Avengers: Infinity War – Recensione (senza spoiler)

Il Marvel Cinematic Universe è una serie televisiva di grande successo che pubblica solo tre o quattro film in un determinato anno.

Ci sono molte prove a sostegno di questo argomento, in particolare i registi scelti per la “fase due” del grande esperimento. Joss Whedon ha diretto Serenity e Much Ado About Nothing , ma è rimasto famoso per il suo lavoro rivoluzionario in serie televisive come Buffy: The Vampire Slayer , Angel , Firefly e Dollhouse .

Chiamare i fratelli Russo da Community per dirigere Captain America: The Winter Soldier ha cementato la nozione.

Infatti, l’elevazione dei Fratelli Russo all’interno della gerarchia dei Marvel Studios con Capitan America: Civil War e con Avengers: Infinity War suggerisce le ovvie somiglianze tra la gestione della tentacolare continuità dell’universo cinematografico condiviso e la gestione quotidiana di una serie televisiva, dove le singole puntate possono essere accreditate ai singoli autori, ma è anche importante mantenere la coerenza di tono e visione su tutta la linea. Infinity War suggerisce il tipo di abilità organizzativa associata alla narrativa televisiva di lunga durata più di ogni singola narrativa cinematografica.

Ci sono momenti in cui questo approccio funziona. Infinity War è piena di richiami, allusioni e riferimenti. C’è un senso di set-up per certi archi seminati nei diciotto film precedenti all’interno del marchio Marvel. I personaggi hanno delle scene emotive che sfruttano relazioni e dinamiche prestabilite, che sono chiaramente articolate all’interno dei loro film. C’è quindi un senso che Infinity War non sarebbe possibile senza lo stile televisivo dello storytelling.

Allo stesso tempo, ci sono dei richiami ai limiti di questo approccio, alle difficoltà di bilanciare le singole storie con un piano più ampio per l’universo narrativo in cui si svolgono. Ciò è particolarmente notevole perché i Marvel Studios si sono recentemente spostati verso un approccio più favorevole al regista in alcune delle sue produzioni indipendenti. Guardiani della Galassia e Guardiani della Galassia, vol. 2 sono entrambe innegabilmente produzioni di James Gunn. Black Panther poteva dirigerlo solo Ryan Coogler. Thor: Ragnarok ha funzionato grazie allo stile registico unico di Taika Waititi.

Guardando Infinity War , diventa chiaro fino a che punto questi registi hanno deviato da uno stile stabilito e dalla differenza di approccio per permettere ai Fratelli Russo di fare un buon lavoro.  Infinity War sembra sia stato costruito da persone che hanno guardato quei film, senza capire perché hanno funzionato altrettanto bene. C’è un disagio tonale quando questi personaggi si incontrano nell’universo che condividono, facendolo sembrare quasi forzato piuttosto che fondamentale.

Infinity War è divertente, pulito. Forse troppo bello e troppo pulito. Tutto ciò che potrebbe generare attriti è stato eliminato, creando l’impressione di un motore di narrazione molto fluido e molto funzionale. A metà del film, Thor riflette sull’esistenza del fato e su come lo abbia condotto verso questo particolare momento e oltre a uno scopo più grande. Il dottor Steven Strange percepisce un singolo lieto fine a questa crisi.

C’è la sensazione che Thor e Strange percepiscano la vasta macchina narrativa di Infinity War che agisce intorno a loro. È una macchina impressionante, anche se inumana.

Se il Marvel Cinematic Universe potesse essere descritto come una serie televisiva, vale la pena chiedersi quali serie televisive. Infinity War suggerisce una risposta interessante, posizionando efficacemente il Marvel Cinematic Universe come una versione PG-13 di Game of Thrones . Le similitudini sono notevoli: un universo facilmente diviso in regni e regni, ciascuno con i propri centri di potere; forze misteriose e inquietanti che si muovono nell’oscurità; magia e razionalità in conflitto tra loro. Personaggi come T’Challa e Steven Strange si sarebbero certamente sentiti a casa a Westeros, re e stregoni.

Naturalmente, questa non è la prima volta che l’Universo Marvel è stato modellato sull’amata storia fantasy di George RR Martin. Game of Thrones ha avuto un’influenza notevole sulla recente gestione su carta di Jonathan Hickman su Avengers e New Avengers , che si è concentrata sui poteri e sui principati dell’universo Marvel condiviso, sul complotto di re e leader di fronte all’orrenda inevitabilità. La gestione di Hickman prese in prestito dalla lingua e dall’iconografia di Game of Thrones , con riferimenti alla “ruota” e alla “moralità di un re”.

