

Infine, CGC ha anche utilizzato un’etichetta rossa per indicare i fumetti prodotti dopo il 1975 . È stato usato solo per un breve periodo ed è stato sostituito dall’etichetta Blue.

CGC Red Label - What If? #1 9.0