Fascisti SU TINDER: incontro con Daniele Fabbri alla Torre Nera

Giovedi 23 Maggio, dalle 17:30 nei locali della Torre Nera ci sarà ospite Daniele Fabbri autore di “Fascisti su Tinder“.

FASCISTI SU TINDER è l’ottavo monologo satirico di Daniele Fabbri, pioniere della Standup Comedy in Italia, scrittore satirico e fumettista. Nel 2016 il suo fumetto “Quando C’era LVI” balza agli onori della cronaca nazionale per un agguato ricevuto da parte di esponenti di spicco di un partito neofascista.

DANIELE FABBRI, classe 82, lavora da oltre 10 anni con la satira e la comicità in ogni sua forma. Oltre alle esperienze in televisione come attore, autore e comedian (NBC e NBC2, CCN con Saverio Raimondo, NEMICO PUBBLICO con Giorgio Montanini) e ai suoi monologhi di StandUp Comedy pura che presenta tra club e teatri di tutta Italia, ha scritto 25 spettacoli teatrali, è writing-partner dei monologhi di Giorgio Montanini, ha collaborato con la rivista ScaricaBile e Fuorilemura.Com, è autore in programmi radiofonici e televisivi (Rai, RadioRai, ComedyCentral); insieme a Stefano Antonucci ha scritto e pubblicato per Shockdom i fumetti Gesù La Trilogia, V for Vangelo, Quando C’era LVI e il recente Il Piccolo Fuhrer.“

“«Fascisti su Tinder» racconta il conflitto di un 35enne che, appena tornato single dopo una relazione importante, si trova in bilico tra il volersi concedere una seconda adolescenza a colpi di sesso libertino, serie tv, videogiochi e spensieratezza, e il richiamo dell’età adulta che spinge a una presa di coscienza sulla politica, la società, i cambiamenti del mondo che ci circonda. Sperando che questo non pregiudichi comunque il sesso libertino. Tratto dal monologo teatrale di Daniele Fabbri, con le illustrazioni di Stefano Antonucci.”

Prenota ora la tua copia e ritirarla durante l’evento al link:
http://www.latorrenera.net/prodotto/fascisti-su-tinder-un-monologo/

POWER BATTLE MIRACULOUS REVIVAL

Partecipa alla Power Battle Miraculous Revival presso La Torre Nera e ottieni l’esclusiva Busta del Potere Serie 5!
Ogni partecipante riceverà 6 buste del set Miraculous Revival in italiano e 1 Busta del Potere Serie 5 con cui costruire un mazzo di 40 carte, selezionando inoltre una carta Leader tra quelle trovate!
 

TIPO DI EVENTO:

Power Battle

FORMATO:

Booster Draft

PERIODO SVOLGIMENTO TORNEI:

06 Maggio 2019

PREMI:

Un montepremi pari a due Promotion Pack 01 e un’ulteriore Busta del Potere Serie 5 per partecipante verrà suddiviso tra i giocatori del torneo secondo le modalità definite dall’organizzatore.

Costo Iscrizione (Comprende 6 buste per costruire il mazzo): € 30,00

CONTENUTO DELLA BUSTA DEL POTERE:

RW LION: PROMO DOOMSDAY CLOCK! PINS E VARIANT
LA MEZZANOTTE STA ARRIVANDO…
Da Gennaio parte l’attesissima seria firmata Geoff Johns e Gary Frank,
che unisce l’Universo DC al mondo di WATCHMEN:
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Questa incredibile miniserie presenterà per ognuno dei 12 numeri una VARIANT PIN da € 5,50!
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Una volta collezionate tutte, le 12 spille andranno a formare L’OROLOGIO dell’APOCALISSE, simbolo dell’opera.
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Inoltre il primo numero si pregerà di un’esclusiva  VARIANT OLOGRAFICA da € 9,95!
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Non appena avremmo notizie su come partecipare, ve lo comunicheremo

MARVEL LEGACY TUTTE LE VARIANT COVER -ESCLUSIVE FUMETTERIA-

Ricordiamo a tutti abbonati che hanno aderito alla promozione Marvel Legacy, che le sette cover variant esclusive per il canale della fumetteria potranno essere sempre ordinate unicamente contattandoci.

 

X-MEN FENICE RESURREZIONE IL RITORNO DI JEAN GREY 1 VARIANT

17×26, B., 56 pp., col., Euro 5,00

 

FANTASTICI QUATTRO 381 VARIANT

MARVEL 2 IN UNO 1 VARIANT

17×26, S., 48 pp., col., Euro 5,00

 

SPIDER-MAN 700 VARIANT

17×26, S., 80 pp., col., Euro 5,00

 

AVENGERS 100 VARIANT

17×26, S., 80 pp., col., Euro 9,90

 

DOCTOR STRANGE 38 VARIANT

17×26, S., 48 pp., col., Euro 5,00

 

CAPITAN AMERICA 97 VARIANT

17×26, S., 48 pp., col., Euro 5,00

 

THOR 228 VARIANT

17×26, S., 56 pp., col., Euro 5,00

 

Wolverine di Chris Claremont e Frank Miller – Recensione

È quasi difficile credere che Wolverine abbia avuto la sua prima miniserie solo nel 1982. Il personaggio era apparso per la prima volta in The Incredible Hulk nel 1974, ed era stato cooptato negli X-Men con The Giant X-Men # 1 di Len Wein un anno dopo. Durante la celebre run su Uncanny X-Men di Chris Claremont , Wolverine è diventato un personaggio molto popolare. In effetti, penso si possa sostenere l’argomento secondo cui Wolverine e Storm erano i protagonisti principali dell’epica corsa degli X-Men di Claremont . Eppure, dato quanto è diventato onnipresente il personaggio negli ultimi anni, è impressionante che ci sia voluto così tanto tempo  per ottenere un’avventura da solista. La miniserie Wolverine in quattro parti, scritta da Chris Claremont e illustrata da Frank Miller, è generalmente considerata una delle migliori miniserie che la Marvel abbia mai prodotto, e penso che abbia fornito molto dello slancio e della caratterizzazione che avrebbero sostenuto il personaggio in oltre tre decenni di apparizioni.

Ho notato che nei suoi esordi Wolverine non è il più complesso dei personaggi dei fumetti. Tendo a pensare che, di regola, il personaggio sia ben più utile come parte di un dinamico gruppo, dove può definirsi in opposizione agli altri membri. Penso che gran parte del suo fascino in Uncanny X-Men fosse il fatto che fosse il membro più feroce della squadra, il “ragazzaccio” . Mentre sarei molto riluttante a descrivere il Wolverine di Chris Claremont come un ” anti-eroe “ , ha avuto una caratterizzazione più cattiva, qualcosa che mancava dalla maggior parte dei fumetti in quel momento.

In molti modi, ricordava molto i personaggi di Clint Eastwood, l’icona macho fatta e pronta, pronta per tutto ciò che il mondo poteva lanciargli.  È un personaggio di genere abbastanza convenzionale, e penso che il suo fascino derivi da quanto attentamente Claremont lo abbia definito all’interno di quello stampo. Non penso che sia eccezionalmente profondo o complesso, e direi che lo stesso Claremont lo ammetterebbe.

In effetti, Claremont sembra farlo nell’introduzione alla raccolta della miniserie di quattro numeri. “Per la maggior parte, vedi,” spiega candidamente Claremont, “Wolvie era stato descritto come uno psicopatico assassino, come della nitroglicerina umana, pronto a esplodere in una furia beserker senza preavviso, e probabilmente attaccherebbe anche i suoi amici e compagni di squadra come i suoi nemici . Il problema è che non ti lascia, come scrittore, molti posti in cui andare. “ Quindi, è merito di Miller e Claremont che sono stati in grado di riposizionarlo con abilità nel genere “eroe”, trasformando quella superficialità ed esplorando le insicurezze di Wolverine sull’essere “una bestia vestita in forma umana che non ha onore”.

Vale la pena riconoscere la connessione tra Frank Miller e Chris Claremont. Leggendo una buona parte dell’epopea di Claremont, mi colpisce quanto profondamente riconoscente debba essere la cultura fumettistica a Claremont. Penso che lo scrittore abbia avuto un impatto enorme sul modo in cui gli scrittori producono storie a lungo termine, anche se non ha influenzato fondamentalmente nello stesso modo in cui lo hanno fatto Alan Moore o Frank Miller. Tuttavia, non penso che Claremont sia stato abbastanza riconosciuto per il contributo che ha dato al genere, riconoscendo le opere che sarebbero diventate influenti e iconiche e incorporandole nelle sue narrazioni attuali.

Quindi è possibile rilevare una sinergia tra Miller e Claremont, e le due si adattano abbastanza bene. Questa miniserie di Wolverine si lega immediatamente a diversi fili della celebre storia di Daredevil di Frank Miller , che si è svolta all’incirca nello stesso periodo. Nelle pagine iniziali, Wolverine trova la sua strada per un “Josie’s Bar ‘n’ Grill”, che condivide un nome con il frequentatore notturno che Daredevil frequentava. La trama presenta ampiamente la Mano e li legherebbe alla continuità personale di Wolverine in modo abbastanza saldo, oltre a stabilirli come uno dei molti elementi dell’universo Marvel condiviso che Claremont attingerebbe di volta in volta.