La gestion di Hickman ha avuto un’influenza importante su questo palcoscenico dell’universo cinematografico Marvel, come dimostrato da tutto, dai temi centrali di Black Panther alla prima battuta di T’Challa fino a Ulysses Klaw nello stesso film. L’influenza di Hickman è dappertutto in Infinity War . Gli scagnozzi di Thanos sono tratti dalle pagine della sua saga intitolata Infinity , insieme a scene specifiche come la tortura di Ebony Maw a Stephen Strange e l’attacco a Wakanda per assicurare l’ultima delle gemme dell’Infinito.

Infinity War si struttura in maniera molto simile a Game of Thrones . Il film esamina un universo incredibilmente vasto, spesso aiutando il pubblico in questa navigazione attraverso titoli che aiutano la transizione tra luoghi come “Scozia” , “Wakanda” e “Spazio”. Come per Game of Thrones , il cast è diffuso in questo vasto universo, separati gli uni dagli altri e gettati insieme in una varietà di combinazioni intriganti.

Questo non è irriverente. Non c’è niente di sbagliato in questo tipo di narrazione, o il brivido che offre. Non c’è un modo giusto per apprezzare l’arte, dopotutto, e c’è qualcosa da dire su come Infinity War sia consapevole di sé nel mettere insieme questi personaggi e lasciarli giocare l’un l’altro.

 

Infinity War però non riesce mai a comunicare un costo umano per la distruzione causata da Thanos. Anche se Infinity War presenta l’obbligatorio “buco nel cielo sopra New York City” che sembra essere previsto per qualsiasi successone del ventunesimo secolo, la distruzione urbana è ridotta al minimo. “Evacua tre blocchi e avvisa i primi soccorritori”, Stark istruisce la sua intelligenza artificiale. E finisce là.

Film come The Avengers sono stati accusati di essere eccessivi nella loro rappresentazione della distruzione urbana, mostrando distruzione ovunque. Joss Whedon si concentrò sui suoi personaggi che assistono i civili durante le sequenze d’azione su larga scala di Avengers: Age of Ultron , ma c’è la sensazione che i moderni film sui supereroi abbiano paura di esplorare le conseguenze dell’uso di tale forza sulle aree urbane popolate. Questo è il motivo per cui lo scontro durante Civil War avviene in un aeroporto vuoto, e Black Panther combatte in una pianura.

Tuttavia, questo riduce i resoconti della barbarie e della brutalità di Thanos all’esposizione accademica e alle semplici statistiche. Al pubblico è permesso di assistere a un massacro commesso dal cattivo, ma la maggior parte delle sequenze d’azione del film sono ambientate in spazi aperti con un minimo di potenziale danno collaterale; una stazione spaziale bruciata, un mondo morto, una nave spaziale vuota, l’aperta campagna, una stazione ferroviaria molto tranquilla. Infinity War sembra svolgersi in un universo fatto di cartone e immagini generate al computer; dove l’infrastruttura non esiste per i civili, ma per i supereroi da distruggere.

Thanos è un personaggio interessante, anche se ha una creazione profondamente errata. Nell’ultimo periodo ho notato che Marvel Studios sta affrontando non pochi problemi cercando di portare dei cattivi convincenti sul grande schermo. A causa della complicata contrattazione contrattuale dei loro personaggi popolari durante gli anni ’90, molti dei cattivi più popolari e amati della compagnia sono ospitati in studi concorrenti. Magneto e Doctor Doom sono a casa alla Fox. The Green Goblin, Doctor Octopus, Venom e Carnage sono di Sony.

Per essere onesti, i Marvel Studios sono riusciti occasionalmente a produrre antagonisti convincenti.

Gli spettacoli di Netflix hanno svolto un lavoro particolarmente buono nello sviluppo di antagonisti complessi e sfaccettati; Wilson Fisk di Vincent D’Onofrio, Kilgrave di David Tennant, Cornell Stokes di Mahershala Ali, Mariah Dillard di Alfre Woodard. Per quanto riguarda il lato cinematografico dell’universo condiviso, il Loki di Tom Hiddleston e il Kilmonger di Michael B. Jordan si ergono a testa alta sopra la folla.

Tuttavia, questi sono l’eccezione piuttosto che la regola. Un po’ zoppicanti dal fatto che questi personaggi non hanno una lista di cattivi, i film della Marvel tendono a dividere i loro cattivi in ​​tre archetipi di base: l’avido iper-capitalista, il megalomane assetato di potere o l’onnipotente nichilista. L’avido dirigente è rappresentato da Obidiah Stane di Jeff Bridge in Iron Man , Adrian Toomes di Michael Keaton in Spider-Man: Homecoming o Darren Cross di Corey Stoll in Ant Man .

Il megalomane assetato di potere e l’onnipotente nichilista operano su una scala. Alexander Pierce di Robert Redford di The Winter Soldier si posiziona a un estremo, mentre all’estremo opposto si trova Malekith the Maled da The Dark World di Christopher Eccleston . L’Ego di Kurt Russell da Guardians of the Galaxy, vol. 2  vuole distruggere tutta la vita nell’universo e sostituirla con se stesso, mentre Hela di Ragnarok progetta di condurre un esercito di nonmorti per conquistare l’universo.

Mentre la qualità varia caso per caso, questi sono difficilmente i cattivi più stimolanti dei film sui fumetti. Ovviamente, ciò rende stranamente appropriato che Thanos si posizioni come capo in cima all’algoritmo di classificazione del male del Marvel Cinematic Universe.

Tuttavia, Thanos è forse la vera incarnazione della megalomania nichilista, e si arrampica prontamente in cima a questa piramide dei criminali dell’Universo Cinematografico Marvel attraverso pura forza di volontà. Il personaggio è stato creato dallo scrittore e artista Jim Starlin, che ha curato il personaggio per gran parte della sua esistenza. In effetti, anche dopo che la popolarità del personaggio esplose in seguito alle apparizioni su The Avengers e Guardians of the Galaxy e altri scrittori iniziarono a concentrarsi su Thanos, a Starlin è stato generalmente permesso di continuare a scrivere la sua idealizzata iterazione del cattivo.

Thanos è uno dei cattivi più iconici e distintivi del pantheon Marvel, certamente tra quelli disponibili ai Marvel Studios. Parte di questo è il semplice visual, un grande uomo corpulento color porpora che viene spesso visto cavalcare nel tempo e nello spazio su di una poltrona. Parte di questo è dovuto al modo con cui Jim Starlin ha sviluppato e caratterizzato Thanos nel corso degli anni, dipingendo il personaggio come un poeta guerriero verboso con la propria bussola morale e una prospettiva unica. Thanos è simile a Magneto in questo modo, che è stato in gran parte rimodellato dallo scrittore Chris Claremont.

Tuttavia, la popolarità e la stima di Thanos possono essere ricondotte in gran parte a una singola storia, e le increspature che risuonano attraverso i fumetti fino ad oggi. The Infinity Gauntlet di Jim Starlin è uno dei primi fumetti evento pubblicato dalla Marvel e uno degli esempi più coerenti e interessanti del genere. Soffre di una risoluzione banale e di alcuni problemi con la logica interna, ma beneficia di un impressionante senso di scala e di una caratterizzazione interna molto forte. In quel fumetto, Thanos si propone di diventare un dio. In tal modo, cancella metà della vita nell’universo.

Infinity War è ovviamente ispirato da questo approccio al personaggio. Come nel caso delle scene e di alcuni passaggi presi in prestito dalle run di Hickman su Avengers e New Avengers , i fan dei fumetti riconosceranno specifici momenti sollevati direttamente da The Infinity Gauntlet . Thanos eredita gran parte della sua caratterizzazione da Jim Starlin, e con Infinity War che cerca di presentare il suo personaggio centrale come un antagonista più astratto e filosofico del tipo che normalmente appare in questi film.

Tuttavia, Infinity War si discosta dalla caratterizzazione di Jim Starlin in un unico aspetto chiave. Starlin ha sempre scritto Thanos come cattivo. In effetti, era sempre molto chiaro che i lunghi monologhi metafisici di Thanos erano il dialogo di un super criminale. Thanos era molto bravo con la logica e la retorica, ma sempre pronto a piegarli a suo favore. Thanos era un manipolatore e un falso, infatti i momenti migliori del personaggio  coinvolgono l’inganno e le scelte sbagliate. Thanos non era un antieroe come Magneto, né un anti-cattivo come il Dottor Destino.

L’iterazione a fumetti di Thanos era di un mostro nichilista, letteralmente innamorato della morte incarnata. Questa è certamente una motivazione molto “da fumetto” . Per quanto Infinity War abbracci l’universo condiviso, si allontana anche dall’assurdità che rende i fumetti così divertenti. Ad un certo punto in Infinity War , durante un attacco a New York, Tony avverte Peter, “Sono venuti dallo spazio per rubare le pietre magiche di un mago.” Quella frase racchiude la bizzarria  inerente allo storytelling dei fumetti, ma Infinity War va lontano dal seguirlo fino al suo estremo logico.

Quindi Infinity War si allontana dall’idea di Thanos come un cattivo perenne. Invece, il film cerca di presentare Thanos come un estremista tragico e ben motivato. Questo sembra un tentativo consapevole di incorporare la caratterizzazione che ha funzionato così bene con Magneto e Doctor Doom, due personaggi che potrebbero presto essere alla portata dell’azienda. Infinity War chiede al pubblico di prendere Thanos in parola, accettarlo come sincero nelle sue ambizioni e come un uomo che crede di agire nel più grande interesse dell’universo.