Tuttavia,la svolta più duratura che la serie fà sul personaggio di Wolverine, e probabilmente l’unica connessione più intelligente che abbiamo per quanto riguarda il suo personaggio, sta nell’intrecciare Wolverine nella cultura giapponese. “Logan, sei più giapponese di qualsiasi altro occidentale che abbia mai conosciuto” , suggerisce il suo vecchio amico, Asano Kimura. In realtà è una bella metafora, in quanto Claremont interpreta il personaggio centrale che lotta con i suoi istinti di guerriero e il suo tentativo di essere qualcosa di più.

Il Giappone ha avuto una lunga storia militare. A partire dal 1982, il paese era stato recentemente coinvolto nella seconda guerra mondiale. Ha gestito un’impressionante espansione coloniale durante quel conflitto, ma ha anche attinto una ricca storia militare. Questa era una nazione famosa nella cultura popolare per samurai e ninjitsu, nota per la produzione di guerrieri di ogni tipo. Tuttavia, quella cultura era stata drammaticamente cambiata dopo la seconda guerra mondiale. L’esercito era stato sostituito dalla “Forza di autodifesa del Giappone”. Nel momento in cui questo fumetto è stato pubblicato, il paese aveva ancora un forte sentimento antimilitarista.

Claremont allude a questo fondamentale conflitto interno all’interno del personaggio giapponese. “La nostra famiglia è vecchia quanto quella dell’Imperatore, con una pretesa legittima al trono”, dice il padre di Mariko a Wolverine a un certo punto, riflettendo sui vecchi modi e tradizioni. Tuttavia, deve riportarsi al presente, la realpolitick della situazione. “Ma lo dimentico. Viviamo in un’epoca in cui tali precetti sono diventati effimeri come la rugiada del mattino. “

Indipendentemente da quanto possa cercare di essere pacifico, “la terra del Sol Levante” sarà sempre associata a guerrieri senza tempo come i ninja ei samurai. Questi archetipi eterni e iconici aderiscono ai loro sacri codici d’onore interni, mascherando la ferocia del combattimento e dell’omicidio con la struttura civilizzata di antichi giuramenti e codici. Wolverine riflette su una messa in scena dei 47 Samurai, riflettendo, “È una storia d’onore, di lealtà, della determinazione dei samurai di vedere un corso fino alla sua fine, indipendentemente dal costo. Rappresenta tutte le qualità che i giapponesi amano di più nel loro carattere e patrimonio nazionale “.

I lettori americani indubbiamente assocerebbero Wolverine all’archetipo del cowboy solitario. Leggendo la sua narrazione scritta da Claremont, non è troppo difficile immaginare un giovane Clint Eastwood interpretare il ruolo e interpretarlo come “l’uomo senza nome”. Naturalmente, molti di quegli iconici western sono stati loro stessi fortemente influenzati da classici film di samurai. The Magnificent Seven era The Seven Samurai . Un pugno di dollari era Yojimbo .

È anche interessante il modo in cui Claremont e Miller riescono a sfruttare l’essenza del personaggio senza ricorrere a un gran numero di cliché e senza riprendere particolarmente le vecchie storie pubblicate prima. Mentre la storia fa ricorso al collaudato “vecchio passato dalla storia personale di Wolverine” per far movimentare la storia, c’è una minima dose di angoscia su quanto poco Wolverine potrebbe sapere del suo passato. Mentre Claremont e Miller intrecciano il Giappone nella storia del personaggio, non giocano sul mistero della sua origine come faranno molti scrittori e artisti in futuro.

Vale anche la pena notare che questa storia è stata scritta quando Wolverine era un personaggio mortale, piuttosto che quando il suo fattore di guarigione rendeva il personaggio praticamente immortale. In questi giorni, ci vuole una minaccia come la fine del mondo per dare  del filo da torcere al mutante canadese, dato quanto radicalmente il suo potere di rigenerazione si è evoluto. Qui, tuttavia, Miller e Claremont creano invece una grande quantità di tensione da una minaccia relativamente banale e di strada. Questo è un Wolverine che può ancora essere ucciso da normalissimi ninja.

Questo è un personaggio che si trova nel mezzo del proprio arco narrativo. Wolverine si stava ancora evolvendo sotto la penna di Claremont, e lo scrittore sembra abbracciare l’idea che Wolverine potesse diventare un personaggio molto diverso da quello che è apparso per la prima volta in The Incredible Hulk tanti anni fa. Wolverine sembra sostenere questa sorta di approccio audace e in continua evoluzione alla scrittura di fumetti, poiché Claremont sembra condannare i tentativi pigri di aderire allo status quo.

C’è qualcosa di tragico nel personaggio che la coppia dà a Wolverine, come un personaggio che lotta per essere più di quanto non sia stato in passato. C’è qualcosa di stranamente nobile nei tentativi di Wolverine di migliorarsi, soprattutto in considerazione del suo sordido passato. Sta cercando sinceramente di essere un uomo migliore, il che penso scatena un bellissimo conflitto interno, visto che Miller e Claremont costringono il personaggio a scegliere tra due straordinarie donne giapponesi: Mariko, che parla della sua natura migliore; e Yukio, che fa appello ai suoi istinti più basici.

Wolverine è ancora una lettura meravigliosa anche trent’anni dopo la sua prima pubblicazione. Sebbene non sia il miglior lavoro che sia Claremont o Miller abbia mai prodotto, è caratterizzato da due creatori molto abili che lavorano a qualcosa che si avvicina al meglio del loro lavoro. È una storia semplice, libera dal tipo di convoluzioni narrative che molti si aspettano da una storia di Wolverine , ma penso che sia ancora una lettura fantastica, forse proprio per questa semplicità. Si adatta al suo personaggio principale, tracciando tragedia dalle storie più dirette.

Deadpool 2 – La Recensione

Come il primo film, Deadpool 2 è un film che si basa sulla decostruzione e la commedia. Almeno, non principalmente.

Deadpool 2 è efficace sul punto narrativo supereroistico e lo sviluppa in maniera molto semplice e diretta con un pizzico di violenza ma anche di consapevolezza. Senza dimenticare le risate. E alcune battute sono davvero grandiose. Ci sono anche occasionalmente momenti in cui Deadpool 2 prenderà in prestito appositamente alcune scene o personaggi da altri film. Tuttavia, queste sono l’eccezione piuttosto che la regola. E non è un caso che questo set-up porti alla più grande risata del film.

Non c’è mai la sensazione che Deadpool 2 esista come decostruzione o critica dei film sui supereroi, che abbia qualcosa di particolarmente perspicace da dire sul genere oltre ad accettare che il pubblico moderno sia alfabetizzato dal genere.

Per essere chiari, questo non è un problema con Deadpool 2 . In effetti, la cosa più straordinaria di Deadpool 2, in particolare nell’era del franchising sui supereroi, è la relativa efficienza con cui racconta una storia semplice. Per tutte le battute sui genitali e tutti i riferimenti alla cultura pop che affollano la narrativa, in Deadpool 2 c’è un’emozione più genuina di quella di Avengers: Infinity War . I personaggi sono meglio definiti, i loro archi e le motivazioni più chiare. C’è una serietà accattivante e contagiosa sotto le battute del cazzo.

Ovviamente, questo non vuol dire che non ci siano citazioni in abbondanza e molti riferimenti nascosti. Se mai, Deadpool 2 è più esoterico nei suoi obiettivi rispetto a quello originale. Mentre si lamenta dell’assurdità dell’idea di “fortuna” come superpotere, Deadpool si chiede chi possa inventare un concetto così ridicolo (prestandosi alla “scrittura pigra” ), lamentandosi, “Probabilmente non sa nemmeno disegnare i piedi”. È un cliché nella critica dei fumetti per sottolineare le debolezze anatomiche di Liefeld, ma è qualcosa da vedere in un successone su questa scala.

Allo stesso modo, non si può negare la stranezza di un film a fumetti che trasforma un personaggio di serie Z apparso su Uncanny X-Men in cattivo stile “Black Tom Cassidy” in una battuta finale ricorrente con particolare attenzione alle relazioni a fumetti del personaggio di lunga data. Deadpool 2 è chiaramente il prodotto di persone che hanno effettivamente letto fumetti o almeno sono scomparsi nel buco nero del tempo che è il commento su internet. Incontrando un personaggio di fumetti particolarmente iconico, Deadpool ha persino casualmente elencato le sue apparizioni nei fumetti.

Oltre a ciò, Deadpool 2 non perde mai di vista se stesso come un sequel degli X-Men , non solo in continuità, ma in tono. Per un film che introduce gli X-Men come ” una metafora datata per i diritti civili degli anni sessanta “, c’è qualcosa che conferma quanto tranquillamente Deadpool 2 porti la sua coscienza LGBTQ nei suoi temi. C’è un modo semplice con cui Deadpool 2 accetta il suo sottotesto queer, dai riferimenti casuali a uno “strap-on” alla facilità con cui Wade accetta la fidanzata di Teenage Negasonic Warhead.

Esiste una misura specifica in base alla quale Deadpool 2 è effettivamente “il miglior film degli X-Men” da X-Men: First Class o anche X-Men II , senza essere effettivamente buono come Logan . Questo è più ovvio per il modo in cui la trama si trova a svolgersi attorno alla ” Essex Home for Mutant Rehabilitation “, sia un altro occhiolino all’ allusione all’uso della terapia di conversione negli Stati Uniti. (In effetti, uno dei più piccoli colpi bassi di Deadpool 2 prefigura questa rivelazione con Deadpool che riflette su come il resto del mondo non hanno un senso di religione come gli Stati Uniti).

È anche chiaro che il team di produzione ha letto i fumetti di Deadpool, sfruttando trame e opere come Uncanny X-Force di Rick Remender o Deadpool di Gerry Duggan .

Anche i dettagli più piccoli suggeriscono influenze a quattro colori. Quando Deadpool mette insieme il suo contrappunto “lungimirante, progressivo” (e anche “un po’ derivato” ) agli X-Men, il team di produzione fa attenzione ad annuire furbescamente a varie iterazioni del team nei fumetti X-Force . Tuttavia, la sequenza si ripaga confermando che il team di produzione ha almeno letto Peter Milligan e la spettacolare corsa di X-Force e X-Statix ​​di Mike Allred , che rimane uno dei migliori (e più trascurati) fumetti X-Men mai pubblicati.

Allo stesso modo, anche i fan occasionali del franchise cinematografico degli X-Men possono notare i vari riferimenti e omaggi al franchise del film, con la trama che spesso si sente come un tributo molto diretto agli X-Men rispetto al fascino gonzo del lavoro di Noah Hawley in Legion . La scelta di Cable come personaggio di supporto evoca ovviamente la trama di base di X-Men: Days of Future Past , sebbene consapevolmente e deliberatamente su una scala più piccola e intima. Una sequenza di dighe legate alla neve richiama X-Men II . Lo stesso Deadpool stuzzica le somiglianze con il complotto di Logan .

Nessuno di questi elementi è abbastanza forte nel mix per sopraffare Deadpool , non permettendo mai che il film si perda nei riferimenti. Per essere onesti, le battute del film cadono di tanto in tanto nella trappola di puntare a pezzi familiari della cultura pop come uno scherzo di se stessi, piuttosto che come impostazione di uno scherzo. Deadpool si riferisce inevitabilmente a Josh Brolin come “Thanos” , o si lamenta che parte della X-Mansion “odori come Patrick Stewart”.Tuttavia, sono citazioni piuttosto che il punto focale dell’attenzione.

Tuttavia, Deadpool 2 funziona meglio come un film d’azione semplice con una trama relativamente lineare e motivazioni coerenti. Il regista David Leitch è un fantastico coreografo d’azione, con uno stile relativamente pulito e ordinato che funziona bene. In effetti, i migliori beat di Deadpool 2 sembrano sequenze di azione senza sforzo,  che dimostrano l’abilità di Leitch senza distrarre dal resto del film; mi viene in mente una furba sequenza all’inizio del film, dove persino Deadpool si complimenta della carneficina coreografata. ” Woah. Quel ragazzo è in fiamme! ”

Sebbene sia pieno di superpoteri e riferimenti ai film a fumetti, Deadpool 2 è molto più vicino a quei vecchi film d’azione degli anni Ottanta che a qualcosa come Black Panther . Questo è evidente nel modo in cui Leitch sceglie di visualizzare i superpoteri guidati dalla fortuna di Domino, nonostante le proteste di Wade che “certamente non è molto cinematografico.” Leitch sembra immaginare la manipolazione della fortuna di Domino pari alla capacità di invocare la fisica del film d’azione.

La trama e gli archi di Deadpool 2 hanno pochissime sorprese, forniscono invece un quadro per un’esecuzione sicura e pulita. La posta in gioco è relativamente piccola, specialmente per ciò che è inquadrato come una storia del viaggio nel tempo. Wade fa riferimento a Cable come “John Connor” , ma il film evita consapevolmente molte conseguenza del caso. Cable non sta cercando di salvare metà dell’universo, ma intraprende invece una missione molto personale. Allo stesso modo, le motivazioni di Wade non sono di cambiare il mondo o influenzare un profondo cambiamento nella coscienza sociale, ma di salvare una singola vita.

Questo è rinfrescante, sia nel contesto di un grande sequel di successo che di film sui supereroi. Nell’era degli universi condivisi e dei sequel, sembra che la qualifica minima per rivendicare il titolo di “supereroe” sia salvare una piccola città, probabilmente distruggendone la maggior parte nel processo.

C’è qualcosa di pragmatico e accattivante in questo. Semmai Infinity War ha dimostrato i limiti dei film sui supereroi, dimostrando che la carneficina sulla scala planetaria è limitata. Il merito di  Deadpool 2 è che non perde mai di vista le parti più intime. Anche un personaggio secondario come Domino ha il suo arco relativamente perfetto che ripaga in un modo che ha senso.

In effetti, i beat emotivi di Deadpool 2 sono quasi sinceri,  fatti per far funzionare la storia. In effetti, l’umorismo in Deadpool 2 sembra esistere in gran parte per controbilanciare questa serietà, per mantenere il film equilibrato e per impedirgli di ribaltarsi e diventare troppo ovvio o troppo melodrammatico. L’umorismo punge la sua sincerità quanto basta , sgonfiando gli elementi più veloci del film senza mai nascondere il suo cuore. Deadpool 2 mantiene un delicato equilibrio. Questo è forse più ovvio nella trama centrale del film, che si concentra su un giovane mutante di nome Russell, interpretato da Julian Dennison e che aspira a diventare cattivo col nome in codice “Fire Fist”.Quando Wade chiede perché Russell sarebbe tentato dal diventare un supervillain, risponde ironicamente, “Non vedi molti supereroi come me.”

Tuttavia, il sarcasmo esiste per aiutare a forare le parti più serie del film sui traumi, rabbia e cicli di violenza. Deadpool 2 è piuttosto esplicito su dove viene la rabbia di Russell, e su ciò che è necessario per aiutarlo a togliersi dalle ferite che gli sono state inflitte. Sulla carta, questo arco è quasi scadente, una raccolta di motivazioni e allestimenti di personaggi originali ma funzionano sullo schermo.

Tuttavia, Deadpool 2 trova un’umanità sorprendente in queste idee molto sane, distraendoci con umorismo delicato e autocoscienza.

 

Marvel Legacy alla Torre Nera: UN RITORNO ALLE ORIGINI PER LA CASA DELLE IDEE

IL PASSATO, IL PRESENTE E IL FUTURO DELL’UNIVERSO MARVEL

Marvel Legacy, dove ogni serie è un evento, rilancerà tra maggio e agosto tutto il parco di 15 serie da edicola/fumetteria Panini (Avengers, Capitan America, Champions, Daredevil, Deadpool, Doctor Strange, Guardiani della Galassia, Invincibile Iron Man, Marvel Miniserie, Amazing Spider-Man, La potente Thor, Venom, Wolverine, X-Men Blu, X-Men Oro), i volumi Marvel Collection cartonati inediti e le collection brossurate
da fumetteria. Marvel Legacy terminerà tra novembre e gennaio e sarà seguito da “A FRESH START”, in cui cambieranno i team creativi di tutte le serie del Marvel Universe.

Legacy significa “eredità del passato” ma anche “lascito al futuro”. La Legacy è certamente quell’ elemento che ha forgiato gli eroi e che li ha fatti diventare quello che sono oggi, ma è anche e soprattutto la discendenza, tutto ciò che verrà dopo di essi. L’eredità la si riceve nel presente dal passato, e al tempo stesso dal presente la lasceremo ai posteri. È questo che la Marvel vuole fare con Legacy. Vuole raccogliere un passato perduto e riportarlo al presente, per costruire un futuro che sia al tempo stesso nuovo e tradizionale.

Nel corso degli ultimi sei anni, da prima di Marvel NOW!, ogni anno la Casa delle Idee ha rilasciato un albo chiamato Point One, che faceva il punto della situazione sullo stato dell’Universo Marvel. Oggi, quell’albo è stato affidato a un unico scrittore con il compito di realizzare un singolo albo evento che fungesse da vero e proprio punto di arrivo e di partenza per un nuovo Universo Marvel. Quell’autore è il premio Eisner Jason Aaron (Wolverine & The X-Men, Thor) e l’albo è MARVEL MINISERIE 200: MARVEL LEGACY.
Per la prima volta nella nostra storia, inoltre, usciremo con un evento Marvel contemporaneamente in albo brossurato a prezzo contenuto e in volume cartonato ad alto prezzo. Se il brossurato conterrà solo la storia Marvel Legacy #1, il libro conterrà anche tutte le Marvel Legacy Primer Pages, ovvero storie di tre pagine scritte da Robbie Thompson e disegnate da alcuni dei più grandi e storici autori della Casa delle Idee (Mark Bagley, Daniel Acuña e Valerio Schiti, tra gli altri) che raccontano le origini segrete di 47 personaggi o gruppi della Marvel.
Nelle testate italiane ci sono tre grossi cambiamenti all’orizzonte.