Ci sono momenti in cui questa caratterizzazione è così ridicola che il film minaccia di implodere sotto il suo stesso peso. “Stai piangendo ?!”, lo prende in giro un personaggio a un certo punto, mentre le lacrime scorrono dolcemente sul viso del gigante viola. La maggior parte del film è basata su una motivazione del personaggio che il personaggio dei fumetti ha usato come argomento retorico nel ruolo di The Infinity Gauntlet , ma Infinity War chiede al pubblico di prendere le sue intenzioni al valore nominale.

Questo crea ogni sorta di problemi con la logica interna del film. Senza essere troppo specifico, il grande piano di Thanos prevede l’assemblaggio di un dispositivo che lo eleverà allo stato di un dio con potere illimitato su concetti come spazio, tempo e realtà. Infinity War sostiene sinceramente Thanos come una figura tragica, nonostante il fatto che l’unica soluzione che può evocare ai suoi problemi sia l’omicidio di massa su scala galattica. Non funziona del tutto , il che è frustrante data la quantità di tempo che Infinity War investe in questa caratterizzazione.

Thanos è una scelta interessante di “big bad” che va in Infinity War per una ragione tematica. Jim Starlin ha ammesso che il nome del personaggio deriva da un errore nella parola “thanatos” , che significa l’impulso di morte nella teoria freudiana. Il fumetto del personaggio e le iterazioni dell’azione dal vivo sono unite dalla sua fissazione sulla morte, sebbene la versione cinematografica del personaggio non ha letteralmente quell’ossessione allo stesso grado.

Thanos rappresenta la morte e il processo di cambiamento. Ha senso che dovrebbe combattere questi personaggi in questo momento. Dopotutto, molti dei grandi nomi del cast stanno pianificando di ritirarsi e uscire gradualmente da questo universo cinematografico di supereroi . Molti di questi attori stanno raggiungendo la fine dei loro contratti e sarebbe verosimilmente proibitivo rinnovare tutti questi accordi a livelli adeguati al mercato .

Inoltre, Marvel Cinematic Universe affronta una sfida che il suo equivalente a fumetti non ha mai dovuto affrontare. Peter Parker è stato Spider-Man per oltre mezzo secolo, perché i personaggi dei fumetti non invecchiano. Tony Stark è stato ferito in Vietnam e nella Guerra del Golfo, poiché rimane un punto fisso nel tempo e la sua storia si riscrive dietro di lui.  I personaggi dei fumetti sono immortali.

Gli attori cinematografici non lo sono. Gli attori cinematografici invecchiano. Gli attori cinematografici muoiono. Robert Downey Junior ha parlato del desiderio di ritirarsi dal ruolo di Iron Man prima che diventi “imbarazzante”. I film dei fumetti devono cimentarsi con la mortalità dei loro cast. Ovviamente, storicamente, i film sui fumetti hanno aggirato questo fatto riavviando e rifondendo. Tobey Maguire ha quarantadue anni, ma ora Spider-Man è interpretato dal ventunenne Tom Holland.

Tuttavia, l’universo cinematografico Marvel presenta una sfida unica a questo riguardo. Si è impegnato in una singolare continuità condivisa, in cui il tempo passa molto chiaramente. Il team di produzione potrebbe farla franca con la rifusione di Rhodey o Banner, ma sarebbe in grado di rilanciare Tony Stark o Steve Rogers? Più precisamente, se hanno rielaborato questi personaggi usando attori più giovani, devono rifarli tutti in una volta per evitare incongruenze interne?  Questa è una vera sfida che sta affrontando l’universo cinematografico Marvel.

Di conseguenza, ha senso che Thanos sia il cattivo che affronta gli eroi in questo frangente, in un momento in cui sembra che l’Universo cinematografico Marvel possa sperare di fare la sua prima grande transizione da una generazione di eroi a quella successiva. Thanos rappresenta la morte e l’inevitabilità. È una forza di entropia nell’universo. Forse, in questo modo, ha senso che Infinity War non abbia interesse per ciò che Thanos intende per chiunque tranne i Vendicatori. Le persone normali affrontano morte e mortalità quotidianamente. I supereroi si incontrano molto raramente faccia a faccia con forze così inevitabili.

Inoltre, Infinity War lavora molto duramente per aiutare il pubblico a evitare di pensare a una qualsiasi delle sue logiche interne. Nonostante il fatto che i supereroi si siano scontrati in Civil War , probabilmente pronti a uccidersi a vicenda mentre causano ingenti danni materiali, non c’è rancore. Non contano il tempo sia trascorso nello spazio tra Civil War e Infinity War . Cosa fece Capitan America in quel periodo? Ha continuato a combattere? Ha gestito il proprio team Avengers in parallelo? Ci sono state altre schermaglie?