LA NUMERAZIONE
Essendo un ritorno al passato, si cambia e si torna alla numerazione unica e viene ripristinato il numero di serie reale degli albi. L’obiettivo è semplificare, e uniformare il numero legale dell’albo (quello che
trovate in basso sopra al codice a barre) al numero della testata (quello che è in alto vicino ai loghi Marvel e Panini) rende tutto più ordinato.
Attenzione: le uniche serie che non cambieranno numerazione sono quelle mutanti, a causa del fatto che il rilancio mutante di X-Men Oro e X-Men Blu è arrivato pochi mesi prima di Legacy.

LA GRAFICA
È un’ulteriore evoluzione della grafica Marvel NOW! che ci accompagna dal 2012 e che è stata ripresa un po’ ovunque, ma con richiami fortissimi al passato della Marvel Italia. Torneranno per esempio i cornerbox, la cosa che rende più riconoscibile un albo Marvel dagli anni 60 a oggi. La grafica non è una semplice copia della versione USA, ma una rivisitazione italiana della stessa.

LE VARIANT COVER
Panini propone storicamente le variant cover tecnicamente più all’avanguardia in circolazione. Dalle metal (in tutti i colori e gli effetti possibili e immaginabili) alle olografiche, dalle cover floccate a quelle termoelettriche, dalle PVC (spesso doppio) alle lenticolari, alle glow in the dark… passano tutte prima da Panini. Con Marvel Legacy realizzeremo solo otto copertine variant, di cui sette disponibili solo a chi aderisce alla promozione, con effetti diversi l’una dall’altra.

Perché solo otto? Ancora una volta, perché il nostro desiderio è quello di semplificare. Ci sono tanti buoni fumetti in giro, e vogliamo proporre in edizione variant solo quelli a nostro giudizio assolutamente imperdibili. Se dovete scegliere cosa iniziare a leggere quest’anno, questi sono i titoli sui cui puntare. Nello spirito dell’Eredità Marvel, con le variant faremo un viaggio dal passato al futuro. Dalla semplice variant intesa come “copertina alternativa di un autore diverso rispetto alla regular” di Marvel Miniserie 200 (che avete già visto il mese scorso), si passa alla variant metal di Capitan America 97, seguita dalla PVC bianco e nero/colore di Thor 228, fino alla pregiatissima carta pergamena di Doctor Strange 38. E queste sono solo tre delle otto previste.

Saranno tutte copertine esclusive della fumetteria. Questo significa che non le troverete né nelle convention alle quali parteciperemo, né tantomeno nel sito Internet Panini.

BAO PUBLISHING: NOVITA’ IN USCITA

È possibile ordinare i seguenti titoli:

HAPPY DELUXE

 

17×26 cm, C., 136 pp., col., € 18,00

di Grant Morrison e Darrick Robertson

(NB: è appena uscita su Netflix la prima stagione della serie tv tratta da questa graphic novel!)

Grant Morrison crea una storia distopica e ai limiti dell’assurdismo che, per il prodigio del suo talento, funziona come un orologio svizzero. Darick Robertson la illustra, da par suo, con uno stile che vi farà accapponare la pelle per il ribrezzo, a tratti. Questo romanzo grafico, uscito originariamente nel 2014, è diventato una serie TV la cui prima stagione debutta in Italia su Netflix il 26 aprile. Per l’occasione, BAO ne offre una versione rinnovata, in formato più grande, identico all’originale americano, cartonata, con dieci pagine di fumetto in più e un nuovo apparato di extra a fine volume. In copertina, nella posa della copertina originale, Christopher Meloni, colonna portante di Law & Order – Unità Vittime Speciali.

GUARDATI DAL BELUGA MAGICO

 

17×23, C., 192 pp., col., € 19,00

di Daniel Cuello

Daniel Cuello ha stupito il mondo del fumetto l’anno scorso con Residenza Arcadia, un libro che è stato ristampato nel giro di tre mesi e che sta per giungere alla seconda ristampa. Questa sua nuova opera ripropone, per la prima volta su carta, un centinaio delle vignette per cui è famoso sul web, ridisegnate, organizzate in modo narrativo e racchiuse in una nuova storia, mai vista prima, di quasi quaranta pagine, che dà un senso alle vignette collegandole tra di loro. Da Piero Angela agli amatissimi croissant di sfoglia, dal Beluga Magico che rappresenta tutto ciò che può andare male nella vita alle piccole idiosincrasie dell’uomo medio, Daniel Cuello è una voce sorprendente, che si è meritata in breve tempo un pubblico molto vasto e fedele.

IPERURANIA

 

20×27 cm, C., 192 pp., col., € 23,00

di Francesco Guarnaccia

Francesco Guarnaccia, giovanissimo talento già noto nella scena del fumetto “indie” italiano e delle autoproduzioni, debutta in BAO con un libro sontuoso, ambientato su una colonia spaziale i cui abitanti non hanno il permesso di toccare il suolo del pianeta intorno al quale orbitano. Così desiderano fortissimamente fotografarlo e si avventurano in ricorrenti “safari” fotografici a ridosso della superficie del pianeta proibito. Il protagonista scopre, durante una di queste missioni ludiche, di avere il potere di teletrasportarsi, e di non saperlo controllare. Mascherata da storia di fantascienza, Iperurania è una riflessione sulla fragilità dell’amicizia, sulla sindrome dell’impostore che colpisce chiunque raggiunga risultati che non sente di meritare e, più in filigrana, una riflessione sul senso effimero dell’arte.

RYUKO 2

15×21 cm, C., 256 pp., b/n., € 17,00

di Eldo Yoshimizu

Eldo Yoshimizu è un mangaka indipendente. Non ha un editore, pubblica da solo le sue storie, e si rifà alla scuola del manga “adulto” del Gekiga. Con questo volume conclusivo, Ryuko, storia di intrighi, spionaggio e omicidi a pagamento,è un tributo ai classici degli anni Settanta, ma si esprime con una narrazione e una verve visuali uniche, che lo hanno reso famoso in tutto il mondo. I lettori ci avevano chiesto a gran voce di pubblicarlo, e li abbiamo accontentati!

 

 

JOE SHUSTER

19×26 cm, C., 184 pp., col., € 21,00

di Julian Voloj e Thomas Campi

La storia dell’uomo che creò graficamente Superman, tra luci e ombre, in un racconto intimo e rispettoso che parla dell’ambizione di regalare al mondo un eroe, e della delusione quando Shuster scoprì, con l’amico Jerry Siegel, che la loro creazione apparteneva alla Casa editrice, e non a loro. Una storia tenera, ingiusta, umana e che aspettava di essere raccontata da due talenti come quelli di Voloj e Campi. Un libro importante, che esce in Italia in anteprima mondiale.

Twin Peaks: La RetroRecensione

Twin Peaks rimane qualcosa di una stranezza culturale pop.

Nonostante le sue sorprese e i suoi intrecci, Twin Peaks non era un fenomeno di nicchia. È stato l’evento più seguito del 1990 , e riuscii a tenere incollato allo schermo milioni di persone . La serie ha ispirato un’intera generazione di copioni televisivi, da  Picket Fences a  X-Files . Ha ridefinito ciò che era possibile fare in televisione. Era qualcosa di totalmente nuovo .

Nonostante tutto, Twin Peaks è indubbiamente il prodotto di David Lynch. Naturalmente, Lynch lavorava con lo scrittore Mark Frost, che merita un grande credito per aver modellato le tendenze surrealiste di Lynch in qualcosa di coerente e accessibile come Twin Peaks . Anche al di là del suo uso di volti noti e del suo tono inconfondibile, c’è la netta sensazione che Twin Peaks appartenga di più ai film di Lynch come Blue Velvet , Mulholland Drive e Inland Empire .

Tuttavia, la bellezza dell’originale Twin Peaks è il modo in cui distilla così abilmente quell’illusoria ed eterea qualità Lynchiana in qualcosa che è molto più convenzionale di gran lunga della sua produzione cinematografica; qualcosa che ha la stessa profondità e inciviltà che definisce così tanto il lavoro di Lynch, mentre sembra anche molto in sintonia con la coscienza popolare. È una qualità rara, un’opera d’arte sia universale che specifica.

La reputazione di Lynch come artista “inaccessibile” non è del tutto giusta. C’è sicuramente un granello di verità, in quanto può essere estremamente difficile offrire una risposta letterale alla domanda “… quindi, cosa è successo esattamente?” In relazione alla maggior parte dei suoi film al di fuori di The Elephant Man e The Straight Story . Tuttavia, il lavoro di Lynch tende a funzionare meglio quando il pubblico smette di capire e gli permette di lasciarsi coinvolgere, quando si danno una risposta emotiva al lavoro nel suo complesso, piuttosto che alla storia lineare raccontata o agli specifici elementi individuali.

Le immagini di Lynch tendono a lavorare su un livello istintivo e emotivo, piuttosto che su un piano puramente razionale. Questo forse spiega la sua reputazione di regista “difficile” o “provocatorio” . Persino il fan più accanito del lavoro di Lynch avrebbe difficoltà a spiegare chiaramente cosa succede in Wild at Heart o Lost Highway senza qualche supposizione o speculazione. Spesso è più facile articolare ciò che il lavoro di Lynch fà più di quello che realmente è . 