Infinity War sfiora tutto ciò con una singola riga da un personaggio secondario. “Sono stati un paio di anni duri”, osserva uno dei fuggiaschi al ritorno al vecchio quartier generale del gruppo. Questa è solo una parte. Non c’è alcun senso di consistenza. L’unica cosa che  il film arriva a riconoscere che qualcosa è successo nei due anni trascorsi dalla Guerra Civile è un affare clandestino tra due personaggi e il fatto che Natasha Romanov abbia cambiato il suo colore dei capelli.

Anche all’interno della stessa Infinity War , il film sottopone i suoi personaggi a orribili tormenti, solo per farli scuotere con una risata e uno scherzo. Anche dopo aver assistito alla distruzione che Thanos ha provocato, Thor è pronto a scherzare e scherzare. Promettendo di vendicarsi di Thanos, il Dio del Tuono avverte: “Non mi ha mai combattuto”. Quando un personaggio di supporto sottolinea che Thanos lo ha fatto, Thor risponde, “Non mi ha mai combattuto due volte.”

Guardando Infinity War , è difficile immaginare un film che è più chiaro di fronte a un omicidio di massa su una scala inimmaginabile. Gli orrori di Infinity War sono terrificanti, al di là di qualsiasi cosa descritta . Tuttavia, il tono non riconosce mai questi interessi o queste realtà. Parte di questo è dovuto al fatto che non c’è mai abbastanza tempo per lasciare respirare questi momenti, ma parte di ciò dipende dall’implacabile insistenza di essere sempre ironici, divertenti e tranquilli.

C’è qualcosa di lievemente deludente nel fatto che Thor abbia ottenuto uno shock culturale molto più sconvolgente e interessante quando e’ arrivato su Sakaar in Ragnarok rispetto a quando ha affrontato un racoon parlante ( “coniglio” ) in Infinity War . Questo è un film che attraversa il golfo dello spazio e del tempo, la mitologia e la fantascienza. La gestione del tono è impressionante, ma c’è qualcosa da dire che manca nel calibrarlo con cura e con una giustapposizione netta che Infinity War non ha mai tirato fuori.

Infinity War fa ciò che si propone di fare e lo fa in modo piacevole e divertente. Il film si muove rapidamente attraverso il suo tempo di esecuzione.

Forse un po’ troppo leggero.

Doctor Who: Twice Upon a Time – La recensione

Twice Upon a Time è il saluto di Peter Capaldi e Steven Moffat…e forse anche di Murray Gold.

Il Natale è un momento di indulgenza, e questi tipi di addii si prestano a un certo senso di autocompiacimento e celebrazione. Davies ha reso intrigante e grandioso The End of Time, Part I e The End of Time, Parte II e Twice Upon a Time fa qualcosa di simile, anche se nello stile di Steven Moffat. In un certo senso, questo sembra un modo appropriato per dire addio al ruolo di Steven Moffat come showrunner su Doctor Who , per far calare il sipario su sei stagioni (e quasi otto anni) che radicalmente hanno ridefinito ciò che il programma potrebbe (e anche dovrebbe) essere. Twice Upon a Time è un’indulgenza natalizia, ma si sente meritato. È un’avventura che non ha realmente bisogno di esistere e che accetta quella premessa come punto di partenza. È un episodio che balla attorno all’inevitabile. Non è particolarmente grazioso, ma è comunque affascinante.

L’aspetto più sorprendente di Twice Upon a Time è che l’episodio non ha motivo di esistere. L’intera stagione finale di Peter Capaldi sembra il canto del cigno di Moffat, una storyline molto tranquilla che aspetta l’inevitabile passaggio al suo successore e, molto probabilmente, dove gia lo showrunner ha racchiuso tutto ciò che avrebbe voluto dire sul Dottore e su Doctor Who in Heaven Sent e Hell Bent alla fine del penultimo anno di Capaldi, resuscitando Gallifrey e riportando la serie agli albori.

Tuttavia, Twice Upon a Time esiste per colmare una lacuna tra quella che sembrerebbe essere l’ultima storia dell’era Moffat e la prima storia dell’era Chibnell. Per certi aspetti, come per l’insieme della stagione precedente, esiste come un obbligo. Esiste in modo che Moffat possa permettere al suo successore il tempo necessario per dare una direzione alla serie, e per mettere un adeguato team di produzione. Davies ha fatto qualcosa di simile per Moffat, producendo un anno di speciali stagionali progettati per dare tempo al suo successore di capire cosa voleva che Doctor Who diventasse.

In qualche modo, quindi, Twice Upon a Time rappresenta il culmine di uno dei lasciti più intriganti di Moffat. Quando Davies ha fatto risorgere Doctor Who , ha definito lo spettacolo come evento televisivo. Davies strutturò le sue stagioni in modo tale da costruirsi coscientemente gli episodi in maniera tale che convergessero verso l’episodio finale.  Davies ha trasformato con successo Doctor Who in un’appuntamento che spesso diventava un successo.

Moffat ha efficacemente alterato un sacco dei significanti epici dell’era Davies, sostenendo che questi elementi di Doctor Who non erano semplicemente dei successi da blockbuster alla fine di una stagione. Moffat sembrava suggerire che ogni aspetto di Doctor Who dovesse essere disponibile per l’uso quando e dove poteva funzionare. Lo stesso Moffat ha giocato con questa idea, stuzzicando l’infanzia del Dottore su Gallifrey in Listen , uno dei primi indipendenti della prima stagione con Peter Capaldi. Resuscitò Gallifrey in modo decisamente inaspettato in Heaven Sent e Hell Bent .

Twice Upon a Time sembra continuare questa tradizione in un numero di modi interessanti, con una serie di elementi della storia che dovrebbero contrassegnare la narrazione come “epica” o “successone”. In particolare, Twice Upon a Time è probabilmente una sovversione dell’idea dello “special multi-doctor” , mettendo da parte l’idea che Doctor Who abbia bisogno di una motivazione o giustificazione particolarmente forte per avere diverse iterazioni del personaggio che si incrociano.

Tradizionalmente, gli “special multi-doctor” sono stati riservati per i grandi anniversari o per gli speciali di beneficenza. The Three Doctor ha celebrato il decimo anniversario, The Five Doctors ha segnato il venticinquesimo anniversario e The Day of the Doctor ha segnato il quinto anniversario della nuova serie. Dimension in time e Time Crash invece possono essere degli episodi “esclusivi” per Children in Need . Come tale, Twice Upon a Time si distingue come una rara squadra tra varie iterazioni del personaggio iconico. The Two Doctors è forse l’unico altro episodio paragonabile, che dà sicuramente a Twice Upon a Time un interessante sfondo.

Inoltre , Twice Upon a Time sovverte le aspettative di una narrazione scontata. Il Primo Dottore spende la maggior parte del tempo a chiedersi se rigenerarsi o meno, il che ovviamente avrebbe implicazioni catastrofiche per l’attuale incarnazione del personaggio. Mentre la loro sovrapposizione ha alcuni strani effetti collaterali, l’impatto maggiore è la rottura di un singolo evento del viaggio nel tempo, che ha come conseguenza che capitano Archibald Hamish Lethbridge-Stewart di essere stato deviato in un viaggio di ritorno verso il momento della sua morte. È una storia sorprendentemente intima come premessa.

Inoltre, questo è molto in linea con il modo in cui Moffat si è avvicinato alla scrittura di Doctor Who , spesso modificando il concetto che hanno i fan che si aspettano e pretendono narrazioni epiche per il personaggio. Moffat ha ripetutamente ridimensionato le sue narrative di Doctor Who , allontanandosi dal tipo di distruzione apocalittica, incluso lo spettacolo prodotto dal suo diretto predecessore. In Journey’s end , Davros ha parlato sfrenatamente della “distruzione della realtà stessa” mentre preparava “la bomba della realtà”. Al contrario, il personaggio ha rimuginato piuttosto tranquillamente con il dottore in The Witch’s Familiar , spingendolo a superare i suoi difetti e sulla debolezza della compassione. Mentre qui due versioni del Dottore affrontano la loro stessa mortalità, combattono per proteggere la vita di un ufficiale solitario su un singolo campo di battaglia di una guerra da lungo tempo.

Al centro della dinamica tra il primo e il dodicesimo dottore c’è l’ansia su come ogni rigenerazione veda l’altra. Il Dodicesimo Dottore vede l’uomo che era un tempo, un uomo con visioni molto al passo con la televisione degli anni ’60. Il Dodicesimo Dottore si preoccupa chiaramente di ciò che il suo predecessore dirà di lui, in particolare quando la “Testimonianza” lo identifica come “il Dottore della Guerra”. Il finale di Twice Upon a Time offre una bella risoluzione all’arco del Dodicesimo Dottore, suggerendo che è il tipo di uomo che il Primo Dottore potrebbe sperare di essere.

La trama di Twice Upon a Time è così leggera che esiste a malapena. Il complotto nelle trame di Doctor Who è raramente ambizioso nei suoi episodi di Natale, con buone ragioni. Il Natale è un periodo in cui le famiglie possono mangiare, bere e divertirsi. Lo Speciale di Natale non può essere sovraccaricato di trama o dettagliato, perché una porzione significativa del (più ampio del solito) pubblico è sull’orlo di un sonnellino pomeridiano. Questo era vero per l’era Davies come dell’era Moffat, al punto che i  Doctor Who Christmas Specials sono concetti in gran parte semplici.