Forse per la sua natura di serie televisiva in prima serata, l’originale Twin Peaks è decisamente più convenzionale di un sacco di produzioni cinematografiche contemporanee di Lynch. È possibile offrire un resoconto abbastanza diretto di ogni singolo episodio, con chiare motivazioni dei personaggi e sviluppo della trama. Ovviamente, Twin Peaks era decisamente più astratto della maggior parte di quello che la televisione mandava in onda, ma poteva ancora essere apprezzato da un pubblico che non aveva una particolare confidenza con quanto fatto dal regista in quel periodo .

Naturalmente, Twin Peaks arrivò in un momento in cui la televisione in prima serata era ancora vista come qualcosa di fine a se stessa. Lynch non avrebbe mai potuto godere della libertà con cui lavorava contemporaneamente ai film – o persino su Twin Peaks: The Return quasi trent’anni dopo. La televisione mainstream era ancora considerata qualcosa di relativamente sicuro e familiare rispetto a forme drammatiche più sperimentali come il teatro o la televisione.

Twin Peaks doveva conformarsi alle aspettative della televisione. Ogni episodio doveva avere una lunghezza fissa, per riempire la fascia oraria programmata. Ogni episodio doveva avere delle pause in modo da lasciar spazio agli  annunci pubblicitari. C’erano alcune restrizioni sul contenuto e delle aspettative sulla forma che non avevano niente a che vedere col cinema dell’epoca. Tutti questi fattori sembrano imporre un quadro riconoscibile su ciò che Lynch sta facendo. Non soffocano né neutralizzano la sua visione creativa, ma forniscono invece qualcosa di una forma familiare che lo rende più appetibile per il pubblico mainstream.

È arrivato subito dopo le soap opera in prima serata come Dynasty , Dallas e Falcon Crest , e il melodramma fornisce un quadro attraverso il quale gli spettatori potrebbero comprendere molti dei complotti di Twin Peaks ; la relazione abusiva tra Leo e Shelly , la sinistra trama di Benjamin Horne per strappare il controllo della segheria locale di Josie Packard, l’angoscia adolescenziale di personaggi come Bobby Briggs e Donna Hayward. Oltre a ciò, il set-up di base di un omicidio di una piccola città fornisce un ovvio gancio per l’interesse degli spettatori. Tutti amano il mistero di un omicidio.

Tuttavia, Twin Peaks rimane una produzione di David Lynch in tutto e per tutto. Sembrava come se nulla fosse mai andato in onda in televisione nell’aprile del 1990, e sembra ancora diverso da qualsiasi altra cosa nella storia. ( Twin Peaks: The Return è un parente ovvio, ma sembra anche più strettamente allineato ad altre opere di Lynch rispetto ai Twin Peaks originali .) Parte di questo era semplicemente pura tecnica artigianale. In un certo senso, Twin Peaks si distingue come un raro esempio di televisione del ventesimo secolo in cui la voce d’ autore era quella di un regista piuttosto che di uno scrittore o produttore.

Twin Peaks non era del tutto unico in questo senso. C’erano precedenti esempi di programmi televisivi che erano stati plasmati dai registi piuttosto che dagli scrittori; il Master of Suspense aveva preso in carico Alfred Hitchcock Presents … , mentre Michael Mann era stato un’influenza visiva determinante su Miami Vice . Tuttavia, lo stile visivo di Lynch conferisce a Twin Peaks un impressionante stile visivo. La regia su Twin Peaks , l’inquadratura e la composizione, è molto più sicura e assertiva della televisione contemporanea. C’è un’arte impressionante per Twin Peaks che in gran parte manca dalla televisione dell’epoca.

Lo stile e il tono di Twin Peaks sono stati sempre decisamente retrò, richiamando il ricordo popolare di un’America immaginaria degli anni Cinquanta popolata da camionisti e cameriere dei ristoranti, circondati da scuole superiori e dagli uomini dell’industria. Tuttavia, questa sensazione retrò è migliorata solo dalla combinazione della costante mano registica di Lynch e dalle restrizioni formali della televisione dei primi anni Novanta. Il tradizionale formato 4: 3 della televisione evoca la classica “Ratio dell’Accademia” che è stata utilizzata dal cinema fino alla metà degli anni Cinquanta. (Ironicamente, il cinema è diventato solo widescreen in risposta alla televisione).

Northwest Passage si svolge indubbiamente nel presente, o in qualcosa che è strettamente allineato ai giorni nostri, come potrebbe consentire Lynch. Con i suoi colori intensi e la sua nostalgia stilizzata, abbinata a uno schema che rievoca il cinema della metà del XX secolo e la mano sicura di un regista veterano, Twin Peaks sembra un po’ come un pezzo d’ Americana perduto. Northwest Passage potrebbe essere un film perduto di Ford, o forse un lavoro a metà carriera di Hitchcock, o un primo progetto di Kubrick. Northwest Passage usa anche più volte una prospettiva precisa, una composizione preferita di Kubrick.

È allettante sostenere che Twin Peaks assomiglia a un“film per la televisione” , ma è eccessivamente semplicistico e riduttivo. Oltre a ciò, gioca sul popolare cliché critico che il film è intrinsecamente superiore alla televisione e fornisce un modello a cui il mezzo dovrebbe aspirare. Questo fa parte del sottotesto a malapena celata del più grande “è Twin Peaks: il ritorno davvero un film di diciotto ore al giorno?”,u dibattito che avrebbe imperversato quasi tre decenni più tardi , e riflette il senso in cui la televisione non è mai  del tutto oltre la sua reputazione come una“vasta landa desolata” in certi ambienti.

Tuttavia, c’è sicuramente una tesi secondo cui Twin Peaks ha superato i confini tecnici della televisione, dimostrando che la televisione potrebbe essere prodotta con lo stesso tipo di amore e attenzione che i registi hanno dedicato al cinema. Per la maggior parte della sua vita, la televisione è stata trattata come fratello minore del cinema, il contenuto dettato dal budget e dalle esigenze di pianificazione piuttosto che la libertà artistica e visionaria associata al grande schermo nella seconda metà del XX secolo.

Proprio come aveva fatto Miami Vice a metà degli anni ottanta e come avrebbe fatto The X-Files a metà degli anni Novanta, Twin Peaks ha dimostrato che era possibile produrre sceneggiature televisive che fossero costruite con la stessa abilità delle produzioni cinematografiche mainstream e che poteva essere fatto sotto i vincoli creativi della televisione di rete. Era una boccata d’aria fresca, esaltante e sorprendente. Non sorprende che Lynch sia stato in tournée, né che il pilota sia stato riconfezionato come lungometraggio per i mercati internazionali.

Naturalmente, Twin Peaks era innegabilmente un pezzo di televisione, anche se lo stile era atipico per le serie contemporanee. Twin Peaks è stato concepito come una fusione tra soap opera e thriller, due generi di storie idealmente adatti alla serializzazione televisiva a lungo termine più che allo spazio narrativo del cinema. Twin Peaks è stato progettato per coinvolgere gli spettatori e tenerli sospesi per un periodo indefinito. In effetti, Lynch e Frost avevano inizialmente previsto che il mistero centrale che guidava la serie non sarebbe mai stato risolto, fornendo un quadro senza limiti sui cittadini.

Tuttavia, il cuore della storia rimane positivamente Lynchiano, riflettendo gli interessi e le idee del regista e dello scrittore, i suoi affascinanti luoghi e i suoi temi centrali. Twin Peaks è una storia sull’America, in particolare l’idea popolare dell’America, la nozione di un paesaggio che esiste tanto nell’immaginazione popolare quanto nelle mappe dettagliate. Nel corso della sua carriera, Lynch si è impegnata con varie sfaccettature del sogno americano, del modo in cui il paese pensa a se stesso e alla coscienza condivisa che plasma sia la nazione che il suo popolo.

Lynch è molto preoccupato per la coscienza americana e per l’immaginario e l’iconografia che definisce la nazione. Blue Velvet esplorava l’oscurità che si celava dietro le staccionate bianche della periferia. Questo è più ovvio nel modo in cui Lynch struttura così tanti dei suoi film come “road movie”. Wild at Heart fonde l’archetipo del road movie americano con la fiaba decisamente americana di The Wizard of Oz . Allo stesso modo, Lost Highway pensa al vasto continente americano come a un infinito tratto di autostrade e vite interconnesse e intersecanti. Anche The Straight Story è un road movie.

Il road movie è un genere tipicamente americano, probabilmente solo dopo il genere western. Sta dicendo che Northwest Passage introduce il suo eroe come un uomo di legge errante nella tradizione del cowboy. Ancor prima che Lawrence Jacoby identifichi erroneamente Dale Cooper come l’eroe dell’archetipo occidentale “Gary Cooper” , l’episodio ha stabilito le vie errante dell’agente dell’FBI. È un pioniere tanto quanto un funzionario di polizia.

Northwest Passage stabilisce fermamente Twin Peaks come esplorazione della psiche americana. L’omonima comunità ha sede a Washington, nello stesso tempo tra gli stati più a ovest dell’Unione e anche il nome dato alla sua capitale orientale. Northwest Passage enfatizza le immagini di frontiera al centro della storia, evocando immagini del mito americano più archetipo. C’è qualche suggerimento che persino nel ventesimo secolo, i coloni di Twin Peaks stiano cercando di scolpire qualcosa che assomigli alla civiltà proveniente dalla natura selvaggia.

Questo motivo ha un ruolo cardine sulla storia. I titoli di apertura giustappongono un uccello con una sega meccanica, l’ambiente naturale lascia spazio alla civiltà industriale. Tutto in Twin Peaks suggerisce una comunità che sta ancora cercando di affermarsi in questo piccolo angolo del paese; l’estensione incompiuta che Leo e Shelly stanno costruendo sulla loro casa, le solitarie pompe di benzina presidiate da Ed Hurley, la segnaletica che suggerisce una popolazione transitoria e il ristorante che suggerisce pasti consumati frettolosamente vicino la strada.

Persino il titolo del pilota, Northwest Passage , evoca l’insediamento del continente nordamericano e la relazione che esiste tra i coloni europei che credevano che fosse il loro diritto divino di colonizzare quella massa di terra e l’ansia avvertita nella sua vastità impossibile. La cultura popolare americana rimane affascinata dalla frontiera, subito attratta e terrorizzata da essa. C’è una nostalgia per la distesa illimitata di terra da quella spinta iniziale verso ovest, ma anche il timore che il paese possa inghiottirli interi. Twin Peaks è molte cose, ma è soprattutto un western.

Tuttavia, Northwest Passage evoca più efficacemente questa estetica di frontiera attraverso la rivelazione di dove Laura Palmer è stata assassinata e dove Ronette Pulaski è stata aggredita. I treni occupano un posto speciale nella coscienza popolare americana, servendo come un’incarnazione letterale del destino, della spinta industriale verso occidente. Nei paesi occidentali, i treni sono una scorciatoia per l’espansione e lo sfruttamento capitalista, spesso legati alla violenza e allo spargimento di sangue che i coloni hanno portato loro sulla loro grande migrazione.

X-Files userebbe le immagini del treno per evocare sia gli orrori industriali dell’Olocausto che il peccato originale dell’insediamento europeo. In episodi come Anasazi , Nisei e 731 , i treni sono diventati un modo per trasferire segreti attraverso la campagna e persino seppellirli. Twin Peaks suggerisce qualcosa mentre Cooper e Truman ispezionano la vecchia e decadente carrozza ferroviaria dove Laura Palmer trascorse le ultime ore. Northwest Passage lega la morte di Laura Palmer a questo immaginario di frontiera, a questo retaggio di violenza e brutalità.

Dopotutto, va notato che le maggiori industrie di Twin Peaks sono sia la Packard Sawmill che il Great Northern Hotel. La Packard Sawmill è una grande industria americana che offre posti di lavoro per la comunità locale e fornisce un ideale stereotipato di mascolinità americana. È un lavoro che richiede forza e ingegnosità, e che serve non solo a piegare la natura alla volontà degli uomini, ma anche a sfruttarla per ottenere un guadagno economico. La frontiera è legata alla forma più primitiva del capitalismo; i coloni che cercano non solo di sottomettere la natura, ma di trarne profitto.

(Questo tema dello sforzo capitalista attraversa tutta la prima serie : Benjamin Horne ha già messo gli occhi sulla Packard Sawmill, cercando di stabilire un monopolio sull’intera comunità.Le scene in cui il corpo di Laura viene scoperto e identificato sono giustapposte agli sforzi di Horne per vendere letteralmente la comunità di Twin Peaks ad una collezione di avidi investitori della Scandanavia. C’è un’ironica giustapposizione della bugia che Horne sta vendendo e la verità che Truman sta scoprendo, ma c’è anche la sensazione di quanto sia fondamentale l’atto del commercio per Twin Peaks .)

Tuttavia, mentre Lynch e Frost fanno uno sforzo cosciente per legare Twin Peaks alla mitologia di frontiera americana, un tema che svilupperanno ulteriormente nella stagione a venire, Northwest Passage evoca consapevolmente la nostalgia per l’americana della metà del XX secolo.

Tuttavia, evocano il ricordo degli idoli degli anni Cinquanta, con le loro giacche di pelle e le loro moto. L’americana degli anni Cinquanta permea Twin Peaks ; il riferimento a “Gary Cooper” , il fatto che Dale Cooper sembra essere uscito da Dragnet , l’enfasi sul piccolo ristorante, un bar biker dove i punk più duri della città ascoltano il sogno dei sogni di Julee Cruise, il coprifuoco a tarda notte e i bambini che lo ignorano di soppiatto, lo sceriffo di nome “Harry S. Truman”. Cooper sbuffa nel suo registratore, “Non dovrebbe essere troppo difficile ricordarlo.”

Questo è tutto il materiale che interessa a Lynch, un riflesso delle stesse preoccupazioni che ricordano Blue Velvet . Lynch è molto impegnato con la memoria in una versione immaginaria degli anni Cinquanta, e giustapponendo quella fantasia romantica contro gli orrori che stavano avvenendo sotto la superficie.

Nel corso delle prossime due stagioni, Cooper scopre inevitabilmente che Twin Peaks non è così idilliaco come sembra. Northwest Passage è un episodio televisivo che è invecchiato molto bene, uno che cattura una dinamica contraddittoria intrigante e avvincente all’interno della psiche americana. Nella cultura popolare americana, la cittadina è valorizzata e idealizzata, romanticizzata e resa immortale. La città di Twin Peaks si sente come il tipo di comunità evocato nei dipinti di Norman Rockwell o in “Main Street USA” della Disney. È una fantasia, evocata dalla nostalgia collettiva.

Tuttavia, questo desiderio è complicato da una paura radicata. C’è sempre l’ansia che qualcosa di oscuro e deformato si celi nel cuore di questa idilliaca immagine di cittadina, sepolta sotto la bella facciata. Le scene d’apertura di Twin Peaks giustappongono Josie Packard che si trucca con la scoperta del corpo di Laura Palmer. “È morta. Avvolta nella plastica. “Queste scene di apertura si sono trasformate nel cuore di Twin Peaks , la paura che ci sia qualcosa di morto e in putrefazione sotto una facciata di plastica, qualcosa di decadente, corrosivo e insopportabile.

Come moltissimo della cultura pop americana, Twin Peaks è innamorato della piccola città americana. Ha anche paura di ciò che potrebbe essere in agguato nel suo nucleo.

Avengers: Infinity War – Recensione (senza spoiler)

Il Marvel Cinematic Universe è una serie televisiva di grande successo che pubblica solo tre o quattro film in un determinato anno.

Ci sono molte prove a sostegno di questo argomento, in particolare i registi scelti per la “fase due” del grande esperimento. Joss Whedon ha diretto Serenity e Much Ado About Nothing , ma è rimasto famoso per il suo lavoro rivoluzionario in serie televisive come Buffy: The Vampire Slayer , Angel , Firefly e Dollhouse .

Chiamare i fratelli Russo da Community per dirigere Captain America: The Winter Soldier ha cementato la nozione.

Infatti, l’elevazione dei Fratelli Russo all’interno della gerarchia dei Marvel Studios con Capitan America: Civil War e con Avengers: Infinity War suggerisce le ovvie somiglianze tra la gestione della tentacolare continuità dell’universo cinematografico condiviso e la gestione quotidiana di una serie televisiva, dove le singole puntate possono essere accreditate ai singoli autori, ma è anche importante mantenere la coerenza di tono e visione su tutta la linea. Infinity War suggerisce il tipo di abilità organizzativa associata alla narrativa televisiva di lunga durata più di ogni singola narrativa cinematografica.

Ci sono momenti in cui questo approccio funziona. Infinity War è piena di richiami, allusioni e riferimenti. C’è un senso di set-up per certi archi seminati nei diciotto film precedenti all’interno del marchio Marvel. I personaggi hanno delle scene emotive che sfruttano relazioni e dinamiche prestabilite, che sono chiaramente articolate all’interno dei loro film. C’è quindi un senso che Infinity War non sarebbe possibile senza lo stile televisivo dello storytelling.

Allo stesso tempo, ci sono dei richiami ai limiti di questo approccio, alle difficoltà di bilanciare le singole storie con un piano più ampio per l’universo narrativo in cui si svolgono. Ciò è particolarmente notevole perché i Marvel Studios si sono recentemente spostati verso un approccio più favorevole al regista in alcune delle sue produzioni indipendenti. Guardiani della Galassia e Guardiani della Galassia, vol. 2 sono entrambe innegabilmente produzioni di James Gunn. Black Panther poteva dirigerlo solo Ryan Coogler. Thor: Ragnarok ha funzionato grazie allo stile registico unico di Taika Waititi.

Guardando Infinity War , diventa chiaro fino a che punto questi registi hanno deviato da uno stile stabilito e dalla differenza di approccio per permettere ai Fratelli Russo di fare un buon lavoro.  Infinity War sembra sia stato costruito da persone che hanno guardato quei film, senza capire perché hanno funzionato altrettanto bene. C’è un disagio tonale quando questi personaggi si incontrano nell’universo che condividono, facendolo sembrare quasi forzato piuttosto che fondamentale.