Anche secondo questi standard, sembra assurdo descrivere Twice Upon a Time come un episodio. Gioca quasi come un breve racconto esteso, una serie di idee intelligenti estese con dialoghi giocosi e buone battute. Anche le scene ambientate in Twice Upon a Time sono piuttosto scarse, come la fuga improvvisata del Dottore dalla “Testimonianza” o il viaggio attraverso le rovine di Villengard. In effetti, gli effetti speciali di Twice Upon a Time sono alquanto deludenti, persino paragonati a The Return of Doctor Mysterio .

Episodi come The Runaway Bride e Voyage of the Damned potrebbero essere considerati come un punto essenziali per le stagioni successive, ma Twice Upon a Time è un insieme di scene intrecciate nel modo più libero possibile. Twice Upon a Time è sostanzialmente tre scene: il Dottore affronta “la Testimonianza” , il Dottore visita Villengard, il Dottore restituisce il Capitano a Ypres. Queste scene sono unite da sequenze nei due TARDIS, che servono da trampolino per varie battute e scambi.

Twice Upon a Time è esplicito nel fatto che non ha una trama. Inizialmente, il quadro dell’episodio sembra abbastanza chiaro; il Dottore ha scoperto alcuni nefandi alieni che raccolgono qualcosa dai morti nei loro momenti di morte e si propone di fermarli. Tuttavia, per tutta la sua giusta rabbia e energetica ricerca, Twice Upon a Time rivela alla fine che non c’è una trama sinistra. Non c’è nessun mostro. Questo non è quel tipo di storia. È a malapena una storia. “Non è un piano malvagio” ammette il dottore. “Non so davvero cosa fare quando non è un piano malvagio.”

Naturalmente, anche la non-trama di Twice Upon a Time è piena di riferimenti alle storie di Moffat. Listen era già un episodio senza un mostro. Oltre a ciò, questo potrebbe essere visto come una leggera sovversione di uno dei modelli principali delle storie di Moffat: la tecnologia ci sfrutta facendo esattamente ciò per cui è programmato . In qualche modo, Twice Upon a Time è un compagno logico di storie come The Empty Child , The Doctor Dances , The Girl in the Fireplace , Silence in the Library e Forest of the Dead .

In modo abbastanza appropriato, Twice Upon a Time è pieno di tutti i tipi di riferimenti e di continuità, riconoscendo la sua posizione come la fine di un’era della serie. Le Forge di Villengard fanno la loro prima apparizione qui, essendo state menzionate per la prima volta in The Doctor Dances . C’è un riconoscimento del Primo Dottore che prende “la lunga strada” per arrivare al suo lontano successore, una linea di passaggio dell’era Moffat che va da The Girl in the Fireplace a The Day of the Doctor .

La recitazione di David Bradley nel personaggio è esagerata, ma giustificabile. La presenza del Primo Dottore consente a Moffat di dialogare con il passato dello spettacolo e la sua storia. Naturalmente, David Bradley non sta realmente interpretando lo stesso personaggio incarnato da William Hartnell in quei primi episodi. Invece, David Bradley sta incarnando la memoria culturale pop del personaggio, l’eredità dello spettacolo che probabilmente si è veramente accumulato solo dopo la sua uscita.

Questo forse spiega le battute sul sessismo del personaggio. La barzelletta sullo “scullacciamento” è una presa diretta da The Dalek Invasion of Earth , una battuta pronunciata dal personaggio alla propria nipotina. Non ci sono esempi reali di come il Dottore sia brutalmente sessista come viene presentato qui. Tuttavia, questi ripetuti riferimenti servono a uno scopo nel contesto di Twice Upon a Time . Il Dottore potrebbe essere stato anche un Signore del Tempo di Gallifrey, ma era anche un prodotto della cultura popolare degli anni sessanta. Arriva con un bagaglio che non può essere ignorato da una prospettiva moderna. Può essere difficile individuare esempi precisi di dialogo, ma la verità è che la serie raccolse un sacco di riferimenti dal contesto culturale dell’epoca che non possono essere ignorati. Per quanto Barbara Wright potesse essere relativamente lungimirante nel contesto degli anni sessanta, la serie delegava ancora la maggior parte dell’azione all’eroe tradizionalmente maschile che era Ian Chesterton. Quando la serie ha scritto le sue compagne come Susan in The Dalek Invasion of Earth o Jo Grant in The Green Death o Leela in The Invasion of Time , tendeva a farlo abbinandole romanticamente a un personaggio maschile.

Tutto era previsto nel contesto della televisione degli anni Sessanta e Settanta, ma deve essere affrontato nel contesto dell’apprezzamento nostalgico. L’amorevole impegno con il passato non dovrebbe distogliere da questi problemi, e questi aspetti della cultura pop non dovrebbero essere affascinati o romanticizzati. Certo, il solo fatto di riconoscere questi temi non condanna in modo particolare le amate istituzioni culturali. Anche in Twice Upon a Time , è chiaro che sia il Dodicesimo Dottore che Bill hanno un grande affetto per il Primo Dottore e il Capitano, nonostante il loro sessismo.