Infinity War è divertente, pulito. Forse troppo bello e troppo pulito. Tutto ciò che potrebbe generare attriti è stato eliminato, creando l’impressione di un motore di narrazione molto fluido e molto funzionale. A metà del film, Thor riflette sull’esistenza del fato e su come lo abbia condotto verso questo particolare momento e oltre a uno scopo più grande. Il dottor Steven Strange percepisce un singolo lieto fine a questa crisi.

C’è la sensazione che Thor e Strange percepiscano la vasta macchina narrativa di Infinity War che agisce intorno a loro. È una macchina impressionante, anche se inumana.

Se il Marvel Cinematic Universe potesse essere descritto come una serie televisiva, vale la pena chiedersi quali serie televisive. Infinity War suggerisce una risposta interessante, posizionando efficacemente il Marvel Cinematic Universe come una versione PG-13 di Game of Thrones . Le similitudini sono notevoli: un universo facilmente diviso in regni e regni, ciascuno con i propri centri di potere; forze misteriose e inquietanti che si muovono nell’oscurità; magia e razionalità in conflitto tra loro. Personaggi come T’Challa e Steven Strange si sarebbero certamente sentiti a casa a Westeros, re e stregoni.

Naturalmente, questa non è la prima volta che l’Universo Marvel è stato modellato sull’amata storia fantasy di George RR Martin. Game of Thrones ha avuto un’influenza notevole sulla recente gestione su carta di Jonathan Hickman su Avengers e New Avengers , che si è concentrata sui poteri e sui principati dell’universo Marvel condiviso, sul complotto di re e leader di fronte all’orrenda inevitabilità. La gestione di Hickman prese in prestito dalla lingua e dall’iconografia di Game of Thrones , con riferimenti alla “ruota” e alla “moralità di un re”.

La gestion di Hickman ha avuto un’influenza importante su questo palcoscenico dell’universo cinematografico Marvel, come dimostrato da tutto, dai temi centrali di Black Panther alla prima battuta di T’Challa fino a Ulysses Klaw nello stesso film. L’influenza di Hickman è dappertutto in Infinity War . Gli scagnozzi di Thanos sono tratti dalle pagine della sua saga intitolata Infinity , insieme a scene specifiche come la tortura di Ebony Maw a Stephen Strange e l’attacco a Wakanda per assicurare l’ultima delle gemme dell’Infinito.

Infinity War si struttura in maniera molto simile a Game of Thrones . Il film esamina un universo incredibilmente vasto, spesso aiutando il pubblico in questa navigazione attraverso titoli che aiutano la transizione tra luoghi come “Scozia” , “Wakanda” e “Spazio”. Come per Game of Thrones , il cast è diffuso in questo vasto universo, separati gli uni dagli altri e gettati insieme in una varietà di combinazioni intriganti.

Questo non è irriverente. Non c’è niente di sbagliato in questo tipo di narrazione, o il brivido che offre. Non c’è un modo giusto per apprezzare l’arte, dopotutto, e c’è qualcosa da dire su come Infinity War sia consapevole di sé nel mettere insieme questi personaggi e lasciarli giocare l’un l’altro.

 

Infinity War però non riesce mai a comunicare un costo umano per la distruzione causata da Thanos. Anche se Infinity War presenta l’obbligatorio “buco nel cielo sopra New York City” che sembra essere previsto per qualsiasi successone del ventunesimo secolo, la distruzione urbana è ridotta al minimo. “Evacua tre blocchi e avvisa i primi soccorritori”, Stark istruisce la sua intelligenza artificiale. E finisce là.

Film come The Avengers sono stati accusati di essere eccessivi nella loro rappresentazione della distruzione urbana, mostrando distruzione ovunque. Joss Whedon si concentrò sui suoi personaggi che assistono i civili durante le sequenze d’azione su larga scala di Avengers: Age of Ultron , ma c’è la sensazione che i moderni film sui supereroi abbiano paura di esplorare le conseguenze dell’uso di tale forza sulle aree urbane popolate. Questo è il motivo per cui lo scontro durante Civil War avviene in un aeroporto vuoto, e Black Panther combatte in una pianura.

Tuttavia, questo riduce i resoconti della barbarie e della brutalità di Thanos all’esposizione accademica e alle semplici statistiche. Al pubblico è permesso di assistere a un massacro commesso dal cattivo, ma la maggior parte delle sequenze d’azione del film sono ambientate in spazi aperti con un minimo di potenziale danno collaterale; una stazione spaziale bruciata, un mondo morto, una nave spaziale vuota, l’aperta campagna, una stazione ferroviaria molto tranquilla. Infinity War sembra svolgersi in un universo fatto di cartone e immagini generate al computer; dove l’infrastruttura non esiste per i civili, ma per i supereroi da distruggere.

Thanos è un personaggio interessante, anche se ha una creazione profondamente errata. Nell’ultimo periodo ho notato che Marvel Studios sta affrontando non pochi problemi cercando di portare dei cattivi convincenti sul grande schermo. A causa della complicata contrattazione contrattuale dei loro personaggi popolari durante gli anni ’90, molti dei cattivi più popolari e amati della compagnia sono ospitati in studi concorrenti. Magneto e Doctor Doom sono a casa alla Fox. The Green Goblin, Doctor Octopus, Venom e Carnage sono di Sony.

Per essere onesti, i Marvel Studios sono riusciti occasionalmente a produrre antagonisti convincenti.

Gli spettacoli di Netflix hanno svolto un lavoro particolarmente buono nello sviluppo di antagonisti complessi e sfaccettati; Wilson Fisk di Vincent D’Onofrio, Kilgrave di David Tennant, Cornell Stokes di Mahershala Ali, Mariah Dillard di Alfre Woodard. Per quanto riguarda il lato cinematografico dell’universo condiviso, il Loki di Tom Hiddleston e il Kilmonger di Michael B. Jordan si ergono a testa alta sopra la folla.

Tuttavia, questi sono l’eccezione piuttosto che la regola. Un po’ zoppicanti dal fatto che questi personaggi non hanno una lista di cattivi, i film della Marvel tendono a dividere i loro cattivi in ​​tre archetipi di base: l’avido iper-capitalista, il megalomane assetato di potere o l’onnipotente nichilista. L’avido dirigente è rappresentato da Obidiah Stane di Jeff Bridge in Iron Man , Adrian Toomes di Michael Keaton in Spider-Man: Homecoming o Darren Cross di Corey Stoll in Ant Man .

Il megalomane assetato di potere e l’onnipotente nichilista operano su una scala. Alexander Pierce di Robert Redford di The Winter Soldier si posiziona a un estremo, mentre all’estremo opposto si trova Malekith the Maled da The Dark World di Christopher Eccleston . L’Ego di Kurt Russell da Guardians of the Galaxy, vol. 2  vuole distruggere tutta la vita nell’universo e sostituirla con se stesso, mentre Hela di Ragnarok progetta di condurre un esercito di nonmorti per conquistare l’universo.

Mentre la qualità varia caso per caso, questi sono difficilmente i cattivi più stimolanti dei film sui fumetti. Ovviamente, ciò rende stranamente appropriato che Thanos si posizioni come capo in cima all’algoritmo di classificazione del male del Marvel Cinematic Universe.

Tuttavia, Thanos è forse la vera incarnazione della megalomania nichilista, e si arrampica prontamente in cima a questa piramide dei criminali dell’Universo Cinematografico Marvel attraverso pura forza di volontà. Il personaggio è stato creato dallo scrittore e artista Jim Starlin, che ha curato il personaggio per gran parte della sua esistenza. In effetti, anche dopo che la popolarità del personaggio esplose in seguito alle apparizioni su The Avengers e Guardians of the Galaxy e altri scrittori iniziarono a concentrarsi su Thanos, a Starlin è stato generalmente permesso di continuare a scrivere la sua idealizzata iterazione del cattivo.

Thanos è uno dei cattivi più iconici e distintivi del pantheon Marvel, certamente tra quelli disponibili ai Marvel Studios. Parte di questo è il semplice visual, un grande uomo corpulento color porpora che viene spesso visto cavalcare nel tempo e nello spazio su di una poltrona. Parte di questo è dovuto al modo con cui Jim Starlin ha sviluppato e caratterizzato Thanos nel corso degli anni, dipingendo il personaggio come un poeta guerriero verboso con la propria bussola morale e una prospettiva unica. Thanos è simile a Magneto in questo modo, che è stato in gran parte rimodellato dallo scrittore Chris Claremont.

Tuttavia, la popolarità e la stima di Thanos possono essere ricondotte in gran parte a una singola storia, e le increspature che risuonano attraverso i fumetti fino ad oggi. The Infinity Gauntlet di Jim Starlin è uno dei primi fumetti evento pubblicato dalla Marvel e uno degli esempi più coerenti e interessanti del genere. Soffre di una risoluzione banale e di alcuni problemi con la logica interna, ma beneficia di un impressionante senso di scala e di una caratterizzazione interna molto forte. In quel fumetto, Thanos si propone di diventare un dio. In tal modo, cancella metà della vita nell’universo.