In effetti, una certa quantità di questa discussione si svolge all’ombra della rigenerazione in attesa alla fine dell’episodio, ossia Jodie Whittaker come successore di Peter Capaldi. Il moderno internet è stato di grande aiuto e molto entusiasta di questo cambiamento , ma alcuni fan si comportano come se ciò rappresentasse una violazione della premessa principale della serie . Quei fan hanno ragione di affermare che non sarebbe mai successo durante i primi trent’anni della serie, ed è controproducente fingere il contrario.

Invece, è meglio riconoscere perché questa transizione non sarebbe stata possibile nel contesto della storia dello show, perché Doctor Who non avrebbe potuto passare da William Hartnell o Patrick Troughton o Jon Pertwee a un attore femminile. Le battute sul sessismo nel contesto di Twice Upon a Time servono a sottolineare quanto progresso abbia fatto Doctor Who come serie televisiva, riconoscendo i suoi difetti e andando oltre. Questo vale anche per la storia di Moffat come produttore, e per i suoi sforzi per migliorare nello scrivere personaggi femminili e minoritari nello spettacolo.

Con questo in mente, c’è qualcosa di leggermente sfacciato nella conversazione a metà episodio tra il Dodicesimo Dottore e “Rusty”. Certamente, sembra piuttosto strano avere un richiamo a Into the Dalek inserito nell’ultimo episodio dell’era Moffat. Tuttavia, sembra un altro impegno stuzzicante con la storia dello show, permettendo a Moffat di scrivere una conversazione con un personaggio che condivide un soprannome con il suo predecessore diretto come showrunner.

In particolare, il segmento di Villengard sembra essere costruito attorno a una sorta di spettacolo e azione che ha definito così tanto l’era di Davies; c’è un paesaggio arido apocalittico in cui una guerra continua in eterno, ambienti decorati dai resti esplosi di Daleks morti, il Dottore che scambia la propria reputazione come moneta contro un nemico molto più forte, reiterazione della rabbia e dell’odio che definisce la relazione tra il Dottore e i Dalek. La sequenza Villengard è fondamentalmente un grande episodio “evento” che esiste come segmento di dieci minuti in Twice Upon a Time .

Sequenza che serve per legare la “Testamony” alla Nuova Terra. New Earth rimane uno dei contributi iconici più originali di Russell T. Davies al mythos, un filo conduttore dei futuri episodi delle prime tre stagioni dalla distruzione della Terra in End of the World alle visite alla colonia nella Nuova Terra e Gridlock . Come tale, c’è una connessione solida e tangibile tra l’era Davies e la fine dell’era Moffat.

Twice Upon a Time dice molto poco di nuovo o provocatorio sull’interpretazione di Steven Moffat del Dottore, con il suo arco tematico in gran parte reiterando con idee suggerite da precedenti episodi come A Good Man Goes to War o The Day of the Doctor o The Time of the Doctor . C’è la sensazione che il Dottore sia una figura immaginaria magica e stimolante. “Mi dispiace, Capitano, che l’universo non sia una favola”, concede il Primo Dottore al Capitano Archibald Hamish Lethbridge-Stewart. Tuttavia, Moffat sostiene che il Dottore esiste per rendere l’universo una favola.

Moffat ha annunciato il suo arrivo di Doctor Who con la promessa che “tutti vivono!” In  The Empty Child e The Doctor Dances . In un certo senso, Twice Upon a Time porta l’ idea alla sua essenza. È una storia in cui vivono due versioni del Dottore, ma è anche una versione in cui due versioni del Dottore trovano la compassione per continuare a vivere trovando un modo per piegare le regole in modo che solo una persona abbia un finale più felice di quanto potrebbero altrimenti avere. È un piccolo gesto, in particolare nel contesto degli orrori della prima guerra mondiale, ma ha ancora un significato.

Quando arriva il momento di passare il testimone, in una scena introduttiva interpretata da Jodie Whittaker e scritta da Chris Chibtwice upon a time Twice Upon a Time trasforma il TARDIS e lo scuote. La console viene fatta saltare e fogli di carta sono dispersi al vento. La scena conclusiva di Twice Upon a Time rappresenta una pulizia proverbiale della casa, un accenno di saluto a due gag precedenti nell’episodio; la riflessione del Primo Dottore su quanto fosse diventato polveroso il TARDIS e l’insistenza del Dodicesimo Dottore sull’importanza di ricordare “dove parcheggiare”. Rappresenta una rottura netta dall’era Moffat, e giustamente.

Twice Upon a Time trova il Doctor Who di Moffat a conversare con il suo passato, il suo presente e il suo futuro. Nel suo strano modo, sembra un episodio natalizio stranamente appropriato.