Infinity War è ovviamente ispirato da questo approccio al personaggio. Come nel caso delle scene e di alcuni passaggi presi in prestito dalle run di Hickman su Avengers e New Avengers , i fan dei fumetti riconosceranno specifici momenti sollevati direttamente da The Infinity Gauntlet . Thanos eredita gran parte della sua caratterizzazione da Jim Starlin, e con Infinity War che cerca di presentare il suo personaggio centrale come un antagonista più astratto e filosofico del tipo che normalmente appare in questi film.

Tuttavia, Infinity War si discosta dalla caratterizzazione di Jim Starlin in un unico aspetto chiave. Starlin ha sempre scritto Thanos come cattivo. In effetti, era sempre molto chiaro che i lunghi monologhi metafisici di Thanos erano il dialogo di un super criminale. Thanos era molto bravo con la logica e la retorica, ma sempre pronto a piegarli a suo favore. Thanos era un manipolatore e un falso, infatti i momenti migliori del personaggio  coinvolgono l’inganno e le scelte sbagliate. Thanos non era un antieroe come Magneto, né un anti-cattivo come il Dottor Destino.

L’iterazione a fumetti di Thanos era di un mostro nichilista, letteralmente innamorato della morte incarnata. Questa è certamente una motivazione molto “da fumetto” . Per quanto Infinity War abbracci l’universo condiviso, si allontana anche dall’assurdità che rende i fumetti così divertenti. Ad un certo punto in Infinity War , durante un attacco a New York, Tony avverte Peter, “Sono venuti dallo spazio per rubare le pietre magiche di un mago.” Quella frase racchiude la bizzarria  inerente allo storytelling dei fumetti, ma Infinity War va lontano dal seguirlo fino al suo estremo logico.

Quindi Infinity War si allontana dall’idea di Thanos come un cattivo perenne. Invece, il film cerca di presentare Thanos come un estremista tragico e ben motivato. Questo sembra un tentativo consapevole di incorporare la caratterizzazione che ha funzionato così bene con Magneto e Doctor Doom, due personaggi che potrebbero presto essere alla portata dell’azienda. Infinity War chiede al pubblico di prendere Thanos in parola, accettarlo come sincero nelle sue ambizioni e come un uomo che crede di agire nel più grande interesse dell’universo.

Ci sono momenti in cui questa caratterizzazione è così ridicola che il film minaccia di implodere sotto il suo stesso peso. “Stai piangendo ?!”, lo prende in giro un personaggio a un certo punto, mentre le lacrime scorrono dolcemente sul viso del gigante viola. La maggior parte del film è basata su una motivazione del personaggio che il personaggio dei fumetti ha usato come argomento retorico nel ruolo di The Infinity Gauntlet , ma Infinity War chiede al pubblico di prendere le sue intenzioni al valore nominale.

Questo crea ogni sorta di problemi con la logica interna del film. Senza essere troppo specifico, il grande piano di Thanos prevede l’assemblaggio di un dispositivo che lo eleverà allo stato di un dio con potere illimitato su concetti come spazio, tempo e realtà. Infinity War sostiene sinceramente Thanos come una figura tragica, nonostante il fatto che l’unica soluzione che può evocare ai suoi problemi sia l’omicidio di massa su scala galattica. Non funziona del tutto , il che è frustrante data la quantità di tempo che Infinity War investe in questa caratterizzazione.

Thanos è una scelta interessante di “big bad” che va in Infinity War per una ragione tematica. Jim Starlin ha ammesso che il nome del personaggio deriva da un errore nella parola “thanatos” , che significa l’impulso di morte nella teoria freudiana. Il fumetto del personaggio e le iterazioni dell’azione dal vivo sono unite dalla sua fissazione sulla morte, sebbene la versione cinematografica del personaggio non ha letteralmente quell’ossessione allo stesso grado.

Thanos rappresenta la morte e il processo di cambiamento. Ha senso che dovrebbe combattere questi personaggi in questo momento. Dopotutto, molti dei grandi nomi del cast stanno pianificando di ritirarsi e uscire gradualmente da questo universo cinematografico di supereroi . Molti di questi attori stanno raggiungendo la fine dei loro contratti e sarebbe verosimilmente proibitivo rinnovare tutti questi accordi a livelli adeguati al mercato .

Inoltre, Marvel Cinematic Universe affronta una sfida che il suo equivalente a fumetti non ha mai dovuto affrontare. Peter Parker è stato Spider-Man per oltre mezzo secolo, perché i personaggi dei fumetti non invecchiano. Tony Stark è stato ferito in Vietnam e nella Guerra del Golfo, poiché rimane un punto fisso nel tempo e la sua storia si riscrive dietro di lui.  I personaggi dei fumetti sono immortali.

Gli attori cinematografici non lo sono. Gli attori cinematografici invecchiano. Gli attori cinematografici muoiono. Robert Downey Junior ha parlato del desiderio di ritirarsi dal ruolo di Iron Man prima che diventi “imbarazzante”. I film dei fumetti devono cimentarsi con la mortalità dei loro cast. Ovviamente, storicamente, i film sui fumetti hanno aggirato questo fatto riavviando e rifondendo. Tobey Maguire ha quarantadue anni, ma ora Spider-Man è interpretato dal ventunenne Tom Holland.

Tuttavia, l’universo cinematografico Marvel presenta una sfida unica a questo riguardo. Si è impegnato in una singolare continuità condivisa, in cui il tempo passa molto chiaramente. Il team di produzione potrebbe farla franca con la rifusione di Rhodey o Banner, ma sarebbe in grado di rilanciare Tony Stark o Steve Rogers? Più precisamente, se hanno rielaborato questi personaggi usando attori più giovani, devono rifarli tutti in una volta per evitare incongruenze interne?  Questa è una vera sfida che sta affrontando l’universo cinematografico Marvel.

Di conseguenza, ha senso che Thanos sia il cattivo che affronta gli eroi in questo frangente, in un momento in cui sembra che l’Universo cinematografico Marvel possa sperare di fare la sua prima grande transizione da una generazione di eroi a quella successiva. Thanos rappresenta la morte e l’inevitabilità. È una forza di entropia nell’universo. Forse, in questo modo, ha senso che Infinity War non abbia interesse per ciò che Thanos intende per chiunque tranne i Vendicatori. Le persone normali affrontano morte e mortalità quotidianamente. I supereroi si incontrano molto raramente faccia a faccia con forze così inevitabili.

Inoltre, Infinity War lavora molto duramente per aiutare il pubblico a evitare di pensare a una qualsiasi delle sue logiche interne. Nonostante il fatto che i supereroi si siano scontrati in Civil War , probabilmente pronti a uccidersi a vicenda mentre causano ingenti danni materiali, non c’è rancore. Non contano il tempo sia trascorso nello spazio tra Civil War e Infinity War . Cosa fece Capitan America in quel periodo? Ha continuato a combattere? Ha gestito il proprio team Avengers in parallelo? Ci sono state altre schermaglie?

Infinity War sfiora tutto ciò con una singola riga da un personaggio secondario. “Sono stati un paio di anni duri”, osserva uno dei fuggiaschi al ritorno al vecchio quartier generale del gruppo. Questa è solo una parte. Non c’è alcun senso di consistenza. L’unica cosa che  il film arriva a riconoscere che qualcosa è successo nei due anni trascorsi dalla Guerra Civile è un affare clandestino tra due personaggi e il fatto che Natasha Romanov abbia cambiato il suo colore dei capelli.

Anche all’interno della stessa Infinity War , il film sottopone i suoi personaggi a orribili tormenti, solo per farli scuotere con una risata e uno scherzo. Anche dopo aver assistito alla distruzione che Thanos ha provocato, Thor è pronto a scherzare e scherzare. Promettendo di vendicarsi di Thanos, il Dio del Tuono avverte: “Non mi ha mai combattuto”. Quando un personaggio di supporto sottolinea che Thanos lo ha fatto, Thor risponde, “Non mi ha mai combattuto due volte.”

Guardando Infinity War , è difficile immaginare un film che è più chiaro di fronte a un omicidio di massa su una scala inimmaginabile. Gli orrori di Infinity War sono terrificanti, al di là di qualsiasi cosa descritta . Tuttavia, il tono non riconosce mai questi interessi o queste realtà. Parte di questo è dovuto al fatto che non c’è mai abbastanza tempo per lasciare respirare questi momenti, ma parte di ciò dipende dall’implacabile insistenza di essere sempre ironici, divertenti e tranquilli.

C’è qualcosa di lievemente deludente nel fatto che Thor abbia ottenuto uno shock culturale molto più sconvolgente e interessante quando e’ arrivato su Sakaar in Ragnarok rispetto a quando ha affrontato un racoon parlante ( “coniglio” ) in Infinity War . Questo è un film che attraversa il golfo dello spazio e del tempo, la mitologia e la fantascienza. La gestione del tono è impressionante, ma c’è qualcosa da dire che manca nel calibrarlo con cura e con una giustapposizione netta che Infinity War non ha mai tirato fuori.

Infinity War fa ciò che si propone di fare e lo fa in modo piacevole e divertente. Il film si muove rapidamente attraverso il suo tempo di esecuzione.

Forse un po’ troppo leggero